PARTIE EN GRECE      

« Je me suis toujours dit que quand les enfants seraient grands, je le quitterai »

Une femme seule dans sa cuisine parle, parle et parle… à son mur ! Petite femme banale, Solange Rossignol s’est mariée jeune avec Patrick. Il travaille dur. Elle n’a jamais travaillé, a élevé leurs deux enfants. Les enfants ont grandi, sont partis. Patrick travaille dur, encore et toujours et est devenu « l’autre ». Et elle, elle est seule, s’ennuie, fait à manger pour Patrick et rêve de voyager mais ne le fait jamais.

Dans la grisaille de sa vie, il y a sa meilleure amie, MLFienne convaincue mais peu convaincante, qui lui offre de l’accompagner en Grèce, tous frais payés. Pour Solange commence la valse des hésitations : ira, ira pas !

Mais arrive le jour où une décision s’impose à elle !

C’est une belle poésie qui émane de cette femme populaire, terrifiée à l’idée de franchir ce pas qui risque de bouleverser sa vie, cette vie routinière qui l’enferme dans la petite musique du rien quotidien, alors qu’elle est parfaitement consciente qu’il y a tellement plus en elle. Mais elle a tellement peur de ce vide qu’elle pourrait trouver derrière ce mur !

C’est ainsi que Solange (formidable et touchante Valérie Mairesse), dévide son histoire, dévoilant à petites touches les êtres qui peuplent sa vie, les manques qui la grignotent, ses rêves d’évasion, les peurs qui l’empêchent de franchir son mur.

La mise-en scène est simple, comme l’histoire de cette femme et permet à Valérie Mairesse de nous entraîner tout en douceur et en sourires au cœur de ses tristesses, de ses joies et de ses émotions.

T.Volia

de Willy Russel

Adaptation C. Marcangeli et MP Osterrieth

M-S Marie Pascale Osterrieth

Avec Valérie Mairesse

Théâtre Actuel à 18H50 Durée 1H20

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DAKH DAUGHTERS BAND – FREAK CABARET     

Décollage immédiat avec l’ovni « Dakh Daughters » pour leur Freak Cabaret.

Dans un univers électrique, où s’entrechoquent rap français, mélodies traditionnelles, rythmes orientaux, sur un fond de tapisserie de l’Est transmis par des images vidéo, elles apparaissent, femmes ukrainiennes dans une blouse verte fermée de haut en bas, femmes outrancières aux yeux charbonneux au-delà du charbon, aux visages très beaux de clown blanc, aux lèvres rouges baisers; chacune a son instrument, chacune dans une attitude stylisée à l’extrême, elles apparaissent… et déjà nous sentons nos sièges trembler sous nous !

Musique : les instruments menés de mains de maîtresse se réveillent et une voix très pure s’élève, sensation de l’âme ukrainienne qui s’exhale à travers ce chant populaire des Carpates, et subitement sans préavis, une autre voix la coupe et chante un rap français, et puis nous voilà à Miami, sur un air de rumba, oubliant d’aller à Cuba…

Les blouses vertes tombent et dans des robes blanches et noires, ces femmes nous apparaissent dans toute leur splendeur. Les vidéos multiplient les images de plus en plus rapidement; les décibels grimpent, elles chantent ce monde où la beauté et le mal se côtoient; elles chantent l’absurdité de l’homme et son besoin de destruction. Nous sommes enivrés, électrisés, aspirés par leurs voix, leurs rythmes qui passent de la lenteur à une extrême rapidité puis de nouveau à une lenteur sensuelle. Leurs voix, toutes différentes, sont envoûtantes, leurs musiques puissantes à l’image de ce qu’elles sont, punk et fragiles, trash et politiques, belles et rebelles, elles sont… femmes, magiciennes-musiciennes-chanteuses-comédiennes.

Leur chant est un cri pour nous réveiller. Shaker frénétique, elles nous secouent dans tous les sens, et nos sens éblouis en redemandent. Chantez, chantez pour nous les endormis, secouez notre ennui, réveillez nos consciences endormies, réveillez notre rage, notre soif de justice, rendez-nous à la vie…

A la fin de ce concert éblouissant, dans un même mouvement, nous nous levons et nous leur faisons une « standing ovation ».

Etourdis, nous sortons et cette nuit, les étoiles nous semblent plus brillantes. Merci à vous les Dakh Daughters de ce voyage hypnotique dans lequel vous nous avez fait voler.

A voir et revoir et revoir encore sans modération !

5 étoiles mais cela pourrait être 18 étoiles et plus encore

Dakh Daughters Band Freak Cabaret

Textes Iosip Brodski, Charles Bukowski, William Shakespeare, Taras Chevtchenko, Alexandre Vedensky et des chants collectés dans des villages des Carpates.

M-S Vlad Troitskyi

avec Nina Harenetska, Ruslana Khazipova, Tania Havrylyuk, Solonia Melnyk, Anna Nikitina et Zo

Du 13 au 18 juillet

Théâtre du Chêne Noir

23H23 (1H)

et

Du 20 au 25 juillet

A La Manufacture

19H30 (1H)

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MALIGNE     

« L’hypocondrie est quand même la seule maladie que l’hypocondriaque n’a pas » !

Noémie est sur scène. Longue, fine, ravissante, elle nous parle et dès les premières secondes, le rire s’empare de nous. Noémie nous raconte sa joie de vivre, ses copines, ses amants, sa mère, et son hypocondrie, et de nouveau ses copines qui se moquent d’elle et de son hypocondrie. Et c’est dans ce joyeux fatras que, tel un coup de tonnerre, nous apprenons avec Noémie l’apparition d’une tumeur logée malencontreusement dans son sein.

Etape par étape, nous vivons l’aventure du cancer de Noémie, qui s’inscrit en nous, grignotant nos défenses en même temps que les siennes, mais pas que !… Car ce n’est pas uniquement de sa maladie dont elle nous parle, mais bien de la vie, non pas avec un grand V, non… non, juste de sa vie à elle, qui d’une seconde à l’autre se retrouve plongée dans un monde inconnu jusque là, celui des hôpitaux et des médecins.

Il n’y a pas de grande cause à défendre, il y a une bataille à mener et elle est ardue, lourde, angoissante, perpétuellement parsemée de « Et si… » et de « Pourquoi moi » ? Et bien sûr, une peur sournoise s’infiltre en nous…

Mais une fée merveilleuse a dû se pencher sur le berceau de Noémie et lui offrir ce don magique qu’on nomme l’humour et Noémie a su en profiter ! Car nous rions, pendant tout ce spectacle si simple, si beau, où chaque mot fait mouche, où chaque nouvelle, bonne ou mauvaise qu’on lui annonce, rebondit en nous, passe de notre cerveau à notre cœur, parfois fait un détour par notre estomac et s’y dépose, le rendant lourd comme une pierre, puis repart, parvient à nos yeux, y fait perler des larmes, mais toujours par une pirouette dont Noémie a le secret merci cette merveilleuse fée) un trait d’humour surgit, l’éclat de rire explose, nous surprenant nous-même…

Ce spectacle est un grand moment ! La mise-en-scène est à la fois simple et pleine d’inventivité…
Grâce aux voix enregistrées, une galerie de personnages défilent auxquels Noémie répond, sur lesquels elle se répand, s’énerve, et parfois s’écroule pour mieux se relever, car comme elle le dit elle-même : « Ce n’est qu’un petit cancer, on ne va pas se laisser aller »… Non, on ne se laisse pas aller !

Il y a plusieurs mots pour caractériser ce spectacle : dignité, beauté, émotion, rires, sourires et soupirs… Noémie nous oblige par sa grâce joyeuse à rentrer nos sanglots au plus profond de nous-même pour mieux faire un pied de nez à la figure de cette malignité.

Un spectacle à ne surtout pas manquer !

T.Volia

M-S Morgan Perez

Avec Noémie Caillault

Et les voix de Jeanne Arènes, Romane Bohringer, François Morel, Olivier Saladin et Dominique Valladié.

Théâtre des Béliers, salle 2, à 16H50. Durée 1H10

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TANT QU’IL Y A LES MAINS DES HOMMES     

Sur scène, des cubes de diverses tailles et cinq comédiennes et comédiens, immobiles, chacun avec son cube sauf l’un d’entre eux. Lui, il représente l’électron libre, celui qui voyage pour voyager, celui pour qui les frontières ne veulent rien dire et pour qui rencontrer les autres est la priorité de sa vie.

Dansce spectacle, la mise ­en ­scène est simple et directe. Un geste et toute la solitude d’un personnage nous apparaît; une grille est tirée et l’enfermement d’un autre personnage nous saute aux yeux.

A travers ces textes (et quels textes splendides…), nous parcourons le monde et ses différences, nous respirons la tolérance, nous suivons ces personnages en proie à des angoisses, qui pour certains les paralysent au point de ne plus réussir à vraiment vivre et qui pour d’autres sont leur moteur, les obligeant à toujours se questionner et par cela ­même à avancer.

Les cinq comédiens sont bouleversants de vérité, ils nous entraînent dans l’univers de leur vie, nous font appréhender les peurs qui les hantent mais aussi leurs batailles pour dénouer les liens invisibles qui les empêchent de se trouver et d’aller vers l’autre. Et l’impossibilité viscérale d’être enfermé dans une seule image. « Je » est multiple et c’est bien de ça que traite ce spectacle, le refus de l’étiquette que l’homme colle à l’homme pour se rassurer.

Sur des moments de musique classique, textes et chorégraphies nous livrent la question obsédante et très ancienne du « qui suis­je », de ces êtres parfois paumés. La réponse ne nous est certes pas délivrée mais nous sortons de ce spectacle légers et prêts à aimer définitivement la vie.

T.Volia

D’après les texte de : T. Ben Jelloun, C. Bobin, R. Gary, N. Huston, A. Maalouf, T. Monod, P. Neruda, L. Sebbar, V. Arsac.

M­S : Violaine Arsac

Chorégraphies : Olivier Bénard

Avec Olivier Bénard, Aliocha Itovich, Slimane Kacioui, Nadège Perrier & Violaine Arsac.

Théâtre La Luna à 12H45, durée 1H20

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LIVRET DE FAMILLE     

Au milieu de la nuit, Jerôme se rend chez Marc, son frère aîné. Il est sans nouvelles de leur mère depuis plusieurs jours.

Danscette pièce, Eric Rouquette fait de nous les voisins indiscrets de Marc qui sans le vouloir assisteraient à une discussion familiale enflammée au milieu d’une chaude nuit d’été dont une partie se déroule sur un le toit de l’immeuble face à nous.

Pourquoi écoutons-nous cette conversation?  En quoi sommes-nous concernés par ses échanges parfois violents ? C’est toute la force de la pièce. D’un sujet à priori banal, les acteurs (remarquables Christophe de Mareuil et Guillaume Destrem) font un spectacle émouvant. Poignant par l’authenticité des émotions, des dialogues, des situations. Ainsi le sujet n’est plus banal, il est universel. C’est celui de « Dom Juan » de Molière ou d’ « Un air de famille » de Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui.

Quand Marc nous rappelle que le drame de chacun est d’être (ou de ne pas être) conforme au projet d’une mère ou d’un père, chaque spectateur songe naturellement à sa propre histoire, à celle de ses parents, de ses frères et sœurs ou de ses propres enfants. Quand il affirme qu’être vraiment adulte, c’est s’affranchir de ce regard, ne plus en souffrir ou simplement le vivre bien quelque soit son chemin, on se dit que rares sont ceux qui y parviennent vraiment malgré tous les discours de façade ou d’auto-conviction.

Une mise en scène sobre et efficace dans un décor de cinéma qui renforce encore la sensation de se trouver dans l’immeuble d’en face. Un bon moment de théâtre qui nourrira les discussions après le spectacle autour d’un dernier verre place Pie ou place des Carmes à « la fraîche ».

Nicolas Cormyr

De Eric Rouquette

Interprète(s) : Christophe de Mareuil, Guillaume Destrem
Mise en scène : Eric Rouquette
Lumières : Arnaud Dauga
Décor : Olivier Hébert
Régie générale : Pierre Gayant
Régie plateau : Juliette Léonard
Chargée de production : Lucile Hortala
Création graphique : Marie-Hélène Guérin
Diffusion : Atelier Théâtre Actuel

Théâtre La Luna à 21H05 – 1H15

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A PLATE COUTURES !  Inspiré des ex-ouvrières de Lejaby     

Dans le noir, une voix de femme s’élève. Elle nous conte son histoire de… Princesse ! Surprise ! Je pensais être venue voir un spectacle sur des ouvrières, sur leur combat au sein de l’usine Lejaby, me serai-je trompée de salle ? Puis, dans des touches de lumière, nous apparaissent quatre femmes en soutien-gorge, prenant diverses poses. Lejaby, c’était les sous-vêtements donc je dois être au bon endroit ! Le plateau s’éclaire et nous apparaissent quatre femmes assises à quatre tables en train de coudre, sans machine à coudre, sans tissu et sans fil, et pourtant nous voyons tout, non, nous vivons tout à travers elles et avec elles.

Et c’est ça la force de ce spectacle exceptionnel qui nous embarque dans la bataille des ouvrières de l’usine Lejaby… C’est de nous raconter aussi bien les histoires individuelles de ces femmes, à travers des récits, parfois chantés, parfois dansés, que l’histoire de la lutte commune qui les a réunies. Nous partageons leur rage, leurs doutes, leurs joies à chaque petite victoire et leur découragement à chaque défaite. Pendant 1 heure et 20 minutes, grâce à une mise-en-scène inventive et fine, pleine de joie et de tendresse, nous rions, nous nous émouvons et nous plongeons par petites touches oniriques dans les rêves et les peurs de chacune de ces femmes…

Et qu’elles sont belles… Et qu’elles sont fortes ces femmes, plantées dans une réalité difficile, défiant un monde indifférent à leur vie, refusant une société qui écrase l’humain, qui voudrait les enterrer, elles et leur vie de travailleuse, elles et leur fierté du travail bien fait, elles et leurs devenirs…

Carole Thibaut a collecté la parole des ouvrières de l’usine Lejaby pendant et après leur lutte, et comme toute grande autrice, partant de cette parole, elle en a écrit un spectacle très personnel, où l’intime se mêle au public pour mieux nous bouleverser.

Porté puissamment par quatre comédiennes magnifiques et un musicien-comédien formidable, nous pénétrons dans ce spectacle avec le sourire aux lèvres et finissons en larme et en armes. L’histoire nous le prouve une fois de plus : il ne faut jamais baisser les bras, il faut s’unir et se battre et refuser de se laisser éradiquer par une société de plus en plus portée et emportée par le « gagner plus » !…

A voir urgemment !

T.Volia

De Carole Thibaut

M-S Claudine Van Beneden

Avec Angeline Bouille, Barbara Galtier, Chantal Péninon, Claudine Van Beneden et Simon Chomel.

Théâtre du Roi René à 12H. Durée 1H20

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LA COLÈRE DE DOM JUAN     

« Pourquoi ne pas me reconnaître et m’aimer comme je suis ! » Ce cri de désespoir lancé par Dom Juan (magnifique Arnaud Denissel) est le leitmotiv qui va le hanter tout au long de la pièce. C’est une blessure infinie qui ne se referme jamais, épine plantée dans son cœur qui l’empêche d’avancer et le pousse à brûler sa vie, excès sur dégoût, rire sur sarcasme, sexe sur rage, haine sur larmes.

Comment vivre quand l’image de soi n’est pas conforme à celle attendue par le Père (redoutable et formidable Laurent Richard), figure déifiée, figure repoussée mais toujours présente aux confins de l’inconscient de Dom Juan. Car c’est d’inconscient dont nous parle le metteur-en-scène Christophe Luthringer, inconscient si griffé, si tordu d’attentes, si troué de vides, qu’arrive le moment où un choix s’impose : détruire en se détruisant, ou détruire en se construisant.

A travers une adaptation qui tisse habilement le texte de Molière à des textes d’auteurs contemporains, dont certains de Christophe Luthringer, à travers une mise-en-scène étonnante qui mêle tango argentin, chansons des Doors, Queen, Rage Against the Machine, à travers des vidéos, Christophe Luthringer nous emmène dans les méandres de ce désespoir qui se dilue dans de vaines révoltes, dans de la séduction à outrance, dans du sexe effréné, et pousse Dom Juan et tous ceux qui l’accompagnent dans leurs retranchements. Chaque moment de ce spectacle nous uppercute, nous brutalise, et nous questionne ? Pourquoi faire un enfant ? Pour qu’il soit juste la continuité de nous-mêmes ou pour qu’il soit lui-même envers et peut-être contre nous ?

A la colère de Dom Juan s’oppose la légèreté de Sganarelle, interprété par Gilles-Vincent Kapps qui nous fait jubiler à chacune de ses apparitions, que ce soit comme comédien ou comme musicien jouant de la guitare électrique.

Au besoin de séduction de Dom Juan s’oppose Jérémy Braitbart, comédien et danseur superbe dans un tango flamboyant.

Et puis, il y a les femmes, figures filantes et éclairantes de la vie de Dom Juan. Dona Elvire, (Françoise Cadol impressionnante), la femme sacrifiée et sacrificielle et Vanessa Caillhol qui à chacune de ses apparitions, quand elle danse le tango, quand elle chante un chant de l’est ou quand elle joue la femme mystère nous fait vibrer.

Les comédiens sont tellement justes et si entiers, tour à tour danseurs, chanteurs, acteurs. Ils empoignent leurs rôles à bras-le-corps et ne les lâchent jamais.

Ce spectacle est drôle, tragique, philosophique : incontournable.

A voir absolument.

T.Volia

d’après Molière, adaptation Christophe Luthringer

M-S de Christophe Luthringer

Avec : Arnaud Denissel, Françoise Cadol, Gilles-Vincent Kapps, Vanessa Cailhol, Laurent Richard,

Jérémy Braitbart.

Assistante : Bérengère de Pommerol

Lumières : Maurice Fouilhé

Scénographe : Charlotte Villermet

Chorégraphe : Claire Faurot, Jérémy Braitbart

Costumes : Alice Touvet

Vidéo : Christian Boustani, Maxime Trévisiol

Son : Franck Gervais

Régie : Thierry Alexandre, Mathieu Poupin

Théâtre Girasole 17H25. Durée 1H20

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ET PENDANT CE TEMPS SIMONE VEILLE !    

Raconter 60 ans de lutte des femmes et des hommes pour l’égalité et la liberté des femmes dans notre beau pays et rendre hommage à Simone Veil. Voilà un sujet qu’Arte ou Public Sénat auraient très probablement pu traiter.

Heureusement c’est Trinidad, Agnès Bove, Serena Reinaldi et Fabienne Chaudat qui s’y sont collées. Et le résultat est simplement formidable. Comment un spectacle peut-il être aussi intelligent, hilarant, savant, perspicace, léger, puissant, éducatif, émouvant, politique, juste, mobilisateur, premier degré, second degré, troisième degré… ?

D’abord, il y a l’écriture de Trinidad : percutante et ciselée. Un gant de boxe pour un combat de rires. Le premier qui tombe KO de rire a perdu. Mais ce rire n’est pas gratuit, il est juste toujours, aussi bien au-dessus qu’en dessous de la ceinture. C’est un rire de combat.

Et puis il y a la mise en scène : simple, efficace, visuelle. Les écueils d’une narration chronologique sont négociés avec adresse telle une Florence Artaud ou une Ellen Mc Arthur dans la route du Rhum. C’est la part féminine et maritime de Gil Galliot. Même brefs, les encarts en image sont indispensables pour saisir les époques, pour remettre les compteurs à zéro et comprendre d’où l’on vient. Aucun des artéfacts sur le plateau n’est inutile, intello-conceptuel, symbolico-masturbatoire.

Les chansons interprétées à quatre voix sont des histoires à part entière. On voudrait les apprendre par cœur pour les chanter dans les manifs contre le vent de crétinisme qui souffle depuis quelque temps sur le monde.

Enfin les comédiennes : quel régal ! Qui ne voudrait être le compagnon ou la compagne (même s’il faut descendre les poubelles), le frère ou le père de chacun de leurs personnages; elles sont justes, intelligentes, belles, drôles, sexy, complices, engagées, dégagées, enfin des super nanas quoi !

A voir absolument et en urgence !!!

Nicolas Cormyr.

 Le spectacle se jouera à Paris au Studio Hébertot à partir du 27 novembre.

http://www.studiohebertot.com/#!et-pendant-ce-temps-simone-veille/c6nx

Interprète(s) : Trinidad, Agnès Bove, Serena Reinaldi, Fabienne Chaudat

Mise en scène : Gil Galliot

Direction musicale : Pascal Lafa

Scénographie : J.Y. Perruchon

Costumes : Sarah Colas

Régie : Mélanie Wojylac

durée : 1h15

COLLÈGE DE LA SALLE Théâtre du Préau

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J’APPELLE MES FRÈRES     

« Que faire quand le vent souffle » ? Résister au risque de casser, ou plier pour mieux se relever…

Ambiguïté est le maître mot de ce spectacle.

Une journée particulière qui commence par l’explosion d’une voiture piégée en plein centre de Stockholm. A partir de cet événement qui traumatise toute la ville et ses habitants, nous traversons dans un rythme tantôt bouillonnant, tantôt ralenti à l’extrême, à la descente aux enfers d’Amok, fantastique Aurélien Pawloff, fils de l’immigration et jeune étudiant à polytechnique.

Avec une précision implacable, la metteur-en-scène, Mélanie Charvy, orchestre la paranoïa galopante du héros pendant les 24 Heures qui suivent cet attentat. Dans une course-suicide, rythmée par des conversations au téléphone, des filatures, des rencontres imprévues, Amok traque ses souvenirs, dévoilant un personnage de plus en plus torturé, pour lequel son entourage s’angoisse profondément, au point de supposer qu’il pourrait être l’auteur de cet attentat… Mais où s’arrête la réalité et où commence le fantasme ?

La force de cette pièce réside tout d’abord dans son écriture, tout en questionnement et jamais en certitude, ensuite dans une mise-en-scène superbe, qui traduit habilement l’ambiguïté du propos, nous emmenant dans une spirale de plus en plus enfermante, trouée par des vidéos qui accentuent nos doutes. Mais surtout, la force de cette pièce tient aux quatre comédiens, extraordinaires.

Ils sont jeunes, ils sont rayonnants, ils nous font traverser avec une maîtrise étonnante tous les sentiments complexes qui les habitent, ils nous trimbalent entre rire et anxiété et nous nous laissons faire avec bonheur…

Quelle magnifique surprise de découvrir ce spectacle, car cette jeune compagnie « Les Entichés » a du culot, (et comme elle a raison !), de s’attaquer à un sujet pareil, dans une période complexe

comme la notre, car attention « sujet sensible » traité avec virulence, tendresse, rage et désespoir. Et

nous plongeons, la tête la première dans cette histoire trouble dont nous ne ressortons pas indemnes.

A voir absolument

T.Volia

de Jonas Hassen Khemiri, traduit par Marianne Ségol-Samoy

M-S Mélanie Charvy

Avec Aurélien Pawloff, Paul-Antoine Veillon, Yasmine Boujjat et Millie Duyé.

Assistante M-S Clémentine Lamothe

Création Lumières Tanguy Gauchet

Création Costumes Aurore Bourgois Demachy

Théâtre des Barriques. à 18H30. Durée 1H15

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Chanter puis se taire – Schumann au crépuscule     

L’histoire peu connue de Clara et Robert Schumann éclairée par le regard onirique de Günther Leschnik.

Les couples géniaux sont souvent et bien légitimement des sujets dramatiques passionnants : Clara et Robert comme Auguste(Rodin) et Camille(Claudel) en font partie. Ici, comme depuis trop longtemps dans l’histoire, la lumière posthume de l’homme efface le génie au moins égal de la femme. Ce spectacle met en lumière combien ces femmes sont victimes des mœurs de leur temps mais aussi de leur profond amour pour leur compagnon de création et de vie.

Clara Schumann (incarnée formidablement par Chantal Desrues ) est une compositrice virtuose qui interprète brillamment ses œuvres, celle de son mari et de ses contemporains. Pourtant elle est déchirée entre la soumission à l’injonction de ces derniers (Brahms, Listz, Brendel) qui lui prédisent une carrière extraordinaire et sa fidélité à Robert (remarquable Stéphane Gallet) qui chemine jusqu’aux portes de l’enfer, cet enfer où l’âme brûle avant même la mort : la folie.

Dans une mise en scène sobre, sombre et gothique comme un lieder de Schumann, Günter Leschnik nous propose une rêverie philosophique où la question du rôle de l’artiste est soulevée : Est-il créateur à l’égal des dieux ou bien doit-il se conformer aux attentes, aux exigences de son public, de son talent, de sa virtuosité ? Cette question sonne singulièrement juste à Avignon où le dilemme classique de tous les créateurs est posé chaque année : quel dosage alchimique entre le génie créatif et la réponse aux attentes de ses spectateurs ? Crée-t-on pour remplir une salle ou pour proposer une œuvre nouvelle, unique…

Günter Leschnik ne donne pas de réponse mais, en fin observateur et acteur de la création théâtrale depuis longtemps, il continue de s’interroger et de nous interroger.

Un spectacle à voir, indispensable à Avignon.

Nicolas Cormyr

Interprète(s) : Marc Alberto, Thierry Charpiot, Chantal Desrues, Stéphane Gallet, Frédéric-Pascal Stein

Régisseur : Steven Jolivald

Metteur en Scène : Günther Leschnik

Chargée de diffusion : Sophie Millon Texte de Chantal Desrues

Production : Le Théâtre de la Houle et le Théâtre du Corbeau Blanc.

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