Amateurs de sueurs froides, de frissons et d’humour noir, la Dame blanche est un spectacle fait pour vous. Les portes grincent, les fantômes volent, les esprits des morts troublent toute tranquillité … Pris dans les fils surnaturels de l’intrigue, scotchés au siège, on se laisse porter avec délice et malice par ce thriller théâtral mené de mains de maître par le duo Azzopardi et Danino, et porté par une troupe fantastique… grisant, glaçant !…

L’argument : Cette nuit-là, Malo Tiersen n’aurait jamais dû prendre sa voiture. Il n’aurait jamais dû aller dans cette maison au milieu des bois. Il n’aurait jamais dû avoir cet accident.
Et vous, vous n’auriez jamais dû pousser la porte du Palais-Royal. Au théâtre, vous n’aviez jamais eu peur… Jusqu’à ce soir !…

La critique : À peine passées les portes du théâtre du Palais-Royal, le spectateur bascule dans une autre dimension. Les ouvreuses ont disparu laissant leur place à des sortes de zombies recouverts d’oripeaux élimés, les visages masqués par d’affreux sacs en toile de jute, rafistolés. L’effet est bluffant, saisissant. Tout le monde file droit. Installés, le regard inquiet, hagard, les spectateurs se dévisagent, et scrutent l’espace, espérant anticiper la prochaine chausse-trappe, la frayeur suivante. Trop tard, le noir se fait. Direction la Bretagne, la forêt de Brocéliande, les alignements de Carnac et ses légendes.

L’histoire pourrait être banale : un homme, Malo (charismatique Arthur Jugnot), gendarme de son état, est tiraillé entre sa femme (étonnante Réjane Lefoul) et sa maîtresse (lumineuse Anaïs Delva), mais les mystères celtiques et les fées d’antan vont troubler la quiétude du trio et de ses familiers. Témoins malgré nous, cobayes d’une expérience au-delà du naturel, on se laisse embarquer dans cet instant théâtral, unique, glaçant…

En misant sur des effets spéciaux impressionnants, des gadgets délirants, des effets de manches toujours plus inventifs, Sébastien Azzopardi et Sacha Danino créent l’illusion d’un monde fantastique où le rire n’est jamais loin de la frayeur. Toujours sur le qui-vive, on se laisse prendre au jeu, d’autant plus qu’on fait partie intégrante de l’histoire. Pas un moment de répit, le spectacle est mené tambour battant. C’est fascinant !…

Dans un décor sur plateau tournant, on passe en un clin d’œil d’une ambiance à l’autre, chaque personnage apportant sa part d’humanité, de douceur et de noirceur. Anaïs Delva, enfin Libérée, délivrée de la Reine des neiges, est tour-à-tour pétillante, grave, sombre et accorte. Sa chevelure flamboyante, son sourire éclatant, illuminent la scène. Arthur Jugnot est terriblement humain et bouleversant : si c’est un personnage lâche, un peu torturé et perdu, il séduit surtout par sa jovialité et sa simplicité. En vieille voisine excentrique, un peu folle, Michèle Garcia est tout simplement divine. Les autres comédiens sont à l’unisson du duo : parfaits. Tous nous embarquent dans cet univers sombre et inquiétant.

Le souffle coupé, le rire nerveux, le public est en transe, tant l’atmosphère des films d’horreur est parfaitement restituée. Laissez-vous tenter, foncez ressentir le frisson, la peur, vous ne le regretterez pas !…

Olivier

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Avec Arthur Jugnot, Anaïs Delva, Sébastien Pierre, Réjane Lefoul, Emma Brazeilles, Michèle Garcia, Benoît Tachoires
Décors de Juliette Azzopardi
Costumes de Pauline Yaoua-Zurini
Lumières de Philippe Lacombe
Magie de Kamyleon
Vidéo : Mathias DELFAU
Sculpture de Jean Godement
Masques de Marion Even

Théâtre du Palais Royal
Du mercredi au vendredi à 21h,
le samedi à 16h30 et 21h et le dimanche à 17h

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Dans la grande salle du Splendid, flotte comme un air de vacances estivales, de soleil et de Provence. Champs de lavande, odeur d’ail rissolant dans l’huile d’olive, couleurs chaudes et accent chantant du sud invitent à un voyage des sens et des émotions. Autour du plan de travail de la cuisine familiale, secrets de famille, filiation, amour, deuil, choc des cultures, traditions et modernisme, sont les ingrédients de cette comédie pleine de fraîcheur, d’humour et de jolis sentiments. Touchés par la justesse du propos, on est séduit par l’harmonie, la douceur et le charisme qui se dégagent du couple Julia Duchaussoy et Frédéric Quiring et par la fragilité et la chaleur communicative de Jean-Claude Dreyfus… Charmant !…

L’argument : Jacques, ancien restaurateur à la retraite et sans grandes ressources, 
habite seul dans la maison provençale de sa filleule Léa. Quand elle vient lui rendre visite le temps d’un week-end, l’ambiance est au beau fixe… mais pas pour longtemps !

La critique : Sur le devant de la scène, un énorme bouquet de lavande accueille le public. Sa douce odeur envahit l’espace titillant nos narines, nous emmenant directement au cœur des Alpilles provençales. Installés confortablement dans la salle, on en oublie vite les premiers frimas automnaux pour ne rêver que de la chaleur provençale. Au son des chants des cigales le rideau s’ouvre sur le plan central d’une cuisine familiale. Aux fourneaux, l’imposant Jacques (malicieux, tonitruant et étonnement chétif Jean-Claude Dreyfus) prépare le dîner pour sa belle filleule Léa (charmante et solaire Julia Duchaussoy), qui est aussi la propriétaire du mas. La jeune femme, qui vit à Paris, revient pour quelques jours dans la maison de son enfance. Après le drame – ses parents sont décédés dans un accident de voiture quelques mois plus tôt – , elle retrouve son bourru de parrain pour se ressourcer. Les retrouvailles avec le cuistot à la retraite, « looser » de talent, sont teintées de soleil et de bonne humeur.

Dans ce ciel bleu immaculé, l’orage s’annonce. Des bruits de moteur et de carrosserie se font entendre au loin. Léa ne semble pas être venu seule… Rayonnante, émue et troublée, la jeune femme se lance… L’homme dehors, c’est Fahed (touchant et affable Frédéric Quiring), son futur époux. Français d’origine libanaise, rencontré deux mois plus tôt, il est spécialisé dans la cuisine moléculaire…La rencontre va être explosive. Jacques est un franchouillard, un vieux de la vieille. Il croit au terroir, en la cuisine traditionnelle. Un poil raciste, il est surtout très exclusif quand il s’agit de sa filleule. Qu’un ambitieux, passionné de chimie culinaire, même pas « totalement » Français, vienne marcher sur ses plates-bandes et ses prérogatives, cela a un goût amer. D’autant que se profile pour le vieil homme la perspective de quitter son nid douillet, chasser par les deux tourtereaux, pour des horizons moins enchanteurs…

Très vite le climat devient glacial. Durant un week-end, nos trois protagonistes vont se déchirer, s’appréhender, se jauger, se comprendre et s’aimer. Les secrets se dévoiler, les sentiments s’exacerber, les vérités dites. De la violence des propos, de l’attachement des uns aux autres, de l’immersion de chacun dans l’univers des autres, se dégage un souffle salvateur terriblement humain.

Les mots simples et authentiques de Marilyne Bal, dont c’est la première création, résonnent en nous comme des sons familiers, universels. La mise en scène tout en sobriété d’Anne Bouvier vient souligner le jeu tout en finesse des trois comédiens. Le sourire enjôleur, la colère froide, la fougue parcourant ses veines, l’émotion palpable, les larmes au bord des yeux, Julia Duchaussoy est bouleversante. De son trouble transparaît l’étonnante ambiguïté de sa relation qui l’unit à Jacques. Tout en retenue et douceur, Frédéric Quiring excelle en passionné du monde et de la cuisine. Il sait parfaitement s’effacer devant le lourd passé et passif qui relie les deux autres, tout en laissant sa présence lumineuse réchauffer l’atmosphère et les cœurs.

Stature impressionnante, figure tutélaire et monstre sacré, Jean-Claude Dreyfus complète cette belle distribution. Derrière la grande carcasse et l’impossible caractère, il cache une belle sensibilité. D’ailleurs, c’est dans la douceur et dans les blessures à fleur de peau qu’il touche au cœur et emporte le public sur la carte du sensible…

C’est dans la beauté des sentiments et dans l’amour pour son prochain que cette jolie comédie douce-amère séduit laissant, longtemps après que le rideau se soit baissé, un parfum de bonne humeur et de bien-être qui continue de nous envelopper…

Olivier

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de Marilyne Bal

mise en scène par Anne Bouvier

avec Jean-Claude Dreyfus, Julia Duchaussoy et Frédéric Quiring
Décors de Sophie Jacob
Costumes d’Emilie Sornique
Musique d’Hervé Devolder
Lumières de Denis Koransky

Théâtre du Splendid 

du mardi au samedi à 19h
durée 1h10

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L’ambiance est terrible, sombre, lourde. Tout semble gris. Les personnages errent comme des zombies, tous gagnés par l’ennui, la vacuité de leur vie. La tragédie est ancrée dans leurs gènes. Dans ce monde de médiocrité et d’oisiveté, tout concourt à une fin funeste. Dans cette obscure atmosphère, la lumière naît de l’étrange intensité dégagée par les comédiens. En tête, Micha Lescot qui compose un Ivanov sensible, fébrile, presque spectral. En collant à la version première de la pièce de Tchekhov, Luc Bondy signe une comédie noire, violente et satirique de toute beauté…. Subjugué !…

L’argument : Ivanov, en russe, c’est un nom qui se rapproche de Dupont ou Durand – un monsieur tout le monde. Propriétaire terrien dans un district de la Russie centrale, intelligent, gentil, amoureux, Ivanov est envahi depuis peu par une certaine mélancolie. Sa femme très malade, sa propriété qui part à vau-l’eau, sa gestion de l’argent, tout est remis en question…

La critique : Devant une porte de hangar grise, un homme, Ivanov (épatant Micha Lescot), le regard perdu, son grand corps courbé, assis sur une chaise, gratte la peinture. Le crissement des ongles sur le métal transperce l’atmosphère. Le public n’est pas encore installé, qu’on est déjà transporté dans cette Russie rustique, terrienne et paysanne de la fin du XIXe siècle. Tout semble grand, terne, sans couleur. Les lumières s’éteignent… L’immense porte s’ouvre. Le décor est minimal. La scène presque vide. Au fond en clair obscur, une maison est stylisée. À l’intérieur deux personnes jouent de la musique, une femme, Sarah (émouvante Marina Hands), l’épouse d’Ivanov, un homme, son oncle, le comte (renfrogné et tonitruantAriel Garcia Valdès). De leur duo, se dégage une certaine chaleur. Pourtant, une ombre plane. La maladie. La femme, atteinte de tuberculose, n’a plus que quelques jours à vivre.

À l’extérieur, Ivanov désœuvré erre. Il marche, tourne sans but. Sa vie lui semble étrangère. Une mélancolie sourde coule dans ses veines. Ruiné, incapable de s’occuper de ses affaires, il laisse gérer son domaine par un familier (hâbleur et tonitruant Laurent Grévill), trouble magouilleur. Dans ce monde oisif, étriqué et antisémite de la petite bourgeoisie de province, l’homme, trop différent de ses semblables, est la proie des commérages. Tout le tourmente, tout le blesse, la moindre parole, amicale ou ennemie, est un coup de poignard dans son âme. De son mariage avec la jolie et riche juive, qui a changé de religion par amour, il ne reste rien. Déshéritée par ses parents, elle s’accroche à cet homme qui ne l’aime plus. À sa passion brûlante ne répond que la froideur d’Ivanov, son désintérêt et son impossibilité à agir, à prendre une décision. Immobile dans ce monde routinier, putride et futile, tout glisse sur lui.

Rien n’a de prise… sauf la lumineuse présence de Sacha (lunaire Victoire Du Bois), la fille des Lébédev, ses usuriers. En sa compagnie, un temps, l’homme grave retrouve un semblant de goût à la vie. Elle est la seule à ne pas le juger, à l’aimer pour ce qu’il est, un héros blessé, brisé, broyé dans un système obsolète et stérile.

Cette impression étrange, lunaire et oppressante est renforcée par le jeu des lumières de Bertrand Coudercet par les décors simples et dépouillés de Richard Peduzzi qui permettent de passer facilement de l’aridité des terres de la Russie centrale, à l’intérieur prétentieux d’un salon petit bourgeois.

De ce texte tragique teinté d’humour noir, Luc Bondyesquisse une fable réaliste, élégante, sombre et violente. Prenant appui sur les premières intentions du dramaturge russe, il dépeint, au plus près des visages et des attitudes cette société en fin de course, médiocre, à l’esprit étroit, où les hommes vivent comme des automates sans âme, sans envie, sans désir. Loin des images d’Épinal de la fameuse et noble beauté de l’âme russe, sauvage et intrépide, on découvre des individus veules, abjects, grossiers et brutaux.

Ce bal, sombre et vain, mené de main de maître par l’excellent metteur en scène suisse, doit beaucoup aux interprètes. Dans le rôle titre, Micha Lescot est hallucinant. Tout en intériorité et fébrilité, il compose un Ivanov sombre, fantomatique. De sa silhouette dégingandée se dégagent noirceur, apathie et fatalisme. Il imprègne ses gestes, ses mouvements et son regard de ses rêves d’antan, perdus à jamais. Face à lui, Marina Hands incarne sa femme avec douceur et humanité. Elle éclaire la pièce d’une lueur pâle, vacillante. Étoile mourante, elle jette ses derniers feux sous les phrases sibyllines de son époux « Sale juive » , « tu vas mourir ». Seule sur scène, son corps s’étiole alors que les parois se referment sur ses derniers souffles, clôturant magnifiquement la première partie de cette pièce fleuve.

À l’opposé, Victoire Du Bois donne vie à une Sacha incandescente, intense, étonnamment moderne. Amoureuse sans condition d’Ivanov, elle brûle sa jeunesse pour lui. Astre radieux, elle s’éteint, sa vitalité aspirée par les angoisses, le mal de vivre et le désespoir du trou noir qu’elle a face à elle.

Toute la distribution est impeccable. Tous ont su trouver au plus profond d’eux-mêmes la part sombre, la complexité et l’âpreté de leur personnage leur donnant corps et réalisme. Yannick Landreinfantastique en médecin fanatique impuissant à sauver la vie de Sarah. Christiane Cohendy terrible en usurière radine au dernier degré. Marie Vialle radieuse en femme facile rêvant de fête et de gloire, etc.

Totalement embarqué dans ce monde en perdition, où l’ennui gagne et unit tous les protagonistes, on est littéralement séduit par cette version réaliste, humaine et moderne d’Ivanov… Fasciné !…

Ivanov d’Anton Thekhov
Théâtre de l’Odéon
jusqu’au 1er novembre 2015
du mardi au dimanche à 20h
Durée 3h10 avec entracte

d’après la première version d’Anton Tchekhov
mise en scène de Luc Bondy
avec Marcel Bozonnet, Christiane Cohendy, Victoire Du Bois, Ariel Garcia Valdès, Laurent Grévill, Marina Hands, Yannik Landrein, Roch Leibovici, Micha Lescot, Chantal Neuwirth, Nicolas Peduzzi, Dimitri Radochévitch, Fred Ulysse & Marie Vialle
décor Richard Peduzzi
costumes Moidele Bickel
lumière Bertrand Couderc
musique Martin Schütz
maquillages / coiffures Cécile Kretschmar

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Les mots jaillissent par flots ininterrompus, exprimant les angoisses de l’adolescent, ses colères, ses violences et ses interrogations face à un monde hostile qui se refuse à le comprendre. Ils brûlent, résonnent et bourdonnent. Ils prennent vie dans le corps et l’âme de William Mesguich qui incarne avec une passion dévorante la folie destructrice qui embrase l’esprit du jeune Flaubert. Captivé par le feu intense qui se dégage du comédien, par sa rage et la maîtrise de son jeu et de son être, on s’enfonce progressivement avec lui dans l’aliénation de l’auteur… jusqu’au précipice. Stupéfiant !..

L’argument : écrits à 17 ans, Les mémoires d’un fou sont, dans l’œuvre de Flaubert, une tentative singulière de mêler les genres de la biographie et des mémoires. Réflexion sur les liens qui existent entre le langage et la réalité qu’il tente de représenter, Flaubert nous entraîne dans un jeu habile où il oppose sa « folie » à la bêtise du monde.

La critique : la scène est un antre, celui d’un écrivain en devenir. Le sol, les murs sont recouverts de feuilles blanches ou couvertes d’écritures. Derrière un poteau se tient une ombre. Elle s’avance… Dans la lumière éclatante apparaît un jeune homme, l’œil hagard, le regard bleu, fiévreux, les boucles blondes de sa chevelure hirsute. C’est Gustave Flaubert (impressionnant William Mesguich). Il a 17 ans. C’est un adolescent solitaire dont la jeune existence est déjà cabossée, meurtrie.

En grande partie autobiographique, Les Mémoires d’un fou dévoilent les premiers émois, les premières pensées et les premières blessures de l’auteur de L’Education sentimentale et de Madame Bovary. Tout y est : ses angoisses, ses douleurs, ses colères et ses troubles. Comme dans un journal intime, il y dépose ses pensées, sans fard. Il jette les mots sur le papier avec l’énergie du désespoir et de la démence qui le guette. Le texte est âpre, brûlant, violent et décousu. La syntaxe vive, saccadée et fragmentée. L’ensemble exalté, puissant.

Afin d’approcher au plus près l’adolescent, ses idées, ses réflexions et ses divagations les plus intimes,Sterrenn Guirriec a fait le choix judicieux d’une mise en scène simple et moderne, qui mêle jeu de lumières et arts vidéo, tout en conservant la structure narrative en dents de scie, alternant les moments de pure folie et les instants, plus calmes, de lucidité. L’effet est bluffant, tant est prégnante l’impression d’explorer les méandres de cet esprit enflammé.

Seul sur scène, l’incandescent William Mesguich est ceFlaubert jeune, fiévreux, insensé, exalté, en colère contre le monde. Il l’incarne jusqu’à l’aliénation. Le feu de ses yeux embrase, le souffle de sa bouche qui déverse avec force, passion et violence les mots de l’auteur qui se cognent et s’entrechoquent, brûle. C’est saisissant de brutalité et de bestialité. Happé dans ce monde de suspicion, on est en apnée, suspendu aux lèvres du comédien dans l’attente de la prochaine salve de pensées, de sensations qui envahissent l’auteur en herbe. Puis le calme vient, la tempête cesse, un temps, Gustave est amoureux. Une femme brune hante ses pensées. L’apaisement ne peut durer. L’homme ne sait vivre qu’avec hargne et démesure. Les émotions et les sentiments ne peuvent être qu’absolus. passionnés, par les mots du romancier et la force de son écriture,William Mesguich déploie toute la palette de son talent pour rendre au mieux toutes ces couleurs, ces tonalités et ces intensités.

Confiné dans cette caverne de papier, véritable lieu rituel de passage et de transformation, l’artiste incarne l’écrivain à l’aube de son passage dans l’âge adulte. Il suit ce parcours initiatique enfiévré où l’adolescent lucide doit oublier ses rêves les plus fous, ses désirs les plus profonds, pour entrer dans le rationalisme strict de son futur statut d’homme.

Bien que secoué, bringuebalé, malmené pendant plus d’une heure, on est séduit par ce texte de jeunesse, tragique et authentique. Bouleversé par l’interprétation d’un artiste vibrant, on sort avec l’envie de se (re)plonger dans l’œuvre de ce fin et lucide psychologue qu’était Gustave Flaubert.

Olivier

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Mémoires d’un fou de Gustave Flaubert
Théâtre de Poche-Montparnasse
Jusqu’au 8 novembre 2015
Du mardi au samedi 19h, dimanche 17h30
Durée 1h environ

Adaptation de Charlotte Escamez
Mise en scène de Sterenn Guirriec
Avec William Mesguich
Lumières de Mathieu Courtaillier
Son Franck Berthoux
Décor et costumes de Camille Ansquer
Production Théâtre de l’Etreinte et coréalisation Théâtre de Poche-Montparnasse – Compagnie soutenue par la Région Ile de France au titre de la permanence artistique et du Conseil Général du Val de Marne au titre de l’aide au fonctionnement

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Au théâtre du Rond-Point, la guerre est déclarée. Le champ de bataille : un appartement cossu et bourgeois. Les ennemis : deux couples. L’un, usé, lassé, par des années de vie commune; l’autre, empêtré dans une parentalité omniprésente, dépouillée de rêves. Le combat est tragique, sanglant. Aux violences morales et physiques s’ajoutent les coups bas. A la naïveté des uns répond la perversité des autres. A l’innocence, la fourberie. Les mots claquent comme des fouets, les gestes sont féroces, cruels. Et pourtant, malgré la crudité du propos, il se dégage de l’époustouflante performance de Marina Foïs l’étonnante et intense beauté d’un amour retrouvé… Suffocant, bouleversant !…

L’argument : Frank et Katarina vivent dans un grand appartement bourgeois. Echoués là, isolés du monde, ivres d’alcool, de rage, d’usure, ils s’infligent un combat grandiose, une lutte à la vie à la mort. Une mise à l’épreuve définitive. Ils prennent à témoin de leur jeu démoniaque deux jeunes voisins, Jenna et Tomas, couple fragile, proies faciles.

La critique : Dans un appartement ultra chic et moderne où tout respire l’argent et le bon goût de la bourgeoisie, un homme, costume noir cintré et élégant, entre d’un pas décidé. Le regard sombre, l’air arrogant, il tient un sac plastique transparent contenant les cendres de sa mère, juste décédée. Les cloisons, sur tournette, se mettent en branle. Passant ainsi de l’entrée, au salon, à la chambre, Franck (inquiétant et décadent Romain Duris), le propriétaire des lieux, se met en quête de son épouse Katarina (Solaire et mortifère Marina Foïs). Allongée sur le lit, épuisée par l’existence, elle s’abandonne un temps. C’est le calme avant la tempête. La présence de son mari lui redonne vie. Aiguillonnée, nue sous une chemise blanche, elle est prête au combat. Les premiers mots échangés sont froids, détachés, cinglants. Les regards sont chargés d’éclairs. Ensemble depuis trop longtemps, ils se sont lassés, abîmés. Les sentiments semblent fanés. A la tendresse et à l’affection se sont substituées les habitudes, les vexations, les humiliations, les violences et les insultes. Tout est calculé pour blesser, meurtrir et écorcher l’autre. Et pourtant, l’amour est là, palpable, douloureux. Il n’y a pas d’échappatoire à cette passion funeste. Consciente mais inapte à prendre une décision, Katarina admoneste son double, son bourreau, sa victime. Une seule issue : « soit je te tue, soit tu me tues, soit on se sépare, soit on continue comme ça… Choisis … »

Incapables de se supporter et par peur de l’ennui, ils invitent, le temps d’une soirée, leurs voisins du dessous. Candides, doux et démunis, Jenna (innocente et naïve Anaïs Dumoustier) et Tomas (Séduisant et égaré Gaspard Ulliel) sont de jeunes parents « bobos » qui forment un ménage heureux, au premier abord. Après les premiers échanges, fort banals, commence un jeu de séduction pervers, singulier, où tous les coups sont permis. Quand les mots ne suffisent plus, que la tension est proche de l’explosion, la musique sert de dérivatif. Sur l’air de I put a spell on you, Franck, excédé par sa femme, se lance dans une pantomime hallucinante, folle – Romain Duris y est magistral.

Tour à tour, les couples se mélangent, s’éloignent, se retrouvent, se repoussent et se déchirent. Dans cette arène sanglante, la pudeur n’a pas de place. Les sentiments sont mis à nus. Confrontés au soufre et à la perfidie du couple « glamour chic » formé par Katarina et Franck, les masques vont tomber. Les frustrations vont s’exprimer, les désirs homosexuels vont se révéler, les pulsions charnelles se dévoiler, les derniers remparts voler en éclats. La machine est infernale, l’engrenage parfaitement huilé et rôdé.

Bien qu’écrit au début des années 1980, le texte de Lars Norén (digne héritier d’August Strindberg dont la piècePère se joue actuellement à la Comédie Française) n’a rien perdu de sa force, de sa fougue et de sa violence. Si certains le trouveront daté, voire outrancier, la mise en scène de Marcial Di Fonzo Bo lui donne un éclat plus contemporain, plus acerbe. Evitant les principaux écueils qui auraient pu faire tourner cette autopsie de couples à la dérive en une mascarade ridicule – les scène de violences sont crues, elles étourdissent, créent le malaise, mais ne tombent jamais dans le cliché et l’excès – , il achoppe toutefois sur le fil, ne parvenant pas pas à trouver un tempo commun à tous les comédiens. Le casting est pourtant impressionnant.

