Que veulent dirent ces quatre lettres, ce nouveau sigle ? C’est simple, c’est comme cela que l’on nous a décrit la Crise avec un grand C, celle qui nous secoua en 2008 et qui n’en finit pas de nous traverser. T.I.N.A. : There Is No Alternative…

Trois hommes, trois acteurs extraordinaires vont nous retracer avec force, intelligence et humour l’histoire de cette crise… Partant du début, le Rêve Américain, ils vont nous faire revivre en incarnant multiples personnages ce moment incroyable qui mît à terre tant de pays !

Dans les années 80, il y avait pour les banquiers deux sortes de personnes : les Primes et les Subprimes. On prêtait aux Primes mais pas aux Subprimes dont les salaires étaient ridiculement bas. Dans les années 80, le mot­ clé était Prudence ! Le Subprime est dans le spectacle Monsieur Paramo (et non Parano). A travers son histoire, nous allons comprendre tous les tenants et aboutissants qui menèrent à l’effondrement de divers pays, notamment celui de la Grèce, et de bien d’autres encore…

Déroulant le récit de main de maître, ils nous font assister à la naissance de la « Destruction Créatrice : t’as rien mais on te prête quand même ! », au prêt qui devient dans la bouche des courtiers un investissement pour ceux qui n’ont rien, tout cela pour sauver un système sur le point de s’auto­détruire.

En découvrant les méandres de la finance, du marché, on découvre comment ils eurent l’idée ingénieuse de faire des prêts au Subprimes, de regrouper ces prêts pour les revendre, de convaincre l’Agence de Notation de leur mettre les fameux trois AAA pour leur idée de « génie », comment ce système tel une bombe à retardement explosa en vol, comment les banques réussirent à convaincre les Etats de les sauver de la banqueroute et comment cela se retourna contre ces mêmes Etats…

Ce spectacle en voulant défendre un point de vue politique à travers un média artistique fait un pari osé : nous faire prendre conscience qu’il est indispensable de comprendre ce que notre société traverse et pourquoi cela arrive. Et ça marche… Grâce à une mise en scène simple et ingénieuse, grâce à la truculente, fine et féroce interprétation des comédiens, nous passons du rire à l’indignation, de l’interrogation à la compréhension, de l’abattement à la rage…

Quand nous sortons de cette pièce, nous nous sentons enrichis, grandis d’avoir compris cette crise qui nous ravagea et laissa sur le carreau tant de petites gens à qui on fit croire que l’inaccessible rêve était enfin à leur portée !..

A voir et revoir sans modération…

T.Volia

Texte de Simon Grangeat avec le soutien dramaturgique de Sébastien Valignat

Mise en scène Sébastien Valignat

Assistante mise en scène Marijke Bedleem

Avec Stéphane Daublain (en alternance), Tommy Luminet, Guillaume Motte (en alternance) et Sébastien Valignat.

Scénographie Amandine Fonfrède

Lumière Gilles Ribes

Régie Lumières Xavier Ferreira de Lima

Cet article T.I.N.A. – Une Brève Histoire de la Crise au Théâtre des Halles à 21H45 (1H15) est apparu en premier sur Agenda Théâtre.

Connaissez-vous le théâtre de la rue ? Il ne faut pas confondre avec le Théâtre de Rue. C’est une forme de spectacle ou vous êtes à la fois acteur et spectateur, dirigé par deux metteurs en scène-acteurs-gourous-thérapeutes qui vous conduisent à travers les ruelles d’Avignon et les chemins tortueux de l’âme humaine. La promesse : redécouvrir la ville et renouer avec nos congénères citadins pour trouver enfin la sérénité et regarder le monde différemment.

On l’aura compris, nos deux gourous-thérapeutes sont surtout d’excellents acteurs improvisant sans cesse au grès des rencontres fortuites de passants surpris et des réactions des spectateurs en mouvement.

