L’île d’Hector Manuel, Collectif Bajour

Mise en scène et musique originale d’Hector Manuel                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                  Avec Leslie Bernard, Julien Derivaz, Margaux Grilleau, Matthias Jacquin, Georges Slowick, Alexandre Virapin, Adèle Zouane en alternance avec Cléa Laizé                                                                                                                                                                                                                              

Il est des spectacles qui attrapent notre imaginaire si fortement qu’il nous est impossible ensuite, pour notre plus grand bonheur, de s’en dépêtrer. Le collectif Bajour a le chic pour nous secouer, nous remuer puis nous laisser retomber en ne nous laissant aucune autre possibilité que de se questionner encore et encore sur la folie programmée d’un monde dans lequel nous vivons…

S’interrogeant sur l’absurdité de ce monde où l’exploitation de l’autre, des autres est devenue la norme, où le temps c’est avant tout de l’argent, où l’urgence est non pas de réfléchir mais d’agir, le collectif Bajour nous rend spectateurs des déviances de notre société.

La solution serait-elle une île ? Pourquoi non ?… Sur cette île, chaque jour est un nouveau jour, on y change d’identité et de personnalité comme de chemises et de ce fait, on y est qui on souhaite, comme on le souhaite. Et tout y est calme et suave ! Jamais un mot plus haut que l’autre, jamais de précipitation, juste de l’amour et encore de l’amour. Un doux rêve presque inquiétant, le palliatif pour celles et ceux qui craquent sous la pression permanente dans laquelle notre société leur impose d’exister.

Ainsi va le le monde, rien ne va plus… Mais les jeux sont-ils faits ? N’est-il pas temps de secouer le cocotier ? A travers des flash-back, nous revivons la vie de nos personnages venus se réfugier sur l’île : Une boîte de pub où le N+1 pressurise son équipe en permanence, tantôt en humiliant, tantôt en cajolant, et des révolutionnaires en herbe, qui font des actions censées réveiller le monde mais n’arrivent strictement à rien si ce n’est qu’à se déchirer entre eux.

Alors, que reste-t-il ?  La réponse se trouverait-elle dans l’île ?

A travers un texte féroce et désopilant, Hector Manuel, comédien, auteur, metteur en scène et scénographe de ce spectacle et ses merveilleux acolytes nous entraînent dans une farce cruelle et brillantissime, tant par l’écriture, par la scénographie que par l’interprétation. Une ronde survoltée où chaque mot fait mouche, où les comédiennes et comédiens, Leslie Bernard, Julien Derivaz, Margaux Grilleau, Matthias Jacquin, Georges Slowick, Alexandre Virapin, Adèle Zouane en alternance avec Cléa Laizé  sont exceptionnels, nous surprennent sans répit dans leur folie, tout en nous faisant rire aux larmes, et nous touchent profondément quand le désarroi et l’impuissance des personnages se manifestent subitement avec toutes leurs fragilités. Tout nous émeut et nous frappe en nous renvoyant à notre propre folie, celle qui nous permet de tout croire les yeux et les oreilles fermés, de tout accepter et de tout supporter. 

Un spectacle salutaire et indispensable à voir et à revoir sans modération !

T. Volia

L’île d’Hector Manuel Collectif Bajour

Mise en scène, scénographie et musique originale d’Hector Manuel

Avec Leslie Bernard, Julien Derivaz, Margaux Grilleau, Matthias Jacquin, Georges Slowick, Alexandre Virapin, Adèle Zouane en alternance avec Cléa Laizé

Création lumière et régie : Damien Caris

La Manufacture-Patinoire, 2 bis rue des Ecoles 84000 Avignon, du 7 au 25 juillet à 11H50, durée du transport compris

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Théâtre de la Tache d’Encre à 14H. Durée 1H15

Il est des spectacles qui au-delà des éclats de rire qu’ils provoquent, nous touchent avec douceur et mélancolie, nous ramenant par petites touches à notre propre enfance. C’est ce qui se produit avec le spectacle d’Aurore Sellier. Dans une scénographie très épurée, un fauteuil, une chaise, une table, elle nous emmène à travers son personnage de Laura dans son histoire familiale.