L’atout charme de cette pièce, c’est Marina Foïs. Gracieuse et féminine jusqu’au bout des ongles, elle compose un personnage tout en nuances et exagérations. Passant de la lascivité à la froideur, de la soumission à la confrontation, de la tragédie à la dérision, elle incarne avec justesse et évidence le mal-être de cette femme-enfant, à la fois « Messaline » et amoureuse. On retrouve d’ailleurs dans certains aspects de Katarina, la passivité et l’inertie du personnage qu’elle interprétait dans Le Plaisir de chanter d’Ilan Duran Cohenauxquelles s’ajoutent perversité et souffrance. Son monologue final est impressionnant, bouleversant. Moulée dans des robes épousant ses courbes ou dévoilant son corps, elle rayonne et séduit. En contrepoint, Anaïs Demoustier compose avec douceur et naturel une mère de famille un peu godiche, esseulée, enfermée dans sa prison domestique. Elle est un ange naïf, bien mal armé et fagoté (pull trop grand et jupe en jean informe) face à la sulfureuse diablesse. Emouvante et vibrante, elle envoûte de son joli grain de voix quand elle entonne I’v Been Lovin You Too Long d’Otis Reding. Côté masculin, la tonalité est toute autre. Romain Duris, le sourire carnassier, l’œil acéré, est plus à l’aise dans le jeu de la séduction que dans celui de la froide dureté. Dandy en perdition, frôlant le « titi parisien », il impose toutefois une belle élégance à cet homme, castré par sa femme, et sa mère décédée, qui ne sait aimer que dans la lutte et le combat. Il excelle dans les faiblesses de son personnage, dégageant une beauté cruelle et sauvage. La partie est plus difficile pour Gaspard Ulliel qui a bien du mal à trouver sa place dans ce quatuor. Il campe un homme hésitant, gauche, en proie au doute. Derrière son allure de « sex-symbol », caché « à la Clark Kent » par des lunettes et une tenue peu avantageuse, il semble manquer de naturel. Partagé entre violence et attirance, quand Franck le provoque sexuellement, il joue une partition faussée mais étrangement troublante. Il est magnifique, presque nu, incapable de répondre aux avances insistantes de Katarina. Il redevient un enfant, un être fragile, touchant.

Une fois le rideau baissé, les applaudissements de rigueur terminés, le public semble hébété, partagé. Certains, irrités par la violence des propos et des actes, par l’outrance exagérée du texte et de la mise en scène. D’autres, abasourdis par la performance des comédiens, touchés par la sensibilité exacerbée du couple Foïs-Duris. Si l’ensemble est féroce, bestial et cruel, l’amour étouffant et écrasant de ces deuxdémons irradie la scène d’une étrangeté et d’une humanité qui touche au cœur et l’emporte sur tout le reste… Fascinant !…

Olivier

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Démons de Lars Norén
Théâtre du Rond-Point – salle Renaud-Barrault
Jusqu’au 11 octobre 2015
Du mercredi au samedi à 21h et le dimanche à 15h
Durée 1h40

mise en scène de Marcial Di Fonzo Bo
avec Anaïs Demoustier, Romain Duris, Marina Foïs, Gaspard Ulliel
traduction de Louis-Charles Sirjacq en collaboration avec Per Nygren
décor d’Yves Bernard
musique d’Etienne Bonhomme
costumes d’Anne Schotte

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Comment vivre dans un monde qui vous rejette parce que vous n’êtes pas dans la norme ? Tel est le point de départ de la dernière pièce de Léonore Confino. De son écriture ciselée et de son ton résolument décalé, l’auteure esquisse les contours d’un monde fantastique et onirique, refuge des âmes en peine. Joliment mise en scène par sa complice de toujours, Catherine Schaub, cette fable contemporaine interroge les douleurs de l’enfance, l’incompatibilité familiale et les questions d’identité. Bien que le sujet soit délicat à traiter, on est charmé par la simplicité du propos et par l’étonnante performance de deux comédiens au diapason. Marc Lavoine, séduisant, tout en gravité et gaucherie, et Géraldine Martineau, en état de grâce, toute en finesse et exubérance. Magique !..

L’argument : quand un enfant vous « colle » et s’invite, l’air de rien, dans votre intérieur, quand il vous menace de raconter que vous lui faites des choses « vers le bas » , s’il vous vient l’idée de le virer, quand vous mesurez à quel point l’insolence de cet être vous ressemble et vous répare, difficile de l’expulser.

La critique : alors que la salle est plongée dans le noir, une respiration hésitante se fait entendre. Le rideau se lève. La scène est presque nue. Côté cour, un banc sur lequel sont assis un petit bout de bonne femme (solaireGéraldine Martineau), au corps gracile, presque enfantin, et un cinquantenaire un peu triste (touchantMarc Lavoine), portant des boucles d’oreilles, emmitouflé dans un caban. Elle est une gamine en fugue à la recherche de chaleur, lui, une « grande » monsieur, en attente d’un rendez-vous qui ne vient pas. Ces deux -là semblent écorchés par la vie. Fragile et impertinente, la fillette sait toucher la corde du sensible. Manipulatrice, elle sait aussi se faire menaçante dans le seul but de capter l’attention, un geste de tendresse. Bourru et solitaire, l’homme semble agacé. Il aimerait être ailleurs, ne pas être obligé de faire la conversation. Toute présence extérieure autre que sexuée et violente lui est pénible, voire hostile. Pourtant, sous la carapace, son cœur bat. Le sourire espiègle et le ton libre de la jeune fille vont faire voler en éclats ses certitudes sur le monde qui l’entoure, son rapport aux autres, et lui redonner vie. Humain, il lui propose de l’héberger pour la nuit.

Si tout semble opposer ces deux contraires, l’un est mutique, l’autre bavard, l’un vieux, l’autre jeune, l’un se rêve femme, l’autre poisson, leurs solitudes différentes et pourtant similaires vont les rapprocher. Au fil de leurs confrontations et de leurs dialogues, ils vont s’apprivoiser, se découvrir, se comprendre, se reconnaître et panser, sans le savoir, les blessures de l’autre. Rejeton de deux psychiatres surexcités et hystériques, qui se complaisent dans leur univers bruyant qui exclut « les autres », l’enfant asthmatique s’enferme chaque jour un peu plus dans le silence, rêvant un monde aquatique dans lequel elle développe des branchies. Rejeté par sa famille et ses proches pour aimer se travestir, l’homme est persuadé depuis sa plus tendre enfance « qu’une fille pousse clandestinement dans sa poitrine. »

Avec infiniment de délicatesse, de poésie et de malice,Léonore Confino s’attache à brosser un univers onirique, teinté de surréalisme, dans lequel ces deux êtres singuliers, en quête d’identité, vont s’aider à affronter la réalité, leur réalité, chacun se retrouvant dans l’autre. Alors que la mise en scène fine et précise de Catherine Schaub instaure une atmosphère oppressante, faite de respirations sourdes, de tons obscurs et de lumières froides, les dialogues décalés et les bons mots percutants de l’auteure contrastent et créent une intimité étonnante entre les deux protagonistes et le public, témoin privilégié de leur introspection.

Si le décor est simple et sombre, l’intensité qui se dégage de la jeune comédienne, Géraldine Martineau, illumine littéralement la scène. La silhouette fine, elle virevolte, rayonne, déploie une force étonnante et fantastique qui touche en plein cœur. Sous le charme de sa partenaire, Marc Lavoine campe avec tendresse et modestie ce « grande » monsieur ténébreux, touchant et fragile. Les deux comédiens s’accordent parfaitement et donnent une note de fraîcheur et d’humanité à cette fable contemporaine sur l’identité, véritable hommage à la différence.

