Ils sont quatre comédiennes et comédiens et nous entraînent dans un moment de théâtre de haut vol. Les mots coulent à flots, tendres et tranchants, ils blessent et mettent à vif les félures de chacun. La confrontation tout en douceur apparente est âpre et révèle toute la brutalité d’une justice qui « tire à pile ou face » un verdict.

Dans une écriture sobre où chaque mot lancé est dit, non pour faire mal mais pour avancer et comprendre ce qui s’est joué quinze plus tôt, nous devenons prisonniers du drame qui fit vaciller quinze ans plus tôt les vies de ces quatre personnages, drame qui les hante toujours.
Après 15 ans de prison, le « Criminel » Boris (Morgan Pérez) sort et revient voir les témoins de son acte. Mais de quel acte parle-t-on ? Le meurtre de son père ? Ou d’avoir laissé pour morte Camille sa sœur bien-aimée (Sophie Vonlanthen) ?
Dans une écriture éclatée qui nous tient en haleine, l’histoire nous est révélée par petites touches entre présent et flash-back, donnant la parole à tous les personnages et nous captive.

Avec beaucoup de finesse, Yann Reuzeu, auteur et metteur en scène, nous met face à nous-même et nous oblige à reconsidérer cette société dans laquelle nous vivons. A quel moment décide-t-on en toute conscience qu’un homme est criminel ?
C’est ce « Criminel » , Boris, qui nous mettra face au miroir d’une société où la  justice est fluctuante. Du temps pour réfléchir, Boris n’a eu que ça pendant quinze ans ! Et s’il retourne voir les témoins et acteurs de son emprisonnement, est-ce pour se venger, régler des comptes ou se débarrasser du passé, se construire un présent et surtout un avenir ?

La scénographie de Goury est parfaite, un plateau qui tourne et nous entraîne dans un tourbillon de moments parfois doux, parfois brutaux mais toujours extrêmement tendus…
Les comédiens, tous magnifiques, ont un jeu juste, sensible qui nous séduit et dépasse le cadre scénique pour mieux nous emporter et mettre à jour des blessures que ces personnages s’imaginaient disparues et qui n’étaient qu’enfouies…
Morgan Pérez nous envoûte par son jeu entre douceur et animalité, Sophie Vonlanthen vibre d’une fièvre contenue et nous émeut en permanence. Manon, interprétée par Noémie Daliès exprime avec finesse les sentiments extrêmes qui l’habitent et nous communique cette peur, justifiée ou non… Quant à Frédéric Andrau (Xavier), il passe du flamboiement à la petitesse sans fioriture, avec puissance et simplicité.
Yann Reuzeu signe une pièce étonnante et dérangeante sur l’être humain. Tout à la fois dure, violente et mélancolique, cette pièce met face à une réalité que l’on préfère ignorer car « criminel » ou « témoin », il nous faut admettre que nous avons toujours le choix, et que ce choix peut être judicieux ou cauchemardesque, mais quel qu’il soit, il nous appartient !

Un spectacle à voir absolument et sans jugement…

Criminel écrit et mis-en-scène par Yann Reuzeu au Théâtre La Factory-salle Tomasi à 18h45 du 5 au 29 juillet 2019. (Relâches les 10, 17, 24)
Avec Frédéric Andrau, Morgan Pérez, Noémie Daliès, Sophie Vonlanthen.
Assistante Clara Leduc, Lumière Elsa Revol
Scénographie Goury, Musique Christine Moreau.

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La vie vous semble triste, poussiéreuse ? Poussez la porte de l’Archipel et laissez-vous entraîner dans un spectacle ébouriffant, réglé avec une précision d’horlogerie, où l’humour, l’absurde et la joie sont à l’honneur pour notre plus grand bonheur : La Cantatrice Chauve…
La Compagnie Les Polycandres nous livre une Cantatrice Chauve au rythme échevelé, interprété excellemment. Dès le début, le ton est donné. Loin de toute réalité, de toute vraisemblance, les comédiennes et comédiens entraînent un public complice et joyeux dans un univers déjanté, où démesure et folie se conjuguent avec une ambiance surréaliste assumée, revendiquée.

Porté par des comédiens intenses, mené tambour battant, rythmé tout du long par « l’instigateur » (Laurent Grima merveilleusement rigide et féroce à la fois), accueillis par la « bonne » (Johanna Guttierrez sexy et totalement allumée), nous retrouvons M. Smith, (Formidable et incisif Mathieu Dallongeville) et Mme Smith, (Clara Leduc remarquable et désopilante) dans leur salon, qui ont invité à dîner M. Martin (terriblement anglais et insensé) et Mme Martin (Charlotte Lequesne, magique dans son exagération malicieuse survoltée). Survient le capitaine des pompiers (Sylvain Fougères, cintré à souhait). Chacun rivalise d’absurdité. Les propos s’enchaînent. À la fin, les deux couples, retombés en enfance, se disputent en prononçant des sons incompréhensibles. Voilà, dit Ionesco du « théâtre abstrait et c’est effectivement une « anti-pièce », s’opposant à toutes les traditions dramatiques répertoriées.

S’emparant de ce texte avec une minutie extrême, Caroline Raux nous offre une mise en scène débordante d’imagination et totalement décalée qui permet d’autant plus au texte de nous parvenir puissamment et de nous faire toucher la vanité et l’inanité de la vie de ces personnages interchangeables.
Un spectacle où des fous rires s’emparent de nous par instant grâce aux non-situations de ces non-personnages interprétés magnifiquement et mis en scène excellemment. Un pur moment de régal !

La Cantatrice Chauve par la Compagnie les Polycandres à 19h35 à l’Archipel Théâtre les 16 et 23 juillet 2019

L’Archipel, 25, bis rue du Rempart de l’Oulle , 84000 – Avignon

Avec Johanna Guttierrez, Clara Leduc, Charlotte Lequesne, Mathieu Dallongeville, Laurent Grima, Florian Lemay

MS : Caroline Raux

T. Volia

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Plaidoyer écologique absurde et extrêmement humoristique écrit par Jacques Rebotier, joué tambour battant et de main de maître par le comédien et magnifique trublion Arno Feffer.

Dans un monde où le règne de l’homme est en plein épanouissement et celui de l’animal sur sa fin (Dieu merci ! ), il ne nous reste à nous les humains que peu d’efforts à fournir pour achever notre œuvre : la destruction totale et définitive de toutes les espèces d’animaux…

Tel un savant fou en quête de la solution finale, Arno Feffer nous entraîne joyeusement dans son raisonnement scientifique sur  le pourquoi et le comment de cette élimination des animaux.

De façon incisive, le procès fait aux animaux se transforme en immense procès contre l’homme, le raisonnement sans faille aucune démontre comment la guerre est le propre de l’homme, que l’homme n’est pas un prédateur parmi les autres et comme les autres, mais bel et bien le prédateur de tous les autres !

La sentence est sans appel : l’homme dans sa grande supériorité est reconnu coupable !

Mais comment, pourquoi et de quoi, vous insurgerez-vous… L’homme est coupable de destruction massive envers les espèces animales, et pas que…

Jacques Rebotier signe de son écriture poétique une fable drôle, ironique et mordante  qui commence comme une apologie de l’homme et finit par pointer du doigt notre nature sombre d’humain, guerrier sans pitié et tueur sans état d’âme. S’emparant de ce plaidoyer absurde et terrifiant, Patrick Verschueren le met en scène sans pathos, avec beaucoup d’inventivité, soulignant la force de ce qui nous est dit et permettant à Arno Feffer de donner libre cours à toute sa fantaisie. S’appuyant sur la très réussie scénographie de Raphaëlle Weber, il nous permet d’entrevoir le massacre que l’homme pratique inlassablement, sans jamais se retourner en arrière, sans jamais se questionner (ou si peu) sur le devenir de notre planète ! Enfin, le jeu tout en ironie mordante, en fureur pleine de finesse d’Arno Feffer nous révèle la puissance de ce texte qu’il porte formidablement avec une sombre délectation.

Un moment passionnant et écologique à ne pas manquer !

★ ★ ★

T. Volia

Contre les Bêtes de Jacques Rebotier, M-S Patrick Verschueren avec Arno Feffer.

Scénographie Raphaëlle Weber

Présence Pasteur, 13 rue du Pont Trouca, 84000 Avignon

Du 7 au 30 juillet, à 19H, durée 55 mns.

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Bienvenue dans l’univers flamboyant et baroque du « Carmen Flamenco » ! Sur un fond de rempart noir se découpe une ciel rouge sang… Un homme dans un cachot, est assis accablé sur un lit. Un voix d’homme déchire la nuit avec un chant flamenco. Le ton du spectacle est donné, la Passion en sera le mot clé…

« Carmen Flamenco » est à la croisée du roman de Mérimée, de l’opéra de Bizet adapté dont les airs principaux sont traduits et chantés en espagnol tantôt dans leur version lyrique, tantôt dans une version flamenco et de la danse Flamenco…

L’histoire de ce drame nous est narrée par Don José ( Puissant Benjamin Penamaria), qui loin d’être le héros sensible et la pauvre victime de Carmen tel qu’il nous est présenté dans l’opéra de Bizet, est dans le roman de Mérimée un brigand sanguinaire à la jalousie maladive et qui tue tous les hommes qui approchent Carmen. C’est lui qui du fond de son cachot nous retracera toute l’aventure qui l’a conduit jusque là et c’est sa vision de cette histoire que nous verrons.

La première fois qu’il voit Carmen (sublime Magali Paliès) - « parmi toutes les filles je ne voyais pas une diable de fille qui valait celle-là »… Il est subjugué, elle chante et avec lui nous tombons amoureux d’elle et de sa voix, puis un homme lui répond en chant flamenco (Magnifique Luis de la Carrasca) et comme dans un tourbillon apparaissent la danseuse et le danseur de flamenco, les doubles dansés de Carmen et de Don José (merveilleux et exceptionnels Ana Pérez  et Kuky Santiago). L’histoire peut commencer, et quoiqu’on ait voulu nous faire croire sur cette femme Carmen, cette sorcière vénéneuse qui rendait fous les hommes qu’elle approchait, la réalité c’est que Carmen est avant tout une femme libre qui revendiquait à voix haute son indépendance ; et pour cela, elle est aux yeux de tous les hommes une femme dangereuse et sulfureuse mais qu’ils veulent tous posséder.

Adapté avec force et ingéniosité par Louise Doutreligne, ce spectacle est incarné par tous les artistes de façon puissante et nous sommes happés tout au long du spectacle par ces passions contenues qui se déchaînent par moment telles des déflagrations. Les musiciens sur scène (José Luis Dominguez, guitariste flamenco et Jérôme Boudin-Clauzel, pianiste) nous font vibrer.

La mise en scène intense de Jean-Luc Paliès est un beau mariage : celui de tous cet arts qui nous emportent dans un torrent d’émotions et nous enflamment jusqu’au crescendo final !

A voir passionnément !

★★★★

T.Volia

Carmen Flamenco D’après Bizet et Mérimée, M-S Jean-Luc Paliès, avec Luis de la Carrasca, Magali Paliès, Benjamin Penamaria, José Luis Dominguez, Jérôme Boudin-Clauzel, Ana Pérez, Kuky Santiago  

Adaptation Livret Louise Doutreligne, Traduction Evelio Minano Martinez,

Adaptation musicale et création musicale flamenco Luis de la Carrasca

Adaptation musicale d’après Bizet Jérôme Boudin-Clauzel

Technicien son : A. Dalmasso Création lumières : JM Dutriaux

Au Chêne Noir, à 22H, durée 1h10, relâches les 10, 17, 24 juillet.

8 bis rue Sainte-Catherine, 84000 Avignon

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« Il y a deux façons de se taire : l’une de se taire, l’autre de parler, de remplir l’espace.

Il y a deux façons d’être immobile : l’immobilité immobile ou l’immobilité gesticulatoire… Je pratique les deux ! »

Ainsi commence Isabelle de Botton qui dans une ronde de paroles nous entraîne dans les vies

de diverses femmes, héroïnes de monologues écrits par Marie Nimier.

Le personnage qu’interprète Isabelle de Botton nous raconte : elle aime lire mais un jour elle a la curieuse sensation que Marie Nimier s’inspire de sa vie à elle, lectrice passionnée et amoureuse des écrits de cette autrice.

Partant de là avec beaucoup de douceur et de charme, par petites touches de pinceau, Isabelle de Botton avec beaucoup de malice devient toutes ces femmes qui se livrent le temps d’un monologue.

Elle est « potichiste » et non potiche comme elle explique. La potiche, elle, est bien réelle et présente… elle est posée sur la scène énorme avec des frises bleues et elle, notre héroïne, va la peindre, s’arrêtant souvent pour nous parler, croisant les pensées de son personnage avec ceux de Marie  Nimier.

Avec cette Potiche qui trône dans un coin tel le chevalet d’un peintre, deux pots, un immense et un petit constituent le décor. Du grand pot, notre héroïne sort des livres à la pelle, dans ce grand pot elle se réfugie parfois quand elle a besoin de tendresse…

Isabelle de Botton (émouvante, belle et savoureuse) peint sur sa potiche en blouse blanche et pantalon de panthère, sa chevelure magnifique défaite et nous découvrons que potichiste est un métier et qu’elle l’a exercé aux quatre coins du monde !

Ce jour là, elle peint cette potiche pour participer à un concours pour le 8 mars, journée internationale des droits de la Femme ! Et elle aimerait tant que Marie Nimier l’y accompagne à ce concours ! Elle aimerait tant de choses et ainsi entre le silence-bavardé, l’immobilité-gesticulée  l’histoire de cette femme nous est livrée de manière douce-amère, une vie où être jeune fille n’est pas toujours facile quand les hommes se permettent de… et que toi tu n’oses rien dire, une vie de femme où il faut décider de quelle femme tu seras. Entremêlant sa vie avec celles des héroïnes de Marie Nimier, entretenant un dialogue avec cette écrivain, elle nous raconte ces femmes avec leurs différences, leurs peurs, leurs espoirs, leur âpreté, leur tendresse, leur amour de la vie, leur passion… toute une féminine humanité…

La mise en scène de Jean-Pierre Hané est simple et pétillante. Isabelle de Botton passe avec beaucoup de finesse, d’humour et d’empathie d’une femme à l’autre. Et comme elles nous sont proches ces femmes, et comme elles nous ressemblent, et comme on les aime. Et c’est bien là l’art de Marie Nimier de se glisser dans la vie d’autrui sur la pointe des pieds par la porte ou la fenêtre, pour nous raconter le temps d’un monologue une tranche de vie qui dévoile toute une vie, qui délicatement se fond et se confond avec nos propres vies.

Et Isabelle de Botton, elle, a l’art de les jouer ces vies de femmes et de nous les faire aimer !

A voir très vite ★★★

T. Volia

de Marie Nimier, avec Isabelle de Botton, M-S Jean-Pierre Hané, Chorégraphie Philippe Fialho, Scénographie Koko

La Violence des Potiches au théâtre Pixel Avignon, à 14H05, durée 1H10

relâches les 11, 23 et 24 juillet.

18 rue Guillaume Puy, 84000 Avignon

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Il en est des spectacles comme de la vie ! Par moment, elle nous semble calme, cool, tranquille, un peu ennuyeuse mais sympa, et par moment c’est un tourbillon joyeux, rapide, acide, pimenté !… Quelle vie préfère-t-on ? Quel spectacle ? Ne répondez pas tout de suite, prenez le temps de réfléchir… ou pas !

Dans un monde converti à l’ultra consommation, à quel moment décide-t-on de vendre sa conscience au diable ?

Dans un monde où habiter dans un appartement petit, crasseux mais cher, surtout très cher, le jeune et gentil couple Fleur  (Joséphine Berry craquante) et Benji (épatant Louis Bernard) vivent une vie heureuse, calme, tranquille…etc. Elle attend Bébé, le samedi ils se baladent dans les grands et beaux magasins, s’extasient en silence sur toutes ces belles choses qu’ils n’auront jamais, puis rentrent dans leur petit appartement miteux mais dans lequel ils sont heureux.

Un jour, ils reçoivent une lettre de l’état qui leur propose de leur donner une maison ! Bien sûr, il y a quelques petites conditions… C’est là que le diable, sous la forme d’une femme d’affaire rapide et efficace (surprenante Floriane Andersen) va entrer dans la danse, les allécher, les appâter avec une proposition si… qu’on ne peut pas la refuser dit Fleur qui entrevoit l’occasion de quitter la première vie pour aller vers l’autre qui serait plus… Non, il faut se méfier dit Benji à qui sa vie petite, terne etc. suffit parfaitement… oui mais Bébé dit-elle la main sur son ventre posé, ouvrant ses grands yeux remplis de larmes rentrées… ou pas !

Alors, au nom de l’amour pour Bébé, chassant cette première vie d’une pichenette, ils vont basculer dans la seconde, bousculant allègrement tout ce qui faisait les fondements de leurs consciences, pour notre plus grand bonheur (honte sur nous) !