Ce spectacle souvent hilarant et toujours pataphysique (1) , vous apprendra à sautiller en rappant rageusement, à regarder dans les yeux et sans sourciller ni rire votre voisin, à sauver un ex- vendeur de Décathlon désespéré et bien d’autres choses encore si le destin veut que vous croisiez ce jour d’autres pataphysiciens…

Une expérience unique dont on sort joyeux et revigoré.

Nicolas Cormyr

(1) Pour mémoire selon Alfred Jary, la pataphysique incite donc à concevoir des solutions imaginaires en mettant sur le même plan le réel et l’imaginaire. Sans nier les différences, elle se place délibérément à l’extérieur pour observer autrement, ce qui conduit à une désintégration et une reconstruction de la vision du monde qui peut s’avérer très fructueuse pour l’esprit. (Sources : http://expositions.bnf.fr)

Un spectacle de Nicolas Buysse et Fabio Zenoni

Direction d’acteur : Fabrice Murgia

Interprète(s) : Nicolas Buysse et Fabio Zenoni

Création musicale : Maxime Glaude

Scénographie : Ditte Van Brempt

Directrice de production : Agnès Harel

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Il y a des spectacles qui nous transpercent le cœur en douceur, qui nous emmènent dans un monde ignoré à coups de griffes, à coups d’amour et d’humour… Ce sont des bijoux de finesse où la tendresse n’a d’égale que la cruauté de cette vie pour des êtres oubliés.

« Un jour où l’autre » nous entraîne dans deux mondes dont la connexion ne se dévoile qu’à la toute fin : Il y a d’abord l’univers de Bill et Berta, couple de déficients mentaux vivant dans un logement social, au cœur d’une cité brutale, où tout imprévu les effraie, particulièrement Berta. Leur seul lien avec l’extérieur, c’est la nièce de Bill qui vient les voir une après­-midi par semaine, et pour laquelle ils déroulent un rituel toujours semblable. Mais ce jour là, le grain de sable qui enraye le bon déroulement du rituel est le pain de mie : il n’y en a plus.

Avec un style particulièrement épuré, passant par des touches d’humour et de sarcasme, les deux personnages se chamaillent avec tendresse, se raillent avec amour, boudent avec délectation pour décider si oui ou non, il faut aller en acheter. Lui Bill (Magnifique et touchant André le Hir) joue au capitaine et sous les yeux de sa Dulcinée se sent l’homme Fort. Berta, (exceptionnelle et merveilleuse Line Wiblée), plus fragile, tantôt ingénue et tantôt roublarde, égrène sous nos yeux tous les états de la femme de façon douce et directe, pour garder son homme à la maison.

Dans le second univers d’ « Un jour à l’autre », nous rencontrons Dave et Jackie, dans un café de l’autre côte de la même ville. Lui (formidable, bourru et sensible Eric Herson-­Macarel) est patron de ce café et elle serveuse (belle, distante et émouvante Sarah Vermande), sèche jusqu’à la rudesse, elle égratigne cet homme qui voudrait la séduire. De façon abrupte, elle refuse ses avances… Ces deux êtres tristes et solitaires, sous prétexte d’une bonne nouvelle qu’il lui transmet, vont pour la première fois boire ensemble et à pas hésitants mais sans fioriture, se livrer l’un à l’autre.

L’autrice, Linda MCLean, de son écriture tranchante, simple et brillante met à nu toutes les affres des démunis et tous leurs impossibles rêves, rêves si simples qu’ils nous vont droit au cœur, nous le tordent et le distordent. Dans une mise en scène délicate, originale et inventive de Blandine Pélissier, ces quatre êtres par petites touches d’émotion nous chavirent, nous faisant passer du rire aux larmes sans jamais tomber dans le pathos. Toutes les répliques font mouche, les mots volent et atteignent à chaque fois leur but, les comédiens intenses ne nous laissent aucun répit. Leurs regards s’échappent pour mieux se trouver, leurs corps se frôlent pour mieux se rejeter. Les lumières, la vidéo et l’univers sonore soulignent sans appuyer ce monde des « petits sans importance » et apportent une dimension s’approchant de la tragédie. L’effet est saisissant.

Il ne faut manquer ce spectacle sous aucun prétexte !

T.Volia

De Linda Mclean,

Traduction : Sarah Vermande, Blandine Pélissier

Mise en scène : Blandine Pélissier

Avec : André Le Hir, Line Wiblé, Eric Herson-Macarel, Sarah Vermande

Assistanat mise en scène : Behi Djanati Ataï

Scénographie, Costumes : So Beau­Blache

Création Lumière : Xavier Duthu, Véra Martins

Création Sonore : Phil Reptil

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L’atmosphère est lourde ce jour de mai 1942 dans la boutique d’un petit artisan joaillier juif. Joseph Haffmann est un homme avisé, prudent et il est parvenu à préserver sa famille en l’envoyant en Suisse quand les premières lois antisémites ont préfiguré le sort que les collaborateurs et les nazis réservent aux juifs.

Sa décision de proposer à son employé de reprendre la bijouterie Haffmann et Fils et de « disparaître chez lui » caché dans la cave a été murement réfléchie. L’homme porte un regard calme, douloureux mais déterminé sur l’existence de fantôme qu’il s’attend à vivre.

Seulement Pierre Vigneau, employé modèle et homme de confiance, est aussi un opportuniste dans ces temps très troublés. La guerre (ou l’occupation) lui donne l’occasion de réaliser deux grands rêves : être son propre patron (lui qui n’a que son talent comme capital) et devenir enfin père (alors qu’il est stérile) en exigeant de Joseph qu’il fasse un enfant à son épouse.

Le pacte « faustien » est donc conclu. Lequel des deux sacrifiera son âme ou mettra fin à cet insupportable marché?

Celui qui pour survivre accepte un pacte qui fait de lui un mari infidèle et un « bouc reproducteur » en plus d’être « bouc émissaire » ?

Ou bien celui qui « enivré » par sa nouvelle situation devient, grâce au succès de ses créations joaillières, un intime d’Otto Abetz (ambassadeur et pilleur officiel d’œuvres d’art pour le compte du Troisième Reich) et tente d’oublier qu’il a organisé et soutenu cette relation adultérine et qu’il cache dans la cave « l’amant » de sa femme ?

La pièce écrite et mise en scène par Jean-Philippe Daguerre et interprétée par cinq comédiennes et comédiens excellents chacun dans sa partition (Gregori Baquet, Julie Cavanna, Alexandre Bonstein, Franck Desmedt, Charlotte Matzneff), nous interroge sur l’ « Inacceptable». Pas un « Inacceptable » gore ou spectaculaire comme parfois le cinéma se complaît à montrer. Un « Inacceptable » discret et presque généreux mais profondément malsain et destructeur.

La mise en scène est rapide, efficace, presque cinématographique. Le décor est sobre, sombre nous rappelant qu’il y a à peine 75 ans la France était plongée dans des tourments bien plus effroyables que les temps présents.

Un très bon moment de théâtre à découvrir à Avignon jusqu’au 31 juillet au Théâtre ACTUEL.

Nicolas CORMYR

Une pièce écrite et mise en scène par Jean-Philippe Daguerre

Interprète(s) : Gregori Baquet, Julie Cavanna, Alexandre Bonstein, Franck Desmedt, Charlotte Matzneff

Décors : Caroline Mexme

Musique : Hervé Haine

Lumières : Aurélien Amsellem

Costumes : Virginie Houdinière

Assistant à la mise en scène : Hervé Haine

Collaboration artistique : Laurence Pollet-Villard

Cet article ADIEU MONSIEUR HAFFMANN au théâtre Actuel à 17H20 (1H25) est apparu en premier sur Agenda Théâtre.

Attention ! Expérience étonnante, expérience sensorielle ! C’est l’histoire d’une création théâtrale où notre imaginaire surpasse l’image, où notre écoute remplace notre regard…. C’est un spectacle joué dans le noir absolu : passionnant…

« Ca va, maman ? » est l’histoire vraie de Trévor, gamin de 9 ans vivant seul avec sa jeune maman dans une modeste maison isolée de banlieue américaine. Alors qu’il revient d’un week­end de camping en forêt avec la famille d’un copain, sa maman ne vient pas l’accueillir à l’entrée de la maison…

Créée en 2010 à Milan puis à Londres, Armand Eloi le metteur ­en ­scène s’est emparé de cette pièce et nous embarque avec force et subtilité dans un spectacle noir, dans les deux sens du terme. Nous devenons les témoins aveugles du drame qui se joue sur scène, car c’est bien de jeu qu’il s’agit. Les comédiens que nous ne voyons pas jouent de toute leur âme. Et la tension qui les habite se glisse en nous sournoisement, nous entraînant dans une suffocation de plus en plus angoissée.

Très vite, nous nous habituons à ce noir dans lequel on nous plonge, nos yeux acceptent de plus chercher à voir… Nous entrons dans le voyage et il est puissant. Et quand il ne reste plus que la parole de l’enfant, la peur se plante en nous et ne nous laisse plus aucun répit. L’obscurité nous permet de faire corps avec Trévor.

Et c’est là où réside la force du travail d’Armand Eloi. Il n’y a plus de quatrième mur, il n’y a plus aucun mur, nous appartenons à la maison ! La spatialisation sonore extrêmement bien conçue nous donne l’impression de manipuler les objets avec les habitants, nous nous déplaçons avec eux, nous respirons, espérons et souffrons au même rythme qu’eux, nous sommes eux.

Et quand les lumières se rallument, nous découvrons avec surprise les comédiens qui ne ressemblent absolument pas aux personnages auxquels, pendant une heure, nous nous sommes identifiés !…

C’est beau la force de l’imagination…

A ne pas manquer !..

T.Volia

De Gloria Mina

Traduction et mise en scène : Armand Eloi

Avec Lucille Bourdonnat, Flor Lurienne, Sébastien Rajon et avec la voix d'Yveline Hamon

Création sonore:Jordan Allard

Création Vidéo : Timo Hateau

Scénographie : Jean-Baptiste Manessier

Cet article CA VA, MAMAN ? à Présence Pasteur à 17H40 (1H) est apparu en premier sur Agenda Théâtre.

Ce touchant portrait de sept générations d’ouvriers offre au spectateur un voyage dans le temps en lui proposant une fresque historique sur cent cinquante ans chargée d’humour et de pédagogie.

Il s’agit d’une histoire sur le monde ouvrier et la fierté d’y appartenir. Une histoire sur le rôle de l’ « entreprise/usine » dans la société, de la reproduction sociale et de la place des femmes dans ce monde en mutation. Une histoire dans laquelle l’humain disparaît peu à peu, pliant sous les indicateurs rationnels et déshumanisés. Une histoire sur ces « dégraisseurs » face aux combats et aux luttes des ouvrier-e-s pour la liberté, l’indépendance et le droit de travailler…

La réalisation de Patrick Grégoire (écriture et mise en scène) est incroyablement rythmée, pleine d’humour et émouvante qui ne verse jamais dans le tragique. Une belle énergie se dégage du jeu des cinq comédien-ne-s (Jacques Arnould, Michèle Beaumont, Lise Holin, Alexis Louis-Lucas et Raphaël Thiéry) qui parviennent à interpréter vingt cinq personnages.

Un palpitant et pédagogique “conte de fer” à vivre en famille.

Mike

Écriture & mise en scène: Patrick Grégoire

Interprètes: Jacques Arnould, Michèle Beaumont, Lise Holin, Alexis Louis-Lucas, Raphaël Thiery

Décors: René Petit

Costumes: Rozenn Lamand

Régie lumières: Aurélien Chevalier

Cet article METALLOS et DEGRAISSEURS au Chapeau d’Ébène Théâtre à 13h15 (1h40) est apparu en premier sur Agenda Théâtre.

Qu’elle est longue cette nuit dans un hôpital à attendre le départ de la mère qui vous a adopté, choyé, aimé, sauvé !

Ils sont quatre, quatre orphelins issus de culture et de religions de pays différents. Tekitoi n’a jamais déserté. Il est resté auprès de cette mère adoptive et aimante. Après une dizaine d’années de séparation, pour cette dernière nuit, il a convoqué les trois autres : Sara, Samir et Pierrot.

Les retrouvailles commencent dans la gène, la colère, les reproches. Tout doucement, leur enfance cassée, ravagée par des événements insupportables se révèlent à nous. Comment se redresser quand le poids mis sur nos épaules est l’abandon, la mort, le génocide ? Ces quatre là seront sauvés par un couple, magnifique d’humanité, qui leur offrira un foyer et de l’amour à l’infini. S’accepter pour ces quatre là est un long cheminement vers la tolérance, leur rencontre forcée et improbable est brutale. Au fil de la pièce, chacun d’entre eux dévoile ses angoisses, ses faiblesses, ses impossibilités. Mais la présence des autres leur a donné la possibilité de retrouver une véritable enfance et même une adolescence normale avec ses révoltes et ses espoirs.

S’appuyant les uns sur les autres, guidés par ces parents aimants, ils sont devenus adultes, et trois sont partis pour vivre leur vie, sans plus jamais regarder derrière eux. Cette nuit là, ces trois là se sentent coupables mais ce sont quatre jeunes adultes qui se testent, se détestent, finissent par s’avouer leurs manques et laisser libre cours à l’amour profond qu’ils ont les uns pour les autres.

Quel texte magnifique, touchant, drôle, émouvant. Les répliques s’enchaînent rapidement et toutes nous touchent, que ce soit dans les rires ou dans les larmes.

La mise en scène, par des effets de flashback, est belle dans sa simplicité et sa justesse. Elle nous troue le cœur, ne se permet aucune facilité. Elle jongle avec très peu d’éléments de décors et des lumières qui soulignent l’intensité du jeu des comédiens, tous lumineux, fragiles et forts à la fois…

Exceptionnels ces quatre comédiens ! Leurs émotions à fleur de peau nous entraînent dans les affres de leurs peurs mêlées à leur désir viscéral de survie.

Car c’est bien de survie que ce spectacle nous parle, et par là-­même de résilience. Et c’est beau de voir ces quatre êtres se battre et se débattre avec leurs propres démons et faire le choix de s’en débarrasser pour vivre tout simplement…

A voir et revoir sans hésiter…

T.Volia

de Michèle Laurence

mise en scène Laurent Natrella, Sociétaire de la Comédie Française

Avec Maxime Bailleul, Olivier Dote Doevi, Slimane Kacioui, Elodie Menant

Au Théâtre des Corps Saints à 12H20 (1H20)

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« A Plates Coutures » nous offre bien plus que le récit des ex-ouvrières Lejaby, elle nous révèle la face cachée de leur combat. Qu’est-ce qui pousse ces travailleuses à entrer en résistance ? Avec quels doutes, quels tiraillements traversent-elles cette épreuve ? Comment vivre et rebondir une fois la lutte terminée ?

A travers les témoignages audacieusement mis en scène par Claudine Van Beneden, on comprend que les réponses sont multiples et tiennent avant tout à chaque individualité. Individualités incarnées avec subtilité et justesse par les quatre comédiennes. Plongées dans l’atmosphère musicale de Simon Chomel, elles nous font passer, tour à tour, