Sous un chapiteau, un arbre mort. Brisé en deux à la base du tronc, ses feuilles jonchent le sol, foulées par la poussière dans un paysage imaginé et aride. Avec des sonorités de rock post-apocalyptique, arrivent deux hommes, habillés pour l’après-fin du monde, sur une mobylette transformée en instrument. Son phare fait lumière, la musique est créée et loopée en live, à la guitare, à l’archet, en enregistrant des sons environnants, du tronc et du décor, par le plus vieux des deux frères.

L’ambiance est posée, et Antoine Prost, plasticien et circassien, commence sa danse folle autour de l’arbre. Il jongle, il saute, il escalade le tronçon éventré, et puis, parce que cela n’est pas assez, parce que l’importance de cette rencontre entre l’homme post-moderne et le bout de nature qu’il lui reste n’est pas mis à sa juste valeur, il redresse l’arbre, le remet droit, et le reconstruit, pour y pouvoir à nouveau grimper.

Back to the trees? Non, plutôt Hello Nature my old friend. Et la violence de cette redécouverte prend à la gorge. Comme tout bon circassien, Antoine Prost fait peur à son public, avec une grâce enfantine et sauvage, et sous les échos sourds de la guitare aux notes de Mogwai, sonnée par la virtuosité folle de Clément Gambarelli, la voltige raconte le Vent, l’angoisse du lendemain et la cruauté de la séparation des corps de leurs racines. Cette escalade des branches, impérieuse, interminable, quand arrive un orage, nous raconte une exultation d’enfant dans le jardin désolé. Oui, les deux frères attendent eux aussi un signe. Non pas de Dieu, puisque là où ils sont, Dieu est mort, mais d’eux-mêmes. Du moment où, reposés à l’ombre d’une branche nue, ils pourront reprendre La Route, puisque le roman de Cormac McCarthy est l’inspiration de cette énormité visuelle et auditive.

Dans la veine artistique de la Horde du Contrevent, d’Alain Damasio, cette création ahurissante et fabuleuse se donne à voir aux jeunes publics aussi bien qu’aux adultes, et c’est la bouche bée, le souffle court que sortent les spectateurs. Le spectacle, issu d’une petite compagnie avignonnaise, est une surprise, non seulement du fait de sa qualité, mais aussi par l’ampleur de la force évocatrice qu’elle propose grâce à l’habilité de son circassien et à l’enivrement des ondulations moirées de la musique, envoûtante et hypnotique. La technique et les heures de travail sont évidemment au rendez-vous, mais c’est surtout par la puissance de sa simplicité qu’est agrandit, pour un court instant, l’univers en dehors du chapiteau.

A voir à Avignon, à Aurillac et ailleurs, d’urgence. Et plusieurs fois.

Stanislas Romanée.

• Interprète(s) : Antoine PROST, Clément GAMBARELLI
• Attachée de production : Aurélie MILESI

https://courcirkoui.com/chemins/

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C’est une table, au centre de la pièce. Autour de cette table, des familles, et des histoires. Une femme a grandi dans l’ombre de ses frères et soeurs. Un homme se rappelle de ces matins d’hiver à la campagne, dans une salle à manger au repas rythmé par l’horloge à balancier, sous le regard terrifiant de son père. Une jeune fille se rappelle revenir chez elle pendant ses études, pour trouver les relations transformées, puisque la géopolitique familiale, autour de la table, a été modifiée par la politique de la chaise vide. Ces histoires sont connues, et banales, on nous le dit. Normales, entendues, presque convenues. Bref, familières. Et c’est la folie ordinaires des rapports de pouvoir dans la famille que nous offre à voir, comme un miroir grossissant et déformant, Tabula Rasa.

Première écriture et mise en scène de Violette Pallaro, elle est tour à tour crue, sensible, gênante, et toujours inattendue : la grande force de la pièce est avant sa capacité à ne pas faire système, à jouer des codes avec ses spectateurs, à tromper leurs attentes et leurs préconceptions. C’est la cruauté de l’amour familial qui est mise en cause, une dénonciation impitoyable des liens imposés, des entraves et des obligations. Le texte, ciselé, a cette banalité terrifiantes des plus belles pièces de Dennis Kelly. La scénographie de Vincent Lemaire, déjà impressionnante au premier abord, se transforme et se métamorphose au rythme de la pièce et devient dangereuse, violente. Cette multitude de personnages est merveilleusement incarnée tour à tour par Laura Fautré, sublime et terrifiante dans son rôle de jeune mère puis et de soeur impitoyable, Clément Goethals, extraordinaire en jeune fils spécialiste du management, Thierry Hellin, toujours aussi superbe en père beauf, puis en frère junkie et à la ramasse, et Lara Persain touchante dans sa folie de mère prise au coeur par la mort de sa fille. Les comédiens prennent l’espace, le transforment et le détruisent avec une grâce incandescente, une viscéralité rare.

Un excellent spectacle, à voir et à revoir.

• Interprète(s) : Laura Fautré, Clément Goethals, Thierry Hellin, Lara Persain
• Écriture, mise en scène : Violette Pallaro
• Scénographie : Vincent Lemaire
• Création lumières : Xavier Lauwers
• Création sonore : Félix Mulhenbach
• Arrangements vocaux : Fabian Fiorini
• Direction vocale : Alberto Di Lena
• Régie : Hadrien Jeangette, Baudouin Lefebvre
• Conseil dramaturgique : Mathias Simons

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Plaidoyer écologique absurde et extrêmement humoristique écrit par Jacques Rebotier, joué tambour battant et de main de maître par le comédien et magnifique trublion Arno Feffer.

Dans un monde où le règne de l’homme est en plein épanouissement et celui de l’animal sur sa fin (Dieu merci ! ), il ne nous reste à nous les humains que peu d’efforts à fournir pour achever notre œuvre : la destruction totale et définitive de toutes les espèces d’animaux…

Tel un savant fou en quête de la solution finale, Arno Feffer nous entraîne joyeusement dans son raisonnement scientifique sur  le pourquoi et le comment de cette élimination des animaux.

De façon incisive, le procès fait aux animaux se transforme en immense procès contre l’homme, le raisonnement sans faille aucune démontre comment la guerre est le propre de l’homme, que l’homme n’est pas un prédateur parmi les autres et comme les autres, mais bel et bien le prédateur de tous les autres !

La sentence est sans appel : l’homme dans sa grande supériorité est reconnu coupable !

Mais comment, pourquoi et de quoi, vous insurgerez-vous… L’homme est coupable de destruction massive envers les espèces animales, et pas que…

Jacques Rebotier signe de son écriture poétique une fable drôle, ironique et mordante  qui commence comme une apologie de l’homme et finit par pointer du doigt notre nature sombre d’humain, guerrier sans pitié et tueur sans état d’âme. S’emparant de ce plaidoyer absurde et terrifiant, Patrick Verschueren le met en scène sans pathos, avec beaucoup d’inventivité, soulignant la force de ce qui nous est dit et permettant à Arno Feffer de donner libre cours à toute sa fantaisie. S’appuyant sur la très réussie scénographie de Raphaëlle Weber, il nous permet d’entrevoir le massacre que l’homme pratique inlassablement, sans jamais se retourner en arrière, sans jamais se questionner (ou si peu) sur le devenir de notre planète ! Enfin, le jeu tout en ironie mordante, en fureur pleine de finesse d’Arno Feffer nous révèle la puissance de ce texte qu’il porte formidablement avec une sombre délectation.

Un moment passionnant et écologique à ne pas manquer !

★ ★ ★

T. Volia

Contre les Bêtes de Jacques Rebotier, M-S Patrick Verschueren avec Arno Feffer.

Scénographie Raphaëlle Weber

Présence Pasteur, 13 rue du Pont Trouca, 84000 Avignon

Du 7 au 30 juillet, à 19H, durée 55 mns.

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Bienvenue dans l’univers flamboyant et baroque du « Carmen Flamenco » ! Sur un fond de rempart noir se découpe une ciel rouge sang… Un homme dans un cachot, est assis accablé sur un lit. Un voix d’homme déchire la nuit avec un chant flamenco. Le ton du spectacle est donné, la Passion en sera le mot clé…

« Carmen Flamenco » est à la croisée du roman de Mérimée, de l’opéra de Bizet adapté dont les airs principaux sont traduits et chantés en espagnol tantôt dans leur version lyrique, tantôt dans une version flamenco et de la danse Flamenco…

L’histoire de ce drame nous est narrée par Don José ( Puissant Benjamin Penamaria), qui loin d’être le héros sensible et la pauvre victime de Carmen tel qu’il nous est présenté dans l’opéra de Bizet, est dans le roman de Mérimée un brigand sanguinaire à la jalousie maladive et qui tue tous les hommes qui approchent Carmen. C’est lui qui du fond de son cachot nous retracera toute l’aventure qui l’a conduit jusque là et c’est sa vision de cette histoire que nous verrons.

La première fois qu’il voit Carmen (sublime Magali Paliès) - « parmi toutes les filles je ne voyais pas une diable de fille qui valait celle-là »… Il est subjugué, elle chante et avec lui nous tombons amoureux d’elle et de sa voix, puis un homme lui répond en chant flamenco (Magnifique Luis de la Carrasca) et comme dans un tourbillon apparaissent la danseuse et le danseur de flamenco, les doubles dansés de Carmen et de Don José (merveilleux et exceptionnels Ana Pérez  et Kuky Santiago). L’histoire peut commencer, et quoiqu’on ait voulu nous faire croire sur cette femme Carmen, cette sorcière vénéneuse qui rendait fous les hommes qu’elle approchait, la réalité c’est que Carmen est avant tout une femme libre qui revendiquait à voix haute son indépendance ; et pour cela, elle est aux yeux de tous les hommes une femme dangereuse et sulfureuse mais qu’ils veulent tous posséder.

Adapté avec force et ingéniosité par Louise Doutreligne, ce spectacle est incarné par tous les artistes de façon puissante et nous sommes happés tout au long du spectacle par ces passions contenues qui se déchaînent par moment telles des déflagrations. Les musiciens sur scène (José Luis Dominguez, guitariste flamenco et Jérôme Boudin-Clauzel, pianiste) nous font vibrer.

La mise en scène intense de Jean-Luc Paliès est un beau mariage : celui de tous cet arts qui nous emportent dans un torrent d’émotions et nous enflamment jusqu’au crescendo final !

A voir passionnément !

★★★★

T.Volia

Carmen Flamenco D’après Bizet et Mérimée, M-S Jean-Luc Paliès, avec Luis de la Carrasca, Magali Paliès, Benjamin Penamaria, José Luis Dominguez, Jérôme Boudin-Clauzel, Ana Pérez, Kuky Santiago  

Adaptation Livret Louise Doutreligne, Traduction Evelio Minano Martinez,

Adaptation musicale et création musicale flamenco Luis de la Carrasca

Adaptation musicale d’après Bizet Jérôme Boudin-Clauzel

Technicien son : A. Dalmasso Création lumières : JM Dutriaux

Au Chêne Noir, à 22H, durée 1h10, relâches les 10, 17, 24 juillet.

8 bis rue Sainte-Catherine, 84000 Avignon

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« Il y a deux façons de se taire : l’une de se taire, l’autre de parler, de remplir l’espace.

Il y a deux façons d’être immobile : l’immobilité immobile ou l’immobilité gesticulatoire… Je pratique les deux ! »

Ainsi commence Isabelle de Botton qui dans une ronde de paroles nous entraîne dans les vies

de diverses femmes, héroïnes de monologues écrits par Marie Nimier.

Le personnage qu’interprète Isabelle de Botton nous raconte : elle aime lire mais un jour elle a la curieuse sensation que Marie Nimier s’inspire de sa vie à elle, lectrice passionnée et amoureuse des écrits de cette autrice.

Partant de là avec beaucoup de douceur et de charme, par petites touches de pinceau, Isabelle de Botton avec beaucoup de malice devient toutes ces femmes qui se livrent le temps d’un monologue.

Elle est « potichiste » et non potiche comme elle explique. La potiche, elle, est bien réelle et présente… elle est posée sur la scène énorme avec des frises bleues et elle, notre héroïne, va la peindre, s’arrêtant souvent pour nous parler, croisant les pensées de son personnage avec ceux de Marie  Nimier.

Avec cette Potiche qui trône dans un coin tel le chevalet d’un peintre, deux pots, un immense et un petit constituent le décor. Du grand pot, notre héroïne sort des livres à la pelle, dans ce grand pot elle se réfugie parfois quand elle a besoin de tendresse…

Isabelle de Botton (émouvante, belle et savoureuse) peint sur sa potiche en blouse blanche et pantalon de panthère, sa chevelure magnifique défaite et nous découvrons que potichiste est un métier et qu’elle l’a exercé aux quatre coins du monde !

Ce jour là, elle peint cette potiche pour participer à un concours pour le 8 mars, journée internationale des droits de la Femme ! Et elle aimerait tant que Marie Nimier l’y accompagne à ce concours ! Elle aimerait tant de choses et ainsi entre le silence-bavardé, l’immobilité-gesticulée  l’histoire de cette femme nous est livrée de manière douce-amère, une vie où être jeune fille n’est pas toujours facile quand les hommes se permettent de… et que toi tu n’oses rien dire, une vie de femme où il faut décider de quelle femme tu seras. Entremêlant sa vie avec celles des héroïnes de Marie Nimier, entretenant un dialogue avec cette écrivain, elle nous raconte ces femmes avec leurs différences, leurs peurs, leurs espoirs, leur âpreté, leur tendresse, leur amour de la vie, leur passion… toute une féminine humanité…

La mise en scène de Jean-Pierre Hané est simple et pétillante. Isabelle de Botton passe avec beaucoup de finesse, d’humour et d’empathie d’une femme à l’autre. Et comme elles nous sont proches ces femmes, et comme elles nous ressemblent, et comme on les aime. Et c’est bien là l’art de Marie Nimier de se glisser dans la vie d’autrui sur la pointe des pieds par la porte ou la fenêtre, pour nous raconter le temps d’un monologue une tranche de vie qui dévoile toute une vie, qui délicatement se fond et se confond avec nos propres vies.

Et Isabelle de Botton, elle, a l’art de les jouer ces vies de femmes et de nous les faire aimer !

A voir très vite ★★★

T. Volia

de Marie Nimier, avec Isabelle de Botton, M-S Jean-Pierre Hané, Chorégraphie Philippe Fialho, Scénographie Koko

La Violence des Potiches au théâtre Pixel Avignon, à 14H05, durée 1H10

relâches les 11, 23 et 24 juillet.

18 rue Guillaume Puy, 84000 Avignon

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Il en est des spectacles comme de la vie ! Par moment, elle nous semble calme, cool, tranquille, un peu ennuyeuse mais sympa, et par moment c’est un tourbillon joyeux, rapide, acide, pimenté !… Quelle vie préfère-t-on ? Quel spectacle ? Ne répondez pas tout de suite, prenez le temps de réfléchir… ou pas !

Dans un monde converti à l’ultra consommation, à quel moment décide-t-on de vendre sa conscience au diable ?

Dans un monde où habiter dans un appartement petit, crasseux mais cher, surtout très cher, le jeune et gentil couple Fleur  (Joséphine Berry craquante) et Benji (épatant Louis Bernard) vivent une vie heureuse, calme, tranquille…etc. Elle attend Bébé, le samedi ils se baladent dans les grands et beaux magasins, s’extasient en silence sur toutes ces belles choses qu’ils n’auront jamais, puis rentrent dans leur petit appartement miteux mais dans lequel ils sont heureux.

Un jour, ils reçoivent une lettre de l’état qui leur propose de leur donner une maison ! Bien sûr, il y a quelques petites conditions… C’est là que le diable, sous la forme d’une femme d’affaire rapide et efficace (surprenante Floriane Andersen) va entrer dans la danse, les allécher, les appâter avec une proposition si… qu’on ne peut pas la refuser dit Fleur qui entrevoit l’occasion de quitter la première vie pour aller vers l’autre qui serait plus… Non, il faut se méfier dit Benji à qui sa vie petite, terne etc. suffit parfaitement… oui mais Bébé dit-elle la main sur son ventre posé, ouvrant ses grands yeux remplis de larmes rentrées… ou pas !

Alors, au nom de l’amour pour Bébé, chassant cette première vie d’une pichenette, ils vont basculer dans la seconde, bousculant allègrement tout ce qui faisait les fondements de leurs consciences, pour notre plus grand bonheur (honte sur nous) !

Avides de posséder plus, encore plus et toujours plus, ils oublieront toute humanité…

Philippe Ridley décrit avec malice et férocité un monde où consommer est la priorité absolue. Les répliques fusent, les situations subversives s’enchaînent rapidement. Toute notre société est passée au crible de sa plume acide et hilarante. Portée par une mise en scène épurée, tout est blanc du sol au plafond, David Mercatali nous plonge dans dans une ambiance quasi surréaliste qui nous horrifie, et même si une petite voix intérieure nous gourmande et nous susurre : non, ils ne vont pas aller jusque là, non… Si ! on ne peut pas s’empêcher de rire jusqu’aux larmes par instant.

Joyeux, attachants, cyniques les comédiens s’en donnent à cœur joie. Ils nous entraînent par touches successives dans cet univers absurde et décalé. Il y a la séduisante Joséphine Berry, dont le personnage tranquille et discret au début du spectacle dévoile très vite une volonté de fer, elle joue avec finesse de tous les codes de la femme qui propose sans imposer et explose littéralement si on ne lui donne pas ce qu’elle veut. Elle irradie au fur et à mesure qu’elle accumule et nous communique avec passion son amour de la possession. Il y a Louis Bernard dont la naïveté et la droiture au départ nous rassurent et qui va se révéler plus féroce que les autres. Il joue avec un naturel désarmant, il est extrêmement drôle et nous fait vivre un moment digne des plus grands comiques. Floriane Andersen tantôt femme d’affaires, tantôt clocharde excelle dans l’interprétation de ses deux personnages, variant de l’un à l’autre avec virtuosité et si elle campe une femme effrayante dans le premier, elle nous touche tout en douceur dans son rôle de vagabonde.

Un spectacle subversif, hilarant,un petit bijou pimenté qu’il ne faut pas rater !

★ ★ ★ ★

T. Volia

Radieuse Vermine de Philippe Ridley, M-S David Mercatali, assisté de Flore Vialet

Avec Joséphine Berry, Louis Bernard, Floriane Andersen

Au Chêne Noir, 8 bis rue Sainte-Catherine, 84000 Avignon à 20H45, durée 1H25

Relâche les lundis 10, 17, 24.

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Tout commence en septembre 2010 lorsque le dernier directeur de l’usine de Gémenos (près d’Aubagne), M.Lovera arrivé en 2007, ferme l’usine de thé Eléphant, créée à Marseille à la fin du XIXème siècle, pour cause de production en Belgique et en Pologne…

Non, l’histoire commence bien avant : Elle commence déjà en 1998 lorsqu’Unilever ferme l’usine du Havre. Ils ont mis deux ans à la fermer, vite fait, bien fait… Toute la production se retrouve concentrée à Gémenos et 54 familles se déracinent (oui, quand on délocalise quelqu’un, on le déracine lui et toute sa famille !) pour conserver leurs emplois…

Alors, quand on 2010 la Direction, cette hydre à milles têtes, décide de fermer le dernier site français, les ouvriers décident de dire non ! Non, au massacre de leurs emplois, non à la casse de leurs vies, NON… et décident de reprendre l’usine, d’en faire une S.C.O.P (Sociétés coopératives et participatives).