Tout commence par ce jour fameux, où pleine de courage Laura décide de tout quitter : les Vosges, son travail, sa famille pour venir passer un casting à Paris afin de devenir Miss Météo Régionale.

Et nous assistons à une audition phénoménale, avec une casting débordée, une assistante angoissée et une Laura peu intimidée, naturelle et tellement heureuse de se retrouver là que rien ni personne ne peut arrêter son élan et sa joie. Et elle parle Laura, elle se raconte, se livre et nous embarque et pas que nous… tranquillement dans son histoire personnelle qui nous tord en douce le cœur. Mais attention, si les larmes peuvent jaillir, le rire n’est jamais loin.

A travers une galerie de personnages dessinés avec finesse et tendresse par Aurore Sellier, nous découvrons toute la vie de Laura, sa famille dans laquelle « personne ne pleure, passé 12 ans », dans laquelle la parole est compliquée voire impossible parfois, avec une mère qui travaille à l’usine et dont le leitmotiv à chaque demande des enfants est : « On verra… ».

Et puis il y a les rencontres magiques qui font vaciller Laura et lui permettent de se projeter dans un possible ailleurs…

Aurore Sellier nous enchante à travers cette histoire et tous ces personnages qu’elle interprète formidablement et qui nous font voyager du rire aux larmes en nous émouvant profondément.

Un spectacle parsemé d’humour et d’émotion qu’il ne faut surtout pas rater !

Tu Verras Quand Tu Seras Grande

De et Avec Aurore Sellier

Julia Malibaum : Metteure en Scène

Théâtre de la Tache d’Encre à 14H. Durée 1H15

1 rue de la Tarasque, 84000 Avignon

T. Volia

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Un spectacle de et avec Yvon Martin

Un petit tour et puis s’en vont… excepté que là, ils ne s’en vont pas ces fameux « transitionneurs » dont parle Yvon Martin dans son spectacle « La Fin du Monde va bien se passer ». Seul en scène, dans une scénographie simple et efficace, Yvon Martin nous parle d’un monde futur sur lequel il se penche depuis des années, celui que nous laisserons aux générations qui nous succèderont. A travers une saga familiale, il se penche avec tendresse et humour sur cette transition écologique indispensable dont nous parlent les scientifiques mais pas que… depuis un certain nombre d’années.

Nous sommes en 2080, mais cette saga familiale commence avec le grand-père, né dans les années 2000 et qui à un moment donné, prenant conscience de ce qui se passe du point de vue écologique sur notre terre, décide de s’emparer de cette problématique à bras-le-corps en changeant de vie avec toute sa famille. Et la lutte pacifique mais néanmoins active se met en place. Nous assistons alors à la naissance de ces transitionneurs qui avec courage et patience vont créer une conscience écologique collective et solidaire….

Yvon Martin passe avec brio d’un personnage à un autre. Il fait défiler sous nos yeux toute une galerie de personnages, aussi bien ceux de cette famille dont il nous conte l’histoire que les personnages du village où sera mis en place un gouvernement collectif. Et cela marche ! Quand les assemblées du village se font, Yvon Martin nous y fait participer en nous questionnant… Et si ces questions aux allures parfois naïves nous font rire, petit à petit se dessine des interrogations sur nos possibilités et impossibilités de nous dessaisir de tous nos biens matériels qui lentement mais sûrement usent notre Terre…

Avec la complicité attentive et bienveillante de Michel Scotto Di Carlo, Yvon Martin a créé un spectacle, touchant, drôle et exigeant dans ce qu’il nous raconte, nous embarquant dans un voyage dont nous ne sortons pas indemnes !

Un moment extrêmement salutaire et joyeux pour nous et nos consciences.

A voir absolument

 T. Volia

YVON MARTIN – comédien, auteur, metteur en scène

MICHEL SCOTTO DI CARLO– regard complice

Citronelle Dufay & MOUSTIK – Scénographie                                                                                                       

Camille artigues  – régisseur, créateur lumière

LA FACTORY – LA CHAPELLE DES ANTONINS

5 rue Figuière, Avignon

Du 7 au 31 juillet, à 11H20

Relâche 12,19,26 juillet

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Ils sont quatre comédiennes et comédiens et nous entraînent dans un moment de théâtre de haut vol. Les mots coulent à flots, tendres et tranchants, ils blessent et mettent à vif les félures de chacun. La confrontation tout en douceur apparente est âpre et révèle toute la brutalité d’une justice qui « tire à pile ou face » un verdict.