Avides de posséder plus, encore plus et toujours plus, ils oublieront toute humanité…

Philippe Ridley décrit avec malice et férocité un monde où consommer est la priorité absolue. Les répliques fusent, les situations subversives s’enchaînent rapidement. Toute notre société est passée au crible de sa plume acide et hilarante. Portée par une mise en scène épurée, tout est blanc du sol au plafond, David Mercatali nous plonge dans dans une ambiance quasi surréaliste qui nous horrifie, et même si une petite voix intérieure nous gourmande et nous susurre : non, ils ne vont pas aller jusque là, non… Si ! on ne peut pas s’empêcher de rire jusqu’aux larmes par instant.

Joyeux, attachants, cyniques les comédiens s’en donnent à cœur joie. Ils nous entraînent par touches successives dans cet univers absurde et décalé. Il y a la séduisante Joséphine Berry, dont le personnage tranquille et discret au début du spectacle dévoile très vite une volonté de fer, elle joue avec finesse de tous les codes de la femme qui propose sans imposer et explose littéralement si on ne lui donne pas ce qu’elle veut. Elle irradie au fur et à mesure qu’elle accumule et nous communique avec passion son amour de la possession. Il y a Louis Bernard dont la naïveté et la droiture au départ nous rassurent et qui va se révéler plus féroce que les autres. Il joue avec un naturel désarmant, il est extrêmement drôle et nous fait vivre un moment digne des plus grands comiques. Floriane Andersen tantôt femme d’affaires, tantôt clocharde excelle dans l’interprétation de ses deux personnages, variant de l’un à l’autre avec virtuosité et si elle campe une femme effrayante dans le premier, elle nous touche tout en douceur dans son rôle de vagabonde.

Un spectacle subversif, hilarant,un petit bijou pimenté qu’il ne faut pas rater !

★ ★ ★ ★

T. Volia

Radieuse Vermine de Philippe Ridley, M-S David Mercatali, assisté de Flore Vialet

Avec Joséphine Berry, Louis Bernard, Floriane Andersen

Au Chêne Noir, 8 bis rue Sainte-Catherine, 84000 Avignon à 20H45, durée 1H25

Relâche les lundis 10, 17, 24.

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Tout commence en septembre 2010 lorsque le dernier directeur de l’usine de Gémenos (près d’Aubagne), M.Lovera arrivé en 2007, ferme l’usine de thé Eléphant, créée à Marseille à la fin du XIXème siècle, pour cause de production en Belgique et en Pologne…

Non, l’histoire commence bien avant : Elle commence déjà en 1998 lorsqu’Unilever ferme l’usine du Havre. Ils ont mis deux ans à la fermer, vite fait, bien fait… Toute la production se retrouve concentrée à Gémenos et 54 familles se déracinent (oui, quand on délocalise quelqu’un, on le déracine lui et toute sa famille !) pour conserver leurs emplois…

Alors, quand on 2010 la Direction, cette hydre à milles têtes, décide de fermer le dernier site français, les ouvriers décident de dire non ! Non, au massacre de leurs emplois, non à la casse de leurs vies, NON… et décident de reprendre l’usine, d’en faire une S.C.O.P (Sociétés coopératives et participatives).

En donnant la parole aux ouvriers qui pendant 4 ans ont mené cette lutte, c’est un acte évidemment politique que fait Philippe Durand, mais surtout et avant tout humain. L’humain, une notion particulièrement oubliée, pour ne pas dire méprisée par toutes ces multinationales pour qui le profit est leur seule raison d’être… Et Philippe Durand (extraordinaire) nous transmet de façon sobre, émouvante, avec humour, mais aussi avec colère, rage, désespoir, ce par quoi sont passés ces  femmes et ces hommes qui ne se sont jamais avoués vaincus !… A côté de lui, une autre table où sont rangées en pyramide les boites et infusions de la nouvelle marque …

Ils ont tenu pendant 4 longues années ! Et pourtant il y aurait eu de quoi arrêter, car les multinationales ont tout pour faire craquer les plus résistants… Elles ont les moyens de faire traîner les choses indéfiniment, elles ont les moyens de payer un huissier à 320 euros de l’heure et qui vivra pendant des mois dans l’usine (mais peut-être a-t-il fait payer à Unilever un forfait !), elles ont les moyens d’envoyer des vigiles sans cesse harceler les ouvriers, elles ont les moyens d’avoir une armada d’avocats, elles ont les moyens de repartir en appel quand les jugements leur sont défavorables (à chaque fois) !

