Plaidoyer écologique absurde et extrêmement humoristique écrit par Jacques Rebotier, joué tambour battant et de main de maître par le comédien et magnifique trublion Arno Feffer.

Dans un monde où le règne de l’homme est en plein épanouissement et celui de l’animal sur sa fin (Dieu merci ! ), il ne nous reste à nous les humains que peu d’efforts à fournir pour achever notre œuvre : la destruction totale et définitive de toutes les espèces d’animaux…

Tel un savant fou en quête de la solution finale, Arno Feffer nous entraîne joyeusement dans son raisonnement scientifique sur  le pourquoi et le comment de cette élimination des animaux.

De façon incisive, le procès fait aux animaux se transforme en immense procès contre l’homme, le raisonnement sans faille aucune démontre comment la guerre est le propre de l’homme, que l’homme n’est pas un prédateur parmi les autres et comme les autres, mais bel et bien le prédateur de tous les autres !

La sentence est sans appel : l’homme dans sa grande supériorité est reconnu coupable !

Mais comment, pourquoi et de quoi, vous insurgerez-vous… L’homme est coupable de destruction massive envers les espèces animales, et pas que…

Jacques Rebotier signe de son écriture poétique une fable drôle, ironique et mordante  qui commence comme une apologie de l’homme et finit par pointer du doigt notre nature sombre d’humain, guerrier sans pitié et tueur sans état d’âme. S’emparant de ce plaidoyer absurde et terrifiant, Patrick Verschueren le met en scène sans pathos, avec beaucoup d’inventivité, soulignant la force de ce qui nous est dit et permettant à Arno Feffer de donner libre cours à toute sa fantaisie. S’appuyant sur la très réussie scénographie de Raphaëlle Weber, il nous permet d’entrevoir le massacre que l’homme pratique inlassablement, sans jamais se retourner en arrière, sans jamais se questionner (ou si peu) sur le devenir de notre planète ! Enfin, le jeu tout en ironie mordante, en fureur pleine de finesse d’Arno Feffer nous révèle la puissance de ce texte qu’il porte formidablement avec une sombre délectation.

Un moment passionnant et écologique à ne pas manquer !

★ ★ ★

T. Volia

Contre les Bêtes de Jacques Rebotier, M-S Patrick Verschueren avec Arno Feffer.

Scénographie Raphaëlle Weber

Présence Pasteur, 13 rue du Pont Trouca, 84000 Avignon

Du 7 au 30 juillet, à 19H, durée 55 mns.

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« Il y a deux façons de se taire : l’une de se taire, l’autre de parler, de remplir l’espace.

Il y a deux façons d’être immobile : l’immobilité immobile ou l’immobilité gesticulatoire… Je pratique les deux ! »

Ainsi commence Isabelle de Botton qui dans une ronde de paroles nous entraîne dans les vies

de diverses femmes, héroïnes de monologues écrits par Marie Nimier.

Le personnage qu’interprète Isabelle de Botton nous raconte : elle aime lire mais un jour elle a la curieuse sensation que Marie Nimier s’inspire de sa vie à elle, lectrice passionnée et amoureuse des écrits de cette autrice.

Partant de là avec beaucoup de douceur et de charme, par petites touches de pinceau, Isabelle de Botton avec beaucoup de malice devient toutes ces femmes qui se livrent le temps d’un monologue.

Elle est « potichiste » et non potiche comme elle explique. La potiche, elle, est bien réelle et présente… elle est posée sur la scène énorme avec des frises bleues et elle, notre héroïne, va la peindre, s’arrêtant souvent pour nous parler, croisant les pensées de son personnage avec ceux de Marie  Nimier.

Avec cette Potiche qui trône dans un coin tel le chevalet d’un peintre, deux pots, un immense et un petit constituent le décor. Du grand pot, notre héroïne sort des livres à la pelle, dans ce grand pot elle se réfugie parfois quand elle a besoin de tendresse…

Isabelle de Botton (émouvante, belle et savoureuse) peint sur sa potiche en blouse blanche et pantalon de panthère, sa chevelure magnifique défaite et nous découvrons que potichiste est un métier et qu’elle l’a exercé aux quatre coins du monde !

Ce jour là, elle peint cette potiche pour participer à un concours pour le 8 mars, journée internationale des droits de la Femme ! Et elle aimerait tant que Marie Nimier l’y accompagne à ce concours ! Elle aimerait tant de choses et ainsi entre le silence-bavardé, l’immobilité-gesticulée  l’histoire de cette femme nous est livrée de manière douce-amère, une vie où être jeune fille n’est pas toujours facile quand les hommes se permettent de… et que toi tu n’oses rien dire, une vie de femme où il faut décider de quelle femme tu seras. Entremêlant sa vie avec celles des héroïnes de Marie Nimier, entretenant un dialogue avec cette écrivain, elle nous raconte ces femmes avec leurs différences, leurs peurs, leurs espoirs, leur âpreté, leur tendresse, leur amour de la vie, leur passion… toute une féminine humanité…

La mise en scène de Jean-Pierre Hané est simple et pétillante. Isabelle de Botton passe avec beaucoup de finesse, d’humour et d’empathie d’une femme à l’autre. Et comme elles nous sont proches ces femmes, et comme elles nous ressemblent, et comme on les aime. Et c’est bien là l’art de Marie Nimier de se glisser dans la vie d’autrui sur la pointe des pieds par la porte ou la fenêtre, pour nous raconter le temps d’un monologue une tranche de vie qui dévoile toute une vie, qui délicatement se fond et se confond avec nos propres vies.

Et Isabelle de Botton, elle, a l’art de les jouer ces vies de femmes et de nous les faire aimer !

A voir très vite ★★★

T. Volia

de Marie Nimier, avec Isabelle de Botton, M-S Jean-Pierre Hané, Chorégraphie Philippe Fialho, Scénographie Koko

La Violence des Potiches au théâtre Pixel Avignon, à 14H05, durée 1H10

relâches les 11, 23 et 24 juillet.

18 rue Guillaume Puy, 84000 Avignon

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-« On a tous un jardin secret à l’intérieur de nous !

Je suis trop petit pour avoir un jardin à l’intérieur de moi… ».

Le charme, la poésie et l’humour de ce spectacle sont immédiats et ne s’arrêtent jamais. Il nous envahissent tout au long de la pièce, nous entraînant avec une délicatesse infinie dans l’univers de ces deux enfants dont on suit le questionnement le temps d’une nuit blanche.

Nous sommes dans un jardin, 2 enfants Colombe et Arthur ont décidé de ne plus jamais dormir pour comprendre ce monde des adultes, pour avoir des réponses aux milliers de questions qui se bousculent dans leurs têtes !

Le merveilleux de ce spectacle est sa capacité à plonger les enfants et les adultes dans une fable légère comme une plume, remplie par instant de gravité et ludique, toutes ces émotions se jouant avec une grande instantanéité comme seuls les enfants en ont le secret. Et puis des plages de silence, moments où l’enfant rentre en lui-même et rêve, son regard tourné ailleurs, un ailleurs très lointain… Instants suspendus, on flotte dans cette nuit, on redevient enfant, nos propres questions, craintes, peurs et joies nous reviennent… Tout est paisible quand soudain de nouveau , à travers des jeux, des rires, des bousculades la vie se remet en mouvement, les questions fusent, les réponses et leur contraire se proposent pour notre plus grand bonheur.

Servi par une mise en scène d’Antoine Colnot, dépouillée et riche de mille détails qui nous surprennent et nous enchantent et par deux comédiens et un musicien-conteur, le texte de Anne Rehbinder est de la dentelle, tout en courbes et en rondeur. Il nous emporte par sa fraîcheur, mais aussi par son humour et sa douceur aux pointes acidulées.