En donnant la parole aux ouvriers qui pendant 4 ans ont mené cette lutte, c’est un acte évidemment politique que fait Philippe Durand, mais surtout et avant tout humain. L’humain, une notion particulièrement oubliée, pour ne pas dire méprisée par toutes ces multinationales pour qui le profit est leur seule raison d’être… Et Philippe Durand (extraordinaire) nous transmet de façon sobre, émouvante, avec humour, mais aussi avec colère, rage, désespoir, ce par quoi sont passés ces  femmes et ces hommes qui ne se sont jamais avoués vaincus !… A côté de lui, une autre table où sont rangées en pyramide les boites et infusions de la nouvelle marque …

Ils ont tenu pendant 4 longues années ! Et pourtant il y aurait eu de quoi arrêter, car les multinationales ont tout pour faire craquer les plus résistants… Elles ont les moyens de faire traîner les choses indéfiniment, elles ont les moyens de payer un huissier à 320 euros de l’heure et qui vivra pendant des mois dans l’usine (mais peut-être a-t-il fait payer à Unilever un forfait !), elles ont les moyens d’envoyer des vigiles sans cesse harceler les ouvriers, elles ont les moyens d’avoir une armada d’avocats, elles ont les moyens de repartir en appel quand les jugements leur sont défavorables (à chaque fois) !

Face à ce déploiement de force, d’argent et d’intimidations, des hommes et des femmes qui n’ont rien d’autre que leur volonté, qui refusent de voir leur marque « Eléphant » partir à l’étranger, qui refusent de voir leur avenir, et celui de leurs enfants, piétiné, vont résister à toutes les pressions, tous les coups durs grâce à leur solidarité.
Et quand enfin Unilever va céder, eux ils seront prêts à relever le défi de faire vivre leur usine.

Ils sont conscients que les vraies difficultés ont commencé du jour où ils ont gagné mais ils avancent pas à pas, se battent désormais avec les chiffres, les grands magasins pour qu’ils représentent leur marque, une marque nouvelle dont le nom magnifique et combatif est… 1336.

Un spectacle à ne rater sous aucun prétexte.

★★★★

T. Volia

1336 (Parole de Fralibs) avec Philippe Durand

Au 11. Gilgamesh Belleville, 11 Bd Raspail, 84000 Avignon à 20H10, durée : 1H35

Du 6 au 28 juillet, Relâches les mardis 11, 18 et 25 juillet.

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-« On a tous un jardin secret à l’intérieur de nous !

Je suis trop petit pour avoir un jardin à l’intérieur de moi… ».

Le charme, la poésie et l’humour de ce spectacle sont immédiats et ne s’arrêtent jamais. Il nous envahissent tout au long de la pièce, nous entraînant avec une délicatesse infinie dans l’univers de ces deux enfants dont on suit le questionnement le temps d’une nuit blanche.

Nous sommes dans un jardin, 2 enfants Colombe et Arthur ont décidé de ne plus jamais dormir pour comprendre ce monde des adultes, pour avoir des réponses aux milliers de questions qui se bousculent dans leurs têtes !

Le merveilleux de ce spectacle est sa capacité à plonger les enfants et les adultes dans une fable légère comme une plume, remplie par instant de gravité et ludique, toutes ces émotions se jouant avec une grande instantanéité comme seuls les enfants en ont le secret. Et puis des plages de silence, moments où l’enfant rentre en lui-même et rêve, son regard tourné ailleurs, un ailleurs très lointain… Instants suspendus, on flotte dans cette nuit, on redevient enfant, nos propres questions, craintes, peurs et joies nous reviennent… Tout est paisible quand soudain de nouveau , à travers des jeux, des rires, des bousculades la vie se remet en mouvement, les questions fusent, les réponses et leur contraire se proposent pour notre plus grand bonheur.

Servi par une mise en scène d’Antoine Colnot, dépouillée et riche de mille détails qui nous surprennent et nous enchantent et par deux comédiens et un musicien-conteur, le texte de Anne Rehbinder est de la dentelle, tout en courbes et en rondeur. Il nous emporte par sa fraîcheur, mais aussi par son humour et sa douceur aux pointes acidulées.

La scénographie de Laïs Foulc est originale et simple à la fois, une cabane transparente, une lune blanche, un nuage doré, et surplombant le jardin, un plateau avec le musicien-conteur Olivier Slabiak dont la voix et la musique rock et poétique à la fois se font entendre en contrepoint de ce qui joue plus bas. Et cet espace magique est magnifié par des lumières faites par Laïs Foulc qui nous donnent l’impression par moment d’être dans un tableau de Magritte en noir et blanc.

Nous sommes emmenés dans ce voyage par Anne Jeanvoine et Antoine Colnot deux comédiens magnifiques de justesse, de tendresse, de tristesse de colère et de rires. Dès le début, ils nous choppent sans avoir l’air de rien et ne nous lâchent plus… Où pour être plus précise, c’est nous qui ne les lâchons plus, comme quand nous traversons une route et qu’on ne lâche pas la main de nos enfants, pas une seconde nous ne quittons des yeux ces deux comédiens-enfants ou enfants-comédiens, devenant comme eux et retrouvant la part de l’enfant qui est en nous et n’est jamais très loin…

Les enfants comme les parents sont fascinés et adhèrent à cette aventure joyeuse et poétique et nous sortons de ce spectacle touchés, heureux, rêvant à notre tour de trouver notre bulle où nous poser, afin que notre imaginaire prenne le temps de répondre à toutes ces questions que enfants nous avions dans notre cœur  et n’avions jamais soulevées !

A voir absolument en famille de 7 ans à…

T. Volia

de Anne Rehbinder. M-en-scène Antoine Colnot, avec Anne Jeanvoine, Antoine Colnot et Olivier Slabiak, Musiques Olivier Slabiak, Scénographie et Lumières Laïs Foulc, Costumes Cécile Pelletier.

Nuit Blanche, spectacle pour enfants, Théâtre du Girasole, à 15H40, durée 50 mns.

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Oui, une voix s’est élevée, deux en réalité, celles de  Michel Pinçon et Monique Pinçon-Charlot, sociologues, chercheurs et directeurs du CNRS, inspirés entre autre par Bourdieu et qui ont toute leur vie étudié le monde des « Riches ». Partant de leur livre « la Violence des Riches – Chronique d’une casse sociale » et de leurs autres travaux, la Compagnie Vaguement Compétitifs a décidé d’amener au théâtre, de façon ludique, exigeante, passionnante ces écrits dont la violence n’est pas dans les mots mais bien dans ce qu’ils nous dévoilent !

A l’entrée de la salle, on nous distribue des stylos. Sur scène, une table de conférence, des banderoles, un panneau : Répétition 16 Novembre 2015. Un homme se met à nous parler, très vite interrompu par deux personnes assises parmi les spectateurs : le ton est donné, le spectacle commence… Car c’est bien de spectacle qu’il s’agit, d’un spectacle où les codes de jeu, de mise en scène sont réinventés, où pour rendre claire la complexité de ce qui nous est raconté, les acteurs jouent sur tous les niveaux comme les riches jouent sur tous les tableaux. Ils nous font rire, souvent et beaucoup, passant même par des moments de bouffonnerie, pour mieux nous cueillir et nous dévoiler le vrai visage de cette classe (pardon, on ne dit plus le mot classe !) de ce monde des riches, et de leur processus (toujours le même) pour dominer l’autre : séduire, diviser en flattant les uns, en terrorisant les autres, et puis tout casser pour plus, toujours plus gagner.

Passant d’un personnage à l’autre, les comédiens (parfaits) s’approprient avec intelligence, drôlerie, profondeur le texte adapté de façon extrêmement lumineuse par Stéphane Gornikowski, nous obligeant nous les spectateurs à tantôt participer, tantôt être les témoins de ce qui se produit dans notre monde. A nous de décider si nous restons complices des forfaits, de la démolition systématique de notre société commis par les riches ou pas… Car c’est bien de violence dont nous parle ce spectacle, celle faite à ceux qui n’appartiennent pas à l’élite, et même si le mot ne se dit plus, nous pouvons être certains que la guerre des classes existe encore et toujours. Ce sont les riches qui la mène et qui comptent bien la gagner !

Un combat inégal : d’un côté des ouvriers, des travailleurs qui croient en la valeur du travail, de l’autre une élite, celle des patrons dont le dieu est l’argent, et qui en son nom, assume une casse sociale de plus en plus radicale…

Grâce à la scénographique simple et inventive à la fois, les trois acteurs nous emmènent dans leurs réflexions, leurs interrogations mais aussi leurs démonstrations. Et toute la force de ce spectacle est là : nous écoutons et comprenons tous les concepts qui sont déroulés devant nous. Notre esprit s’aiguise, notre compréhension est de plus en plus large et nous jubilons de toute cette connaissance qui nous est transmise de façon aussi épurée, grave et joyeuse à la fois.

Une mise-en-scène rapide aux univers changeants dans laquelle les comédiens sont magnifiques, plein de mordant et de chagrin, évoluant d’un personnage à l’autre parfois avec truculence, violence, parfois avec finesse et gravité mais toujours sous-tendus par l’humour.

Et puis, la fin du spectacle, une note d’espoir qui nous émeut au plus profond de nous-même.

Les spectateurs sont passionnés, révoltés et passent du rire à la colère, de la moquerie à la rage et si leur conscience politique était endormie au début, elle se réveille très vite et ne demande plus qu’à se plonger en sortant du théâtre dans les livre de Michel Pinson et de Monique Pinson-Charlot.

Une pièce à voir de toute urgence.

T. Volia

La violence des riches au théâtre des carmes à 10H, durée 1H10

Conception et écriture : Stéphane Gornikowski

Mise en scène : Guillaume Bailliart

avec Sophie Affholder, Grégory Cinus et Malkhior

Collaboration à la mise en scène : Etienne Gaudillère

Avec la participation artistique de Laurent Hatat et Jeanne Menguy.

Création lumière : Annie Leuridan

Scénographie : Marilyne Grimmer et Yvonne Harder

Régisseuse : Caroline Carliez

Régisseur : Fred Flam

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Marcel Aymé s’amuse… Il dresse des portraits peu flatteurs d’une famille noble, insensée et sans le sou et qui pour survivre passe des jours et des nuits à tricoter des pulls.

Dominée par le Comte de Clérambard, mari, gendre et père odieux, homme impitoyable et tyrannique (impressionnant Franck Desmedt), la famille geint, se débat mais suit pas à pas ce mâle dominant dans toutes ses bassesses et vilenies.

Arrive le jour où la rédemption s’offre à eux sous la forme de Saint François d’Assise qui apparaît au Comte et lui offre un livre sur sa vie au moment même ou le curé de leur village vient leur proposer un marché… Marier leur fils à une fille très laide mais très riche…

Sans répit, les situations plus insensées les unes que les autres se succèdent, nous font rire et frémir à la fois !

La Foi, avec un grand F, est au cœur de ce spectacle et permet à Marcel Aymé de vilipender une fois de plus l’hypocrisie de cette société ou le croyant n’est pas celui que l’on croyait…

Une comédie grinçante et étonnante.

Guilaine Londez en femme du Comte est fine et attachante, Isabelle de Botton dans le rôle de Madame de Léré est parfaite, toutes ses répliques font mouche, Flore Vannier-Moreau nous enchante dans son côté populaire de la « Langouste », le couple Galuchon, Marijo Buffon et Romain Lagarde, peint formidablement tous les travers des petits bourgeois voulant se hausser du col, Grégoire Bourbier dans son rôle de curé est dégoulinant à souhait et Hervé Haine, musicien-chanteur et docteur est jubilatoire.

Un spectacle à découvrir joyeusement !

3 étoiles

T. Volia

M-S : Jean-Philippe Daguerre

Avec : Franck Desmedt, Guilaine Londez, Isabelle de Botton, Flore Vannier-Moreau, Marijo Buffon Romain Lagarde,  Grégoire Bourbier et Hervé Haine

Clérambard, Théâtre Actuel, 80 rue Guillame Puy, 84000 Avignon, à 18H55, duré 1H30

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