Face à ce déploiement de force, d’argent et d’intimidations, des hommes et des femmes qui n’ont rien d’autre que leur volonté, qui refusent de voir leur marque « Eléphant » partir à l’étranger, qui refusent de voir leur avenir, et celui de leurs enfants, piétiné, vont résister à toutes les pressions, tous les coups durs grâce à leur solidarité.
Et quand enfin Unilever va céder, eux ils seront prêts à relever le défi de faire vivre leur usine.

Ils sont conscients que les vraies difficultés ont commencé du jour où ils ont gagné mais ils avancent pas à pas, se battent désormais avec les chiffres, les grands magasins pour qu’ils représentent leur marque, une marque nouvelle dont le nom magnifique et combatif est… 1336.

Un spectacle à ne rater sous aucun prétexte.

★★★★

T. Volia

1336 (Parole de Fralibs) avec Philippe Durand

Au 11. Gilgamesh Belleville, 11 Bd Raspail, 84000 Avignon à 20H10, durée : 1H35

Du 6 au 28 juillet, Relâches les mardis 11, 18 et 25 juillet.

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-« On a tous un jardin secret à l’intérieur de nous !

Je suis trop petit pour avoir un jardin à l’intérieur de moi… ».

Le charme, la poésie et l’humour de ce spectacle sont immédiats et ne s’arrêtent jamais. Il nous envahissent tout au long de la pièce, nous entraînant avec une délicatesse infinie dans l’univers de ces deux enfants dont on suit le questionnement le temps d’une nuit blanche.

Nous sommes dans un jardin, 2 enfants Colombe et Arthur ont décidé de ne plus jamais dormir pour comprendre ce monde des adultes, pour avoir des réponses aux milliers de questions qui se bousculent dans leurs têtes !

Le merveilleux de ce spectacle est sa capacité à plonger les enfants et les adultes dans une fable légère comme une plume, remplie par instant de gravité et ludique, toutes ces émotions se jouant avec une grande instantanéité comme seuls les enfants en ont le secret. Et puis des plages de silence, moments où l’enfant rentre en lui-même et rêve, son regard tourné ailleurs, un ailleurs très lointain… Instants suspendus, on flotte dans cette nuit, on redevient enfant, nos propres questions, craintes, peurs et joies nous reviennent… Tout est paisible quand soudain de nouveau , à travers des jeux, des rires, des bousculades la vie se remet en mouvement, les questions fusent, les réponses et leur contraire se proposent pour notre plus grand bonheur.

Servi par une mise en scène d’Antoine Colnot, dépouillée et riche de mille détails qui nous surprennent et nous enchantent et par deux comédiens et un musicien-conteur, le texte de Anne Rehbinder est de la dentelle, tout en courbes et en rondeur. Il nous emporte par sa fraîcheur, mais aussi par son humour et sa douceur aux pointes acidulées.

La scénographie de Laïs Foulc est originale et simple à la fois, une cabane transparente, une lune blanche, un nuage doré, et surplombant le jardin, un plateau avec le musicien-conteur Olivier Slabiak dont la voix et la musique rock et poétique à la fois se font entendre en contrepoint de ce qui joue plus bas. Et cet espace magique est magnifié par des lumières faites par Laïs Foulc qui nous donnent l’impression par moment d’être dans un tableau de Magritte en noir et blanc.

Nous sommes emmenés dans ce voyage par Anne Jeanvoine et Antoine Colnot deux comédiens magnifiques de justesse, de tendresse, de tristesse de colère et de rires. Dès le début, ils nous choppent sans avoir l’air de rien et ne nous lâchent plus… Où pour être plus précise, c’est nous qui ne les lâchons plus, comme quand nous traversons une route et qu’on ne lâche pas la main de nos enfants, pas une seconde nous ne quittons des yeux ces deux comédiens-enfants ou enfants-comédiens, devenant comme eux et retrouvant la part de l’enfant qui est en nous et n’est jamais très loin…

Les enfants comme les parents sont fascinés et adhèrent à cette aventure joyeuse et poétique et nous sortons de ce spectacle touchés, heureux, rêvant à notre tour de trouver notre bulle où nous poser, afin que notre imaginaire prenne le temps de répondre à toutes ces questions que enfants nous avions dans notre cœur  et n’avions jamais soulevées !