La scénographie de Laïs Foulc est originale et simple à la fois, une cabane transparente, une lune blanche, un nuage doré, et surplombant le jardin, un plateau avec le musicien-conteur Olivier Slabiak dont la voix et la musique rock et poétique à la fois se font entendre en contrepoint de ce qui joue plus bas. Et cet espace magique est magnifié par des lumières faites par Laïs Foulc qui nous donnent l’impression par moment d’être dans un tableau de Magritte en noir et blanc.

Nous sommes emmenés dans ce voyage par Anne Jeanvoine et Antoine Colnot deux comédiens magnifiques de justesse, de tendresse, de tristesse de colère et de rires. Dès le début, ils nous choppent sans avoir l’air de rien et ne nous lâchent plus… Où pour être plus précise, c’est nous qui ne les lâchons plus, comme quand nous traversons une route et qu’on ne lâche pas la main de nos enfants, pas une seconde nous ne quittons des yeux ces deux comédiens-enfants ou enfants-comédiens, devenant comme eux et retrouvant la part de l’enfant qui est en nous et n’est jamais très loin…

Les enfants comme les parents sont fascinés et adhèrent à cette aventure joyeuse et poétique et nous sortons de ce spectacle touchés, heureux, rêvant à notre tour de trouver notre bulle où nous poser, afin que notre imaginaire prenne le temps de répondre à toutes ces questions que enfants nous avions dans notre cœur  et n’avions jamais soulevées !

A voir absolument en famille de 7 ans à…

T. Volia

de Anne Rehbinder. M-en-scène Antoine Colnot, avec Anne Jeanvoine, Antoine Colnot et Olivier Slabiak, Musiques Olivier Slabiak, Scénographie et Lumières Laïs Foulc, Costumes Cécile Pelletier.

Nuit Blanche, spectacle pour enfants, Théâtre du Girasole, à 15H40, durée 50 mns.

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Marcel Aymé s’amuse… Il dresse des portraits peu flatteurs d’une famille noble, insensée et sans le sou et qui pour survivre passe des jours et des nuits à tricoter des pulls.

Dominée par le Comte de Clérambard, mari, gendre et père odieux, homme impitoyable et tyrannique (impressionnant Franck Desmedt), la famille geint, se débat mais suit pas à pas ce mâle dominant dans toutes ses bassesses et vilenies.

Arrive le jour où la rédemption s’offre à eux sous la forme de Saint François d’Assise qui apparaît au Comte et lui offre un livre sur sa vie au moment même ou le curé de leur village vient leur proposer un marché… Marier leur fils à une fille très laide mais très riche…

Sans répit, les situations plus insensées les unes que les autres se succèdent, nous font rire et frémir à la fois !

La Foi, avec un grand F, est au cœur de ce spectacle et permet à Marcel Aymé de vilipender une fois de plus l’hypocrisie de cette société ou le croyant n’est pas celui que l’on croyait…

Une comédie grinçante et étonnante.

Guilaine Londez en femme du Comte est fine et attachante, Isabelle de Botton dans le rôle de Madame de Léré est parfaite, toutes ses répliques font mouche, Flore Vannier-Moreau nous enchante dans son côté populaire de la « Langouste », le couple Galuchon, Marijo Buffon et Romain Lagarde, peint formidablement tous les travers des petits bourgeois voulant se hausser du col, Grégoire Bourbier dans son rôle de curé est dégoulinant à souhait et Hervé Haine, musicien-chanteur et docteur est jubilatoire.

Un spectacle à découvrir joyeusement !

3 étoiles

T. Volia

M-S : Jean-Philippe Daguerre

Avec : Franck Desmedt, Guilaine Londez, Isabelle de Botton, Flore Vannier-Moreau, Marijo Buffon Romain Lagarde,  Grégoire Bourbier et Hervé Haine

Clérambard, Théâtre Actuel, 80 rue Guillame Puy, 84000 Avignon, à 18H55, duré 1H30

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Il est petit, gouailleur et franchement pas farouche. Et puis d’un coup, sur un coup de tête, il passe une audition pour du Cinéma avec Monsieur Blier. Et de là, il va jouer dans « Préparez les Mouchoirs », rencontrer les gars Dewaere et Depardieu, et s’engoncer, au milieu des années 80, dans la vie d’acteur belge expatrié à Paname. Et si tout ne se passe pas exactement comme prévu, ce bout d’histoire drôle et joyeux touche avec pudeur et sans pathos les zones d’ombres de sa vie, où l’éblouissement des studios de cinéma a plus fait mal aux rétines qu’éclairé le visage du jeune mec qui se voyait déjà une star.