Olivier

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de Léonore Confino
La Pépinière Théâtre
Du mardi au samedi à 21h – matinée samedi à 16h
Durée 1h30 environ

mise en scène Catherine Schaub.
Avec Marc Lavoine, Géraldine Martineau

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Handicap, filiation, regard de l’autre et introspection sont le sel et les ressorts de cette comédie de boulevard décalée. De surprises en quiproquos, jouant des codes et des effets, Sébastien Thiéry écrit une pièce juste, drôle, humaine, dénonçant les travers de notre société individualiste. Si on peut regretter le ton un peu superficiel du texte, on est séduit par l’absurdité et l’incongruité du propos, et aussi par la complicité qui lie notre épatant couple de comédiens. En effaçant progressivement ses tics et ses mimiques – véritable marque de fabrique de l’humoriste -, Muriel Robin confirme, une nouvelle fois, et pour notre plus grand plaisir, toutes les nuances de son jeu, nous amenant du rire aux larmes… Si on peut toutefois regretter que l’auteur survole son captivant sujet, il n’en reste pas moins qu’en s’éloignant du vaudeville classique, il signe un spectacle de bonne facture… Un moment fort agréable en somme !…

L’argument : Un soir, en rentrant chez eux, monsieur et madame Prioux découvrent avec stupéfaction qu’un certain Momo s’est installé chez eux. Momo est revenu chez ses parents pour leur annoncer son mariage. Les Prioux, qui n’ont jamais eu d’enfant, tombent des nues, d’autant plus que tout semble prouver que Momo est bien leur fils. Momo est il un mythomane ? Un manipulateur ? Les Prioux ont-ils oublié qu’ils avaient un enfant?

La critique : Le rideau se lève sur les allées d’un supermarché de la banlieue parisienne, nous plongeant dans le trivial quotidien des Prioux, un couple aisé et bourgeois. La femme, Laurence (rayonnante et touchante Muriel Robin) est DRH, le mari, André (dépassé et décalé François Berléand) pharmacien. Alors qu’ils font tranquillement leurs courses, un étrange individu fort agité, plein de rage et parlant un langage incompréhensible, commence à ajouter des articles à leur caddie, avant de le leur voler. Devant l’étrangeté et le surréalisme de la situation, nos deux protagonistes passent de la stupeur à l’incrédulité, de la perplexité à l’énervement.

De retour chez eux, bredouilles, avec l’impression d’avoir perdu deux heures de leur précieux temps, ils découvrent dans leur cuisine les sacs contenant les denrées qu’ils souhaitaient acheter. Surpris, ils élaborent les théories les plus farfelues et les plus délirantes pour expliquer cette situation surprenante, avant de découvrir que l’individu s’est tranquillement installé dans leur chambre d’amis, et qu’il est en train de prendre une douche. Alors que l’étonnement cède à la peur, le surprenant visiteur se présente comme leur fils, dont ils auraient totalement oublié l’existence, et qu’ ils pensaient ne jamais avoir eu…

De quiproquos en situations ubuesques, chacun réagissant en fonction de son caractère, le couple va se déchirer, s’éloigner… et se retrouver. Laurence, en tant que maîtresse femme, va prendre les choses en main. Ne se souvenant pas d’avoir accouché, elle va suspecter son mari d’infidélité. Afin de le pousser à avouer sa faute, elle va jusqu’à le pardonner dans une scène mêlant humour noir, sarcasme et franche rigolade. Les répliques font mouche. Muriel Robin, parfaitement à l’aise, excelle dans ce registre, même s’il est parfois difficile de la comprendre, faute de pousser sa voix. André, plus cartésien, plus méfiant, plus sceptique, a beaucoup plus de mal à avaler la pilule et à croire que ce grand benêt, légèrement attardé, est leur progéniture. Tel un poisson dans l’eau avec ce rôle de parisien grognon et couard, François Berléandse délecte avec malice de son personnage. Si on est totalement pris dans l’engrenage de ce singulier scénario, c’est surtout que le couple de comédiens fonctionne à merveille. Ils nous séduisent grâce à leur sens remarquable de la répartie.

Alors que la pièce prend une tournure kafkaïenne attendue, Sébastien Thiéry s’amuse à brouiller les pistes. Après avoir installé ses personnages dans une comédie de boulevard des plus classiques, il casse les codes et nous embarque dans une histoire totalement délirante, avant de nous entraîner au plus proche des personnages, dans leur intimité et leur souffrance. Il offre ainsi à Muriel Robin un rôle à sa démesure. Après nous avoir fait rire aux larmes, elle nous émeut et nous bouleverse. On est conquis.

Le principal écueil de ce vaudeville décalé et absurde vient du manque de profondeur, quant aux traitements des sujets abordés.  Si l’approche est intéressante et mérite d’être soulignée, elle est parfois trop caricaturale et empêche l’empathie avec les personnages incarnés par Sébastien Thiéry (par trop incompréhensible), l’enfant sourd et Ninie Lavallée (odieuse et mal aimable jusqu’à la surdose), la fiancée aveugle.

Ne boudons pas pour autant notre plaisir, la pièce, portée par la mise en scène rythmée et efficace deLadislas Chollat, est de bonne facture, d’autant plus que derrière les rires et les bons mots, elle amène à réfléchir sur l’individualisme dans nos sociétés modernes, et sur l’incapacité des gens à communiquer… Pas si mal pour une comédie de boulevard qui n’en a d’ailleurs que le nom… Séduit sur le fil !…

Olivier

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de Sébastien Thiéry

mise en scène de Ladislas Chollat
Avec Muriel Robin, François Berléand, Sébastien Thiéry, Ninie Lavallée
Théâtre de Paris
Du Mardi au Samedi à 20h30
samedi 17h00
durée 1h30

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Quel délice que cette plongée dans l’atmosphère perverse et diabolique d’un intérieur « so british »… En adaptant The servant, de Robin Maugham, Thierry Harcourt prend un malin plaisir à conter ce troublant échange des rôles entre maître et serviteur. Evitant la comparaison avec le film éponyme de Joseph Losey, il signe un huis-clos sombre, drôle, inquiétant et fascinant, à l’issu inattendue. La mise en scène fluide et sobre, les dialogues ciselés et percutants épousent parfaitement le jeu remarquable des cinq comédiens, Maxime d’Aboville et Xavier Lafitte en tête. Pris dans les rets de ce thriller machiavélique et sado-masochiste, on se laisse entraîner avec une certaine délectation dans les profondeurs de l’âme humaine… Jubilatoire !…

L’argument : à Londres, Tony, un jeune aristocrate paresseux, emménage dans une confortable maison de ville; il engage Barrett comme domestique. Ce dernier se révèle être un valet modèle, travailleur et intelligent. Une certaine complicité s’établit peu à peu, mais rapidement, les rôles s’inversent et le maître se retrouve l’esclave de son serviteur.