A voir absolument en famille de 7 ans à…

T. Volia

de Anne Rehbinder. M-en-scène Antoine Colnot, avec Anne Jeanvoine, Antoine Colnot et Olivier Slabiak, Musiques Olivier Slabiak, Scénographie et Lumières Laïs Foulc, Costumes Cécile Pelletier.

Nuit Blanche, spectacle pour enfants, Théâtre du Girasole, à 15H40, durée 50 mns.

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Marcel Aymé s’amuse… Il dresse des portraits peu flatteurs d’une famille noble, insensée et sans le sou et qui pour survivre passe des jours et des nuits à tricoter des pulls.

Dominée par le Comte de Clérambard, mari, gendre et père odieux, homme impitoyable et tyrannique (impressionnant Franck Desmedt), la famille geint, se débat mais suit pas à pas ce mâle dominant dans toutes ses bassesses et vilenies.

Arrive le jour où la rédemption s’offre à eux sous la forme de Saint François d’Assise qui apparaît au Comte et lui offre un livre sur sa vie au moment même ou le curé de leur village vient leur proposer un marché… Marier leur fils à une fille très laide mais très riche…

Sans répit, les situations plus insensées les unes que les autres se succèdent, nous font rire et frémir à la fois !

La Foi, avec un grand F, est au cœur de ce spectacle et permet à Marcel Aymé de vilipender une fois de plus l’hypocrisie de cette société ou le croyant n’est pas celui que l’on croyait…

Une comédie grinçante et étonnante.

Guilaine Londez en femme du Comte est fine et attachante, Isabelle de Botton dans le rôle de Madame de Léré est parfaite, toutes ses répliques font mouche, Flore Vannier-Moreau nous enchante dans son côté populaire de la « Langouste », le couple Galuchon, Marijo Buffon et Romain Lagarde, peint formidablement tous les travers des petits bourgeois voulant se hausser du col, Grégoire Bourbier dans son rôle de curé est dégoulinant à souhait et Hervé Haine, musicien-chanteur et docteur est jubilatoire.

Un spectacle à découvrir joyeusement !

3 étoiles

T. Volia

M-S : Jean-Philippe Daguerre

Avec : Franck Desmedt, Guilaine Londez, Isabelle de Botton, Flore Vannier-Moreau, Marijo Buffon Romain Lagarde,  Grégoire Bourbier et Hervé Haine

Clérambard, Théâtre Actuel, 80 rue Guillame Puy, 84000 Avignon, à 18H55, duré 1H30

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Une vie ordinaire où la souffrance est organisée, tenue en laisse, où les émotions sont filtrées…Une vie de Médée sans tragédie, sans cris… Histoire d’une vie ordinaire !

Au centre de la scène, dans un fauteuil surélevé, une femme en robe de chambre, une table, un lampadaire. Massive, plantée dans son fauteuil, elle ne bouge rien. Jouée par Erwann Daphouars (impressionnant, exceptionnel comédien), elle nous tient en haleine tout au long de son récit, nous plonge dans sa folie de femme déclarée « pas folle »… Ni superflu, ni effet de manches, d’une voix monocorde, avec des accents de désespoir mêlés de colère qu’elle maîtrise rapidement, elle nous livre l’essence même de son drame : la cruauté mentale de son mari inconscient de l’amour fou qu’elle lui porte, elle, sa femme. Avec âpreté, de façon quasi clinique, elle dissèque leur histoire, de leur première rencontre jusqu’au jour où…

Dépassant les faux-semblants, le texte magnifique de Solenn Denis traque la faille et la défaillance  d’une femme abandonnée et incapable de s’en consoler. Insoutenable désespoir qui la ronge de l’intérieur, le cri qu’elle n’a jamais poussé et le geste qu’elle a osé la hantent sans répit !

La mise en scène faite par le collectif Denysiak est impressionnante de simplicité et d’évidence. Nous n’avons jamais le temps de respirer, nous buvons ses paroles, nous guettons chaque frémissement de cette femme banale au récit insupportable. Les lumières cisèlent le personnage assis de façon immuable dans son fauteuil, accompagnent imperceptiblement ses changements d’états intérieurs. On s’attache à cette femme interprétée magistralement par ce comédien ô combien magique, dont on rêve que le cauchemar se transforme en doux rêve pour…

Mais la vie n’est pas un rêve alors elle sourit car comme elle dit « je souris car si je souris, l’information va à ton cerveau et alors tu crois que tu es heureux !…

A voir et revoir absolument

5 étoiles

T. Volia

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