La mise en scène est touchante, et Riton Liebman, qui livre seul ses démons et ses échecs, décrit avec une simplicité touchante la vie de jeune star déchue, la désillusion et la violence d’un métier cruel envers ses artisans. Pourtant, toujours le sourire aux lèvres, un effet de manche sous le coude, et Riton reprend son récit, témoignage d’une époque mythologique, où les vivants croisent les légendes. En chaussons et pyjama, il emmène son public dans sa chambre de porte de Vincennes, dans le bureau du papa Blier, dans les toilettes sordides des Bains Douches, et sur les plateaux de tournages. On rit, franchement, et on s’attache bien à ce p’tit gamin dans son perfecto trop grand, qui se raconte 30 ans et des cicatrices après.

A voir.

Interprète(s) : Riton Liebman

Texte : Riton Liebman

Collaboration à la mise en scène : Jean-Michel Van den Eeyden

Assistants à la mise en scène : Yannick Duret et Aurélie Alessandroni

Lumières : Xavier Lauwers

Scénographie : Olivier Wiame

Création sonore : Vincent Cahay

Collaboration vidéo : Simon Delecosse

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Les comédiens, quatre hommes de moins de trente ans, en pleine quête de sens, font leur éducation sentimentale dans les recoins les plus déliquescents des beaux quartiers de Paris. Génération Y, Millenials, Génération Macron, peut-être, mais surtout condamnés à un cynisme débordant, à une détestation de soi grinçante et sublime, ces gigolos par nécessité ou par impératif et dernier recours de l’estime de soi sont touchants, grossiers et distingués.

Les spectateurs sont happés dans cet univers glauque, aux reflets d’or ternis, dans une mise en scène efficace et juste, et un jeu virtuose autour duquel tous les acteurs se mettent au diapason. Les faux pas, les maladresses qui s’invitent (rarement) sur scène s’incluent dans cette esthétique des presque-hommes qui veulent déjà être des vieux, et mangent leur déficit d’années à grand coup d’expériences violentes et dangereuses.

Le texte, première création de Jean-Gabriel Vidal, est décadent à souhait, une sorte de Huysmans mis en spectacle, et offre à ses acteurs une matière verbale travaillée, violente, raffinée. Du grotesque à l’émouvant, des lazzis aux effets de manche virevoltants, cette pièce rayonne de vie, de jeunesse et sueur.

Une belle découverte du Off.

Stanislas Romanée.

Interprète(s) : Raphaël GOUMENT, Vincent CALAS, Léonard BOURGEOIS-TACQUET, Aurélien PAWLOFF

Metteuse en scène : Maya ERNEST

Auteur: Jean-Gabriel VIDAL VANDROY

Théâtre des Barriques, 8, rue Ledru Rollin
84000 – Avignon

Nom de la salle : Salle Bleue
Nombre de places : 49

Cet article BOYS DON’T CRY, 21h45 au Théâtre des Barriques (1h20) est apparu en premier sur Agenda Théâtre.

Attention ! Expérience étonnante, expérience sensorielle ! C’est l’histoire d’une création théâtrale où notre imaginaire surpasse l’image, où notre écoute remplace notre regard…. C’est un spectacle joué dans le noir absolu : passionnant…

« Ca va, maman ? » est l’histoire vraie de Trévor, gamin de 9 ans vivant seul avec sa jeune maman dans une modeste maison isolée de banlieue américaine. Alors qu’il revient d’un week­end de camping en forêt avec la famille d’un copain, sa maman ne vient pas l’accueillir à l’entrée de la maison…

Créée en 2010 à Milan puis à Londres, Armand Eloi le metteur ­en ­scène s’est emparé de cette pièce et nous embarque avec force et subtilité dans un spectacle noir, dans les deux sens du terme. Nous devenons les témoins aveugles du drame qui se joue sur scène, car c’est bien de jeu qu’il s’agit. Les comédiens que nous ne voyons pas jouent de toute leur âme. Et la tension qui les habite se glisse en nous sournoisement, nous entraînant dans une suffocation de plus en plus angoissée.

Très vite, nous nous habituons à ce noir dans lequel on nous plonge, nos yeux acceptent de plus chercher à voir… Nous entrons dans le voyage et il est puissant. Et quand il ne reste plus que la parole de l’enfant, la peur se plante en nous et ne nous laisse plus aucun répit. L’obscurité nous permet de faire corps avec Trévor.

Et c’est là où réside la force du travail d’Armand Eloi. Il n’y a plus de quatrième mur, il n’y a plus aucun mur, nous appartenons à la maison ! La spatialisation sonore extrêmement bien conçue nous donne l’impression de manipuler les objets avec les habitants, nous nous déplaçons avec eux, nous respirons, espérons et souffrons au même rythme qu’eux, nous sommes eux.

Et quand les lumières se rallument, nous découvrons avec surprise les comédiens qui ne ressemblent absolument pas aux personnages auxquels, pendant une heure, nous nous sommes identifiés !…

C’est beau la force de l’imagination…

A ne pas manquer !..

T.Volia

De Gloria Mina

Traduction et mise en scène : Armand Eloi

Avec Lucille Bourdonnat, Flor Lurienne, Sébastien Rajon et avec la voix d'Yveline Hamon

Création sonore:Jordan Allard

Création Vidéo : Timo Hateau

Scénographie : Jean-Baptiste Manessier

Cet article CA VA, MAMAN ? à Présence Pasteur à 17H40 (1H) est apparu en premier sur Agenda Théâtre.

Ce touchant portrait de sept générations d’ouvriers offre au spectateur un voyage dans le temps en lui proposant une fresque historique sur cent cinquante ans chargée d’humour et de pédagogie.

Il s’agit d’une histoire sur le monde ouvrier et la fierté d’y appartenir. Une histoire sur le rôle de l’ « entreprise/usine » dans la société, de la reproduction sociale et de la place des femmes dans ce monde en mutation. Une histoire dans laquelle l’humain disparaît peu à peu, pliant sous les indicateurs rationnels et déshumanisés. Une histoire sur ces « dégraisseurs » face aux combats et aux luttes des ouvrier-e-s pour la liberté, l’indépendance et le droit de travailler…

La réalisation de Patrick Grégoire (écriture et mise en scène) est incroyablement rythmée, pleine d’humour et émouvante qui ne verse jamais dans le tragique. Une belle énergie se dégage du jeu des cinq comédien-ne-s (Jacques Arnould, Michèle Beaumont, Lise Holin, Alexis Louis-Lucas et Raphaël Thiéry) qui parviennent à interpréter vingt cinq personnages.

Un palpitant et pédagogique “conte de fer” à vivre en famille.

Mike

Écriture & mise en scène: Patrick Grégoire

Interprètes: Jacques Arnould, Michèle Beaumont, Lise Holin, Alexis Louis-Lucas, Raphaël Thiery

Décors: René Petit

Costumes: Rozenn Lamand

Régie lumières: Aurélien Chevalier

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Une sorcière dans une mystérieuse forêt, un couple d’amants pris au piège sur une île par un odieux et fantasque roi, un jeune et courageux vagabond épris de liberté et de bonté…

« Mangeront-ils » est un conte rocambolesque d’une étonnante densité.
La tyrannie, le pouvoir, la liberté et la puissance de la nature y sont abordés avec humour et intelligence.

La mise en scène d’Eva Dumont est remarquable de beauté et de simplicité. Mêlant musique électronique envoûtante et costumes féériques, elle parvient à créer une atmosphère digne d’un conte pour enfant et à décomplexifiant, en apparence, le texte de Victor Hugo.

L’onirisme et l’humour satirique sont exaltés par l’investissement des trois comédiens (Claire Chauchat, Lucie Jousse et Victorien Robert).

Ce trio sympathique associé à cette mise en scène merveilleuse permettent de faire de “Mangeront-ils” une pièce réjouissante pour tous publics.

Mike

De Victor Hugo

Mise en Scène : Eva Dumont

Avec Claire Chauchat - Lucie Jousse - Victorien Robert
Régie Thibault Petit
Marionnetiste: Chloé Cassagne
Costumes: Christine Vilers
Création lumière: Jean-Yves Perruchon

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Créée en 2015 par Alicia RODA, Chère Amazone raconte la rencontre improbable entre Aile (Sara VIOT) une femme actuelle, indépendante, bien dans sa peau et Penthésilée (Alicia RODA) légendaire reine des Amazones, fondatrice de cette nation de femmes fortes, descendante du Dieu Arès et de la Naïade Harmonie.

Au départ, un processus parallèle semble s’établir entre ce que ressent le public et ce que vit Aile, le personnage qui vient se faire réveiller. Au début, le public n’entre pas immédiatement dans la pièce. On ne comprend pas vraiment le message, ni ce qu’il se passe réellement. De la même manière, Aile ne comprend pas ce qu’il lui arrive. Cette arrivée impromptue de Penthésilée dans sa chambre, venant troubler son sommeil, sa routine, sa vie, son avenir est confuse… Dans sa verve qui parait inextinguible et péremptoire, Penthésilée cherche à réveiller Aile mais aussi le public. Quoiqu’il en coûte, cette confrontation initiatique a pour objectif de réveiller la femme sauvage qui dort en Aile (mais aussi chez les spectatrices/teurs ?), même si pour cela Penthésilée semble parfois maladroite et à court d’argument. Comme Aile, le public peut ne pas être réellement réceptif au départ.

Puis il se passe quelque chose. Un moment clé dans la pièce vient faire basculer le public au cœur même du propos. Aile s’ouvre, ouvre son cœur et explose littéralement lors d’un monologue puissant. L’atmosphère change tout à coup lorsque Aile se met à se défendre, à plaider pour sa singularité, ses choix, ses désirs. A crier haut et fort son refus de correspondre à un prototype, aux caractéristiques « naturelles » imposées aux femmes. Comme si tout à coup le dialogue entre les deux actrices, cette diatribe musclée devenait un message universel. Le propos est fort, énergique et sans appel. Il ne peut que prendre à partie le public qui ne peut cette fois ni s’échapper, ni se dérober.

Cette pièce pose la question de ce qu’est une femme, peu importe son époque, hier, aujourd’hui et demain, même combat. Les deux actrices se donnent sans compter dans cette pièce qui ne peut laisser indifférent-e malgré quelques maladresses dans la mise en scène. Le texte est poignant, authentique, implacable. Une fois emporté, le public, tout comme Aile dans la pièce, est sous le choc des phrases saccadées et des informations lancées comme des flèches d’Amazones.

Et, une fois qu’Aile est éveillée sur cette condition éternelle des femmes et qu’elle pose la question cruciale « Changer les choses. Mais comment ? », Penthésilée répond de la façon la plus simple possible « En acceptant notre fardeau. Notre fardeau à toutes, les déjà nées et les à naître. Prend le sur ton dos. Il pèse des millions d’années ». C’est certainement ça le message, le début du changement c’est d’abord accepter de porter ce lourd fardeau la tête haute et tenter d’incarner toutes les femmes d’hier, aujourd’hui et de demain, qui luttent et se battent pour exister telles qu’elles sont.

MG qui écrit aussi pour le Planning Familial de Paris

http://paris.planning-familial.org/articles/chere-amazone-ou-le-feminisme-hante-par-son-passe-002288

d’Alicia RODA.

Mise en scène Pascal Guignard Cornélien.

Avec Sara VIOT et Alicia RODA. 

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