La critique : à Londres, dans les années 1950, Tony (fabuleux et indolent Xavier Lafitte), jeune aristocrate oisif et désabusé, revient d’un long séjour en Afrique. Après avoir vécu d’expédients, le décès de son père lui permet d’envisager une vie sereine et aisée dans une maison bourgeoise d’un quartier cossu de la capitale anglaise. Il retrouve, à cette occasion, son amour de jeunesse, la très polie et très jolie Sally (pétillante et sensible Alexie Ribes) et son meilleur ami Richard (affable et sérieux Adrien Melin).

A l’instar du jeune homme, on se laisse facilement envelopper par la douceur et le confort de cet intérieur désuet, « so british ». L’atmosphère ouateuse et feutrée est propice à l’abandon et au plaisir. L’arrivée d’un étrange et trop parfait majordome (fantastique et inquiétant Maxime d’Aboville) va bouleverser les codes établis et les équilibres précaires entre les différents protagonistes. Avec son visage fermé et inexpressif, sa démarche hiératique, sa mise impeccable, sans fioriture, le sombre valet instille, dès son apparition, un sentiment désagréable de rejet. Pourtant, le crédule et lymphatique Tony va se laisser prendre aux très bonnes références de ce dernier, malgré les mises en garde de ses amis.

Imperceptiblement et insidieusement, le vernis craque, les masques se fissurent, l’idyllique tableau s’assombrit et l’atmosphère devient pesante. Les rapports évoluent dangereusement. Les premiers mensonges viennent altérer les relations, avant de les détruire. L’alcool embrume les esprits et tout particulièrement celui du propriétaire des lieux. Un climat de vice et de manipulation s’installe, entraînant une dérive inquiétante des rôles qui ira jusqu’à leur inversion, le maître cédant toute autorité au soumis qui prend l’entier contrôle de la maisonnée et de ses habitants. Au fil des scènes, l’ambiguïté des rapports se fait jour. Entre abandon et désir de l’autre, Tony glisse dans une exquise et suave torpeur qui l’amène progressivement à perdre personnalité et identité. Epris tout à la fois de son valet et des femmes de ce dernier (grivoise et piquante Juliette Petiot), qu’elles soient fausse cousine ou amoureuse patentée, le jeune aristocrate finit par se complaire dans une servitude qui lui devient vitale, perdant pied avec la réalité. Sclérosé par la dureté quasi bestiale de Barett, il s’éloigne dangereusement du reste de l’humanité.

Hypnotisé par la force et la violence de ce huis-clos aux faux accents de thriller surréaliste et acide, on se laisse porter par les notes jazzy de la bande son et par le décor « cosy » de cet intérieur très « années 1950 ». La sobre et élégante mise en scène de Thierry Harcourt nous emmitoufle dans une chaleureuse et confortable atmosphère pour mieux manipuler nos réactions et nos émotions. Le texte incisif, le style efficace et vif, les répliques tranchantes, donnent à l’ensemble une rythmique soutenue qui empêche le temps de la réflexion. Piégé comme Tony, on se laisse prendre avec complaisance, voire bienveillance, à ce jeu malsain. En conservant l’humour très britannique de la pièce originale, Thierry Harcourt et Laurent Sillant offrent bouffée d’oxygène et de légèreté à cette oppressante fable.

Séduit par la singulière atmosphère de cette pièce, conquis par l’impeccable jeu des comédiens, troublé par l’ambivalence des liens sexuels et amoureux, on ressort enchanté, bouleversé… Un spectacle à ne pas manquer !…

Olivier

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de Robin Maugham
Théâtre de Poche-Montparnasse
Du mardi au samedi à 19h, dimanche 17h30
durée 1h30

Traduction de Laurent Sillant
Mise en scène Thierry Harcourt assisté de Stéphanie Froeliger
Avec Maxime D’aboville – Roxane Bret en alternance avec Juliette Petiot – Xavier Laffite – Adrien Melin – Alexie Ribes
Lumières Jacques Rouveyrollis – assisté de Jessica Duclos
Costumes de Jean-Daniel Vuillermoz
Décor de Sophie Jacob
Production Théâtre de Poche-Montparnasse

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ROYALE LEGENDE     

Sur scène, deux êtres de légende, bousculés, chahutés par l’Histoire, se frôlent, se cherchent, se croisent et conversent par lettres inventées. Marie-Antoinette délicate, enfantine, maternelle, humaine et attachante se confesse et se livre au séduisant Chevalier d’Eon, espion travesti et philosophe. L’instant est poignant, charmant. De ce parcours initiatique de l’adolescence à l’échafaud, on retiendra la beauté du texte, sa poésie et le jeu fascinant de Patrick Blandin, séducteur dans l’âme tout autant en homme qu’en femme. Magique.

L’argument : Royale Légende, c’est l’Histoire vraie d’une correspondance qui n’a jamais existé entre Marie-Antoinette, reine grave et frivole et le Chevalier d’Eon aussi  redoutable qu’excentrique. Vingt ans d’une amitié fidèle, en quelques lettres, depuis les premiers pas de « l’autrichienne » sur le sol français jusqu’à ses derniers pas sur l’échafaud.
Royale Légende est un regard décalé sur un monde qui s’écroule, une divagation pétillante sur l’Histoire, la rencontre de deux témoins perdus dans un costume qui ne leur va pas. La découverte de deux êtres humains dans leur intimité, leur complexité, et le récit déchirant de leur déchéance.

La critique : Fardé, poudré, un homme-femme (charismatique Patrick Blandin) s’avance sur scène. Il/elle ne porte qu’une simple nuisette de lin. C’est une apparition venue d’un autre temps. Cet énigmatique personnage n’est autre que Charles Geneviève, chevalier(ère) d’Eon, l’espion le plus célèbre de Louis XV. Il jubile. Par son entremise auprès de l’impératrice d’Autriche il vient de réussir l’impossible mariage entre le dauphin de France et Marie-Antoinette. Une femme (surprenante Nadine de Géa) entre. Elle porte une chemise de nuit blanche immaculée. C’est elle. La future Reine de France. Entre ces deux êtres, l’un marqué par la non reconnaissance de son sexe, et l’autre par la tragédie, un lien se crée. Il semble indestructible. Enchaînés, l’un à l’autre, ils se complètent, se comprennent et s’accompagnent dans les vicissitudes de la vie, qui les mènera de la montée aux nues jusqu’à la chute du couperet.

Ces deux personnages, devenus des icones, se sont ils réellement croisés ? On ne le sait. Mais là n’est pas l’important. Avec délicatesse,Frédéric Mancier et Bernard Larré imaginent une correspondance épistolaire entre ces deux âmes incomprises. Un dialogue de femmes entre futilité et profonde réflexion sur l’existence et le sens de la vie. Le texte est drôle, implacable, émouvant, indulgent et dur. Les mots même inventés ne mentent pas. Ils sont le reflet de la pensée. Bien documenté, le texte mêle habilement faits réels, évènements historiques et détails de la vie intime. Ce sont deux cœurs qui se jaugent, s’épanchent, s’aiment et se respectent. Deux femmes en devenir qui entament ensemble un parcours initiatique, celui de la féminité. Derrière la céruse, c’est la solitude qui frappe impitoyable, cruelle.

Le propos léger, superficiel, tout autant que grave, est porté par une mise en scène d’une simplicité désarmante. Point de décor, ici. Juste deux robes superbes, que l’une mettra à l’autre, et inversement, marquant ainsi l’entrée dans le carcan étroit de la vie de Femme.

La présence lumineuse de Patrick Blandin, formidable chevalière d’Eon, donne une étrange force à ce dialogue d’une étonnante modernité. Ses pantomimes enchantent, son sourire désarme. En un mot, il séduit faisant presque oublier qu’il n’est pas seul sur scène…Nadine de Géa se révèle dans la maturité du personnage, dans son chemin de croix, offrant une montée à l’échafaud bouleversante…

Oliv

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Royale Légende de Frédéric Mancier et Bernard Larré
Théâtre du Petit Louvre – salle Van Gogh
23, rue Saint-Agricol
84000 Avignon
Jusqu’au 26 juillet 2015
Tous les jours à 11h
Durée 1h10
texte de Frédéric Mancier et Bernard Larré
Mise en scène de Xavier Berlioz
Avec Nadine De Géa et Patrick Blandin
Costumes de Magali Segouin et Axel Boursier
Musique et création sonore d’après Gluck : Anne Isabelle Devillers assitée de Julien Beau
Création lumières de Philip Blandin
Production, Crescendo Productions Compagnie Birdy

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FILLE DU PARADIS     

C’est le récit d’une vie. C’est la confession d’une enfant blessée. C’est un manifeste brutal, lucide, sans concession. C’est une parole crue, poignante d’un cœur qui a la rage, d’un corps en souffrance. C’est une charge humaine, déchirante sur les violences subies, ressenties par cette putain troublante et terriblement humaine. C’est un texte puissant, terrifiant, poétique et dévastateur qui pénètre l’âme. C’est un solo douloureux et magnifique porté par la lunaire Véronique Sacri … Âpre, douloureux et lumineux, ce spectacle émeut et interroge…  Saisissant !…

L’argument : Récit d’une trajectoire fulgurante, Fille du paradis est l’histoire de Cynthia, une jeune étudiante en littérature qui décide un jour de composer le numéro de la plus grande agence d’escorte de Montréal.
Adapté de Putain, un roman autobiographique de Nelly Arcan, ce récit est une charge radicale et sans concession contre l’icône dévastatrice de la femme parfaite.
Une parole bouleversante d’humanité, une rage de vivre qui déchire l’opacité des ténèbres telle une étoile filante.

La critique : Ici, pas de décor. Tout est sombre. Dans un coin, sur une chaise est assise une jeune femme chic, élégante, vêtue de noir – bouleversante Véronique Sacri. Seul son visage impassible se détache. Elle se lève, s’anime. Le regard scrute et interroge la salle. Un sourire illumine son aimable frimousse. D’une voix douce, mélodieuse, elle murmure. Elle harangue le public. Elle se présente.

Elle, c’est Cynthia. Fille de la campagne canadienne, née à la frontière du Maine, elle est élevée par une mère absente et un père aimant mais confit de religion. De sa scolarité chez les bonnes sœurs, elle gardera l’envie d’être unique, d’être à part. Etouffant dans ce monde clos, elle fuit dans l’anonymat de la grande ville. Brillante étudiante de lettres, elle se sent incomplète. Un vide lui colle à la peau. Elle ressent en son corps l’absence de cette sœur morte avant sa naissance, avant d’avoir vécu.

Attirée par les paillettes et la luxure, par un monde inconnu, celui de l’argent facile, celui de la perdition, elle devient Putain. Pas par nécessité, mais par envie. Continuant cette étrange et bouleversante confession sur le ton de la confidence, peu à peu, la salle plonge dans l’obscurité. Le noir se fait. Un son, violent, assourdissant, rock, déchire le silence. Le corps de Véronique Sacri s’agite de spasmes. Sa voix se fait haute, puissante. Son débit s’accélère. Sa parole devient violence, désespérance. Sa colère devient son moteur, sa force et nous emporte dans son sillage. Femme humaine, femme sacrifiée sur l’autel du plaisir masculin, du pouvoir des hommes, des offenses faites au corps objet.

Tel un uppercut, les mots nous sonnent brutalement, férocement. C’est un cri terrible et poignant. C’est une plainte effroyable. Un appel au secours, malheureusement étouffé. Nelly Arcan, l’auteur de ce singulier texte, s’est suicidée à l’âge de 36 ans.

Avec force et simplicité, Véronique Sacri s’approprie ce texte cru et brut et le fait sien. Elle vibre avec les mots, Elle est Cynthia. Elle est Nelly. Elle est la Putain. Elle est cette femme à la lucidité effrayante. Elle rayonne, sublime sur ce champ de ruines, cette vie dévastée, terriblement humaine. Son interprétation d’une justesse impressionnante est magnifiquement soulignée par la sobre mise en scène d’Ahmed Madani.

Longtemps le rideau s’est baissé sur ce destin tragique, que les mots résonnent toujours dans nos âmes et font vibrer nos cœurs… Bouleversant !…

Oliv

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Fille du paradis
Théatre GiraSole
24 bis rue Guillaume Puy
84000 Avignon
jusqu’au 26 juillet 2015
tous les jours à 14h10
relâche le 19 juillet
Durée 1H05

d’après Putain de Nelly Arcan
publié par les Editions du Seuil et par les Editions Points
adaptation et mise en scène Ahmed Madani avec Véronique Sacri
conseiller à la scénographie Raymond Sarti
création sonore de Christophe Séchet
sur des musiques de PJ Harvey
lumières de Damien Klein
Production Madani Compagnie avec l’aide du Théâtre de l’Epée de Bois et de la MC 93 Bobigny

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