Dans une écriture sobre où chaque mot lancé est dit, non pour faire mal mais pour avancer et comprendre ce qui s’est joué quinze plus tôt, nous devenons prisonniers du drame qui fit vaciller quinze ans plus tôt les vies de ces quatre personnages, drame qui les hante toujours.
Après 15 ans de prison, le « Criminel » Boris (Morgan Pérez) sort et revient voir les témoins de son acte. Mais de quel acte parle-t-on ? Le meurtre de son père ? Ou d’avoir laissé pour morte Camille sa sœur bien-aimée (Sophie Vonlanthen) ?
Dans une écriture éclatée qui nous tient en haleine, l’histoire nous est révélée par petites touches entre présent et flash-back, donnant la parole à tous les personnages et nous captive.

Avec beaucoup de finesse, Yann Reuzeu, auteur et metteur en scène, nous met face à nous-même et nous oblige à reconsidérer cette société dans laquelle nous vivons. A quel moment décide-t-on en toute conscience qu’un homme est criminel ?
C’est ce « Criminel » , Boris, qui nous mettra face au miroir d’une société où la  justice est fluctuante. Du temps pour réfléchir, Boris n’a eu que ça pendant quinze ans ! Et s’il retourne voir les témoins et acteurs de son emprisonnement, est-ce pour se venger, régler des comptes ou se débarrasser du passé, se construire un présent et surtout un avenir ?

La scénographie de Goury est parfaite, un plateau qui tourne et nous entraîne dans un tourbillon de moments parfois doux, parfois brutaux mais toujours extrêmement tendus…
Les comédiens, tous magnifiques, ont un jeu juste, sensible qui nous séduit et dépasse le cadre scénique pour mieux nous emporter et mettre à jour des blessures que ces personnages s’imaginaient disparues et qui n’étaient qu’enfouies…
Morgan Pérez nous envoûte par son jeu entre douceur et animalité, Sophie Vonlanthen vibre d’une fièvre contenue et nous émeut en permanence. Manon, interprétée par Noémie Daliès exprime avec finesse les sentiments extrêmes qui l’habitent et nous communique cette peur, justifiée ou non… Quant à Frédéric Andrau (Xavier), il passe du flamboiement à la petitesse sans fioriture, avec puissance et simplicité.
Yann Reuzeu signe une pièce étonnante et dérangeante sur l’être humain. Tout à la fois dure, violente et mélancolique, cette pièce met face à une réalité que l’on préfère ignorer car « criminel » ou « témoin », il nous faut admettre que nous avons toujours le choix, et que ce choix peut être judicieux ou cauchemardesque, mais quel qu’il soit, il nous appartient !

Un spectacle à voir absolument et sans jugement…

Criminel écrit et mis-en-scène par Yann Reuzeu au Théâtre La Factory-salle Tomasi à 18h45 du 5 au 29 juillet 2019. (Relâches les 10, 17, 24)
Avec Frédéric Andrau, Morgan Pérez, Noémie Daliès, Sophie Vonlanthen.
Assistante Clara Leduc, Lumière Elsa Revol
Scénographie Goury, Musique Christine Moreau.

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La vie vous semble triste, poussiéreuse ? Poussez la porte de l’Archipel et laissez-vous entraîner dans un spectacle ébouriffant, réglé avec une précision d’horlogerie, où l’humour, l’absurde et la joie sont à l’honneur pour notre plus grand bonheur : La Cantatrice Chauve…
La Compagnie Les Polycandres nous livre une Cantatrice Chauve au rythme échevelé, interprété excellemment. Dès le début, le ton est donné. Loin de toute réalité, de toute vraisemblance, les comédiennes et comédiens entraînent un public complice et joyeux dans un univers déjanté, où démesure et folie se conjuguent avec une ambiance surréaliste assumée, revendiquée.

Porté par des comédiens intenses, mené tambour battant, rythmé tout du long par « l’instigateur » (Laurent Grima merveilleusement rigide et féroce à la fois), accueillis par la « bonne » (Johanna Guttierrez sexy et totalement allumée), nous retrouvons M. Smith, (Formidable et incisif Mathieu Dallongeville) et Mme Smith, (Clara Leduc remarquable et désopilante) dans leur salon, qui ont invité à dîner M. Martin (terriblement anglais et insensé) et Mme Martin (Charlotte Lequesne, magique dans son exagération malicieuse survoltée). Survient le capitaine des pompiers (Sylvain Fougères, cintré à souhait). Chacun rivalise d’absurdité. Les propos s’enchaînent. À la fin, les deux couples, retombés en enfance, se disputent en prononçant des sons incompréhensibles. Voilà, dit Ionesco du « théâtre abstrait et c’est effectivement une « anti-pièce », s’opposant à toutes les traditions dramatiques répertoriées.

S’emparant de ce texte avec une minutie extrême, Caroline Raux nous offre une mise en scène débordante d’imagination et totalement décalée qui permet d’autant plus au texte de nous parvenir puissamment et de nous faire toucher la vanité et l’inanité de la vie de ces personnages interchangeables.
Un spectacle où des fous rires s’emparent de nous par instant grâce aux non-situations de ces non-personnages interprétés magnifiquement et mis en scène excellemment. Un pur moment de régal !

La Cantatrice Chauve par la Compagnie les Polycandres à 19h35 à l’Archipel Théâtre les 16 et 23 juillet 2019

L’Archipel, 25, bis rue du Rempart de l’Oulle , 84000 – Avignon

Avec Johanna Guttierrez, Clara Leduc, Charlotte Lequesne, Mathieu Dallongeville, Laurent Grima, Florian Lemay

MS : Caroline Raux

T. Volia

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Que veulent dirent ces quatre lettres, ce nouveau sigle ? C’est simple, c’est comme cela que l’on nous a décrit la Crise avec un grand C, celle qui nous secoua en 2008 et qui n’en finit pas de nous traverser. T.I.N.A. : There Is No Alternative…

Trois hommes, trois acteurs extraordinaires vont nous retracer avec force, intelligence et humour l’histoire de cette crise… Partant du début, le Rêve Américain, ils vont nous faire revivre en incarnant multiples personnages ce moment incroyable qui mît à terre tant de pays !

Dans les années 80, il y avait pour les banquiers deux sortes de personnes : les Primes et les Subprimes. On prêtait aux Primes mais pas aux Subprimes dont les salaires étaient ridiculement bas. Dans les années 80, le mot­ clé était Prudence ! Le Subprime est dans le spectacle Monsieur Paramo (et non Parano). A travers son histoire, nous allons comprendre tous les tenants et aboutissants qui menèrent à l’effondrement de divers pays, notamment celui de la Grèce, et de bien d’autres encore…

Déroulant le récit de main de maître, ils nous font assister à la naissance de la « Destruction Créatrice : t’as rien mais on te prête quand même ! », au prêt qui devient dans la bouche des courtiers un investissement pour ceux qui n’ont rien, tout cela pour sauver un système sur le point de s’auto­détruire.

En découvrant les méandres de la finance, du marché, on découvre comment ils eurent l’idée ingénieuse de faire des prêts au Subprimes, de regrouper ces prêts pour les revendre, de convaincre l’Agence de Notation de leur mettre les fameux trois AAA pour leur idée de « génie », comment ce système tel une bombe à retardement explosa en vol, comment les banques réussirent à convaincre les Etats de les sauver de la banqueroute et comment cela se retourna contre ces mêmes Etats…

Ce spectacle en voulant défendre un point de vue politique à travers un média artistique fait un pari osé : nous faire prendre conscience qu’il est indispensable de comprendre ce que notre société traverse et pourquoi cela arrive. Et ça marche… Grâce à une mise en scène simple et ingénieuse, grâce à la truculente, fine et féroce interprétation des comédiens, nous passons du rire à l’indignation, de l’interrogation à la compréhension, de l’abattement à la rage…

Quand nous sortons de cette pièce, nous nous sentons enrichis, grandis d’avoir compris cette crise qui nous ravagea et laissa sur le carreau tant de petites gens à qui on fit croire que l’inaccessible rêve était enfin à leur portée !..

A voir et revoir sans modération…

T.Volia

Texte de Simon Grangeat avec le soutien dramaturgique de Sébastien Valignat

Mise en scène Sébastien Valignat

Assistante mise en scène Marijke Bedleem

Avec Stéphane Daublain (en alternance), Tommy Luminet, Guillaume Motte (en alternance) et Sébastien Valignat.

Scénographie Amandine Fonfrède

Lumière Gilles Ribes

Régie Lumières Xavier Ferreira de Lima

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Il y a des spectacles qui nous transpercent le cœur en douceur, qui nous emmènent dans un monde ignoré à coups de griffes, à coups d’amour et d’humour… Ce sont des bijoux de finesse où la tendresse n’a d’égale que la cruauté de cette vie pour des êtres oubliés.

« Un jour où l’autre » nous entraîne dans deux mondes dont la connexion ne se dévoile qu’à la toute fin : Il y a d’abord l’univers de Bill et Berta, couple de déficients mentaux vivant dans un logement social, au cœur d’une cité brutale, où tout imprévu les effraie, particulièrement Berta. Leur seul lien avec l’extérieur, c’est la nièce de Bill qui vient les voir une après­-midi par semaine, et pour laquelle ils déroulent un rituel toujours semblable. Mais ce jour là, le grain de sable qui enraye le bon déroulement du rituel est le pain de mie : il n’y en a plus.

Avec un style particulièrement épuré, passant par des touches d’humour et de sarcasme, les deux personnages se chamaillent avec tendresse, se raillent avec amour, boudent avec délectation pour décider si oui ou non, il faut aller en acheter. Lui Bill (Magnifique et touchant André le Hir) joue au capitaine et sous les yeux de sa Dulcinée se sent l’homme Fort. Berta, (exceptionnelle et merveilleuse Line Wiblée), plus fragile, tantôt ingénue et tantôt roublarde, égrène sous nos yeux tous les états de la femme de façon douce et directe, pour garder son homme à la maison.

Dans le second univers d’ « Un jour à l’autre », nous rencontrons Dave et Jackie, dans un café de l’autre côte de la même ville. Lui (formidable, bourru et sensible Eric Herson-­Macarel) est patron de ce café et elle serveuse (belle, distante et émouvante Sarah Vermande), sèche jusqu’à la rudesse, elle égratigne cet homme qui voudrait la séduire. De façon abrupte, elle refuse ses avances… Ces deux êtres tristes et solitaires, sous prétexte d’une bonne nouvelle qu’il lui transmet, vont pour la première fois boire ensemble et à pas hésitants mais sans fioriture, se livrer l’un à l’autre.

L’autrice, Linda MCLean, de son écriture tranchante, simple et brillante met à nu toutes les affres des démunis et tous leurs impossibles rêves, rêves si simples qu’ils nous vont droit au cœur, nous le tordent et le distordent. Dans une mise en scène délicate, originale et inventive de Blandine Pélissier, ces quatre êtres par petites touches d’émotion nous chavirent, nous faisant passer du rire aux larmes sans jamais tomber dans le pathos. Toutes les répliques font mouche, les mots volent et atteignent à chaque fois leur but, les comédiens intenses ne nous laissent aucun répit. Leurs regards s’échappent pour mieux se trouver, leurs corps se frôlent pour mieux se rejeter. Les lumières, la vidéo et l’univers sonore soulignent sans appuyer ce monde des « petits sans importance » et apportent une dimension s’approchant de la tragédie. L’effet est saisissant.

Il ne faut manquer ce spectacle sous aucun prétexte !

T.Volia

De Linda Mclean,

Traduction : Sarah Vermande, Blandine Pélissier

Mise en scène : Blandine Pélissier

Avec : André Le Hir, Line Wiblé, Eric Herson-Macarel, Sarah Vermande

Assistanat mise en scène : Behi Djanati Ataï

Scénographie, Costumes : So Beau­Blache

Création Lumière : Xavier Duthu, Véra Martins

Création Sonore : Phil Reptil

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Attention ! Expérience étonnante, expérience sensorielle ! C’est l’histoire d’une création théâtrale où notre imaginaire surpasse l’image, où notre écoute remplace notre regard…. C’est un spectacle joué dans le noir absolu : passionnant…

« Ca va, maman ? » est l’histoire vraie de Trévor, gamin de 9 ans vivant seul avec sa jeune maman dans une modeste maison isolée de banlieue américaine. Alors qu’il revient d’un week­end de camping en forêt avec la famille d’un copain, sa maman ne vient pas l’accueillir à l’entrée de la maison…

Créée en 2010 à Milan puis à Londres, Armand Eloi le metteur ­en ­scène s’est emparé de cette pièce et nous embarque avec force et subtilité dans un spectacle noir, dans les deux sens du terme. Nous devenons les témoins aveugles du drame qui se joue sur scène, car c’est bien de jeu qu’il s’agit. Les comédiens que nous ne voyons pas jouent de toute leur âme. Et la tension qui les habite se glisse en nous sournoisement, nous entraînant dans une suffocation de plus en plus angoissée.

Très vite, nous nous habituons à ce noir dans lequel on nous plonge, nos yeux acceptent de plus chercher à voir… Nous entrons dans le voyage et il est puissant. Et quand il ne reste plus que la parole de l’enfant, la peur se plante en nous et ne nous laisse plus aucun répit. L’obscurité nous permet de faire corps avec Trévor.

Et c’est là où réside la force du travail d’Armand Eloi. Il n’y a plus de quatrième mur, il n’y a plus aucun mur, nous appartenons à la maison ! La spatialisation sonore extrêmement bien conçue nous donne l’impression de manipuler les objets avec les habitants, nous nous déplaçons avec eux, nous respirons, espérons et souffrons au même rythme qu’eux, nous sommes eux.

Et quand les lumières se rallument, nous découvrons avec surprise les comédiens qui ne ressemblent absolument pas aux personnages auxquels, pendant une heure, nous nous sommes identifiés !…

C’est beau la force de l’imagination…

A ne pas manquer !..

T.Volia

De Gloria Mina

Traduction et mise en scène : Armand Eloi

Avec Lucille Bourdonnat, Flor Lurienne, Sébastien Rajon et avec la voix d'Yveline Hamon

Création sonore:Jordan Allard

Création Vidéo : Timo Hateau

Scénographie : Jean-Baptiste Manessier

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Qu’elle est longue cette nuit dans un hôpital à attendre le départ de la mère qui vous a adopté, choyé, aimé, sauvé !

Ils sont quatre, quatre orphelins issus de culture et de religions de pays différents. Tekitoi n’a jamais déserté. Il est resté auprès de cette mère adoptive et aimante. Après une dizaine d’années de séparation, pour cette dernière nuit, il a convoqué les trois autres : Sara, Samir et Pierrot.

Les retrouvailles commencent dans la gène, la colère, les reproches. Tout doucement, leur enfance cassée, ravagée par des événements insupportables se révèlent à nous. Comment se redresser quand le poids mis sur nos épaules est l’abandon, la mort, le génocide ? Ces quatre là seront sauvés par un couple, magnifique d’humanité, qui leur offrira un foyer et de l’amour à l’infini. S’accepter pour ces quatre là est un long cheminement vers la tolérance, leur rencontre forcée et improbable est brutale. Au fil de la pièce, chacun d’entre eux dévoile ses angoisses, ses faiblesses, ses impossibilités. Mais la présence des autres leur a donné la possibilité de retrouver une véritable enfance et même une adolescence normale avec ses révoltes et ses espoirs.

S’appuyant les uns sur les autres, guidés par ces parents aimants, ils sont devenus adultes, et trois sont partis pour vivre leur vie, sans plus jamais regarder derrière eux. Cette nuit là, ces trois là se sentent coupables mais ce sont quatre jeunes adultes qui se testent, se détestent, finissent par s’avouer leurs manques et laisser libre cours à l’amour profond qu’ils ont les uns pour les autres.

Quel texte magnifique, touchant, drôle, émouvant. Les répliques s’enchaînent rapidement et toutes nous touchent, que ce soit dans les rires ou dans les larmes.

La mise en scène, par des effets de flashback, est belle dans sa simplicité et sa justesse. Elle nous troue le cœur, ne se permet aucune facilité. Elle jongle avec très peu d’éléments de décors et des lumières qui soulignent l’intensité du jeu des comédiens, tous lumineux, fragiles et forts à la fois…

Exceptionnels ces quatre comédiens ! Leurs émotions à fleur de peau nous entraînent dans les affres de leurs peurs mêlées à leur désir viscéral de survie.

Car c’est bien de survie que ce spectacle nous parle, et par là-­même de résilience. Et c’est beau de voir ces quatre êtres se battre et se débattre avec leurs propres démons et faire le choix de s’en débarrasser pour vivre tout simplement…

A voir et revoir sans hésiter…

T.Volia

de Michèle Laurence

mise en scène Laurent Natrella, Sociétaire de la Comédie Française

Avec Maxime Bailleul, Olivier Dote Doevi, Slimane Kacioui, Elodie Menant

Au Théâtre des Corps Saints à 12H20 (1H20)

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Voyage inoubliable entre Paris et Buenos Aires, entre l’Antiquité et Aujourd’hui, entre fanatisme religieux et baroque !

Sur le plateau, les couleurs sont rouges et noires, couleurs du deuil et de la colère, couleurs du tango, couleurs de trois destins de femmes brisées racontés dans un roman à succès « la femme rejetée » d’Aline Gardel, point de départ du spectacle.

Aline Gardel, journaliste et autrice, est interviewée dans un studio de radio à Paris par une animatrice, joyeuse et très excitée et des auditeurs passionnés, sur son récit : 3 femmes rejetées au nom d’un certain fanatisme. Ces trois femmes sont la mystérieuse concubine de Saint-Augustin (IVe siècle après Jésus-Christ) dont on ne sait rien sinon ce qu’il a bien voulu nous dire dans ses « confessions », la mère de Carlos Gardel (début du XXe siècle) fuyant l’Argentine pour la France avec le secret bien gardé de la naissance de son fils naturel, et de Didon (IVe siècle avant Jésus­-Christ), reine de Carthage dont la légende nous dit qu’elle s’est tuée après avoir été délaissée par son amant Enée…

A travers une enquête sur ses propres origines, Aline Gardel (Louise Doutreligne brillante qui est aussi l’autrice de cette pièce) va nous raconter la genèse de « la femme rejetée ». Un jour, elle se retrouve dans une petite librairie à Buenos Aires, tenue par un mystérieux et débonnaire libraire (formidable Jean-­luc Paliès), dans laquelle un lecteur passe ses journées à lire (excellent Alain Guillo) et trouve un livre de la concubine de Saint-­Augustin…

A partir de ce livre, passant par des allers-­retours temporels et spatiaux, l’autrice nous livre l’histoire de ces femmes abandonnées au nom de la supériorité des Idées ; parlant des écrits de Saint­-Augustin, elle évoque le combat entre l’esprit et le désir où au nom de l’esprit, l’homme décide de traiter la femme avec mépris, d’en faire l’objet de tous les désordres… Le temps est aboli : ces destins entrecroisés nous emportent dans un flot d’interrogations sur la place de la femme depuis le début des temps. Et l’histoire de Didon surgit au cours du récit avec l’opéra de Purcell… Chanté de façon exceptionnelle par la belle et charismatique Magali Paliès, elle nous fait entendre la trahison et la douleur de l’abandon.

La mise­ en ­scène, extrêmement inventive, est superbe, vivante et fluide et nous entraîne par instant, grâce à la vidéo dans les dédales de Buenos Aires. Les lumières cisèlent le plateau et nous permettent de passer d’un monde à l’autre sans hésitation.

Certains combats ne finissent jamais. L’écriture fine, acérée et pleine d’humour de Louise Doutreligne traverse nos certitudes, nous confrontant à des évidences acceptées et digérées depuis des siècles. Elle nous permet de prendre la mesure de l’endroit où les femmes sont cantonnées dans l’inconscient collectif. Le premier pas pour comprendre ceci est d’aller voir ce spectacle original et magnifique.

Ne le manquez surtout pas !…

T.Volia

Auteur : Louise Doutreligne

Interprètes : Louise Doutreligne, Jean-­Luc Paliès, Alain Guillo, Magali Paliès

Animatrice Radio : Adira Annan

Metteur en scène : Jean-­Luc Palliès

Scénographie : Luca Jimenez

Costumes : Madeleine Nys

Créations Régie Multimédia : Nicolas Barraud

Assistante Vidéo Multimédia : Nina Cholet

Régie : Mathieu Pontille

Théâtre du Girasole – 19H – 1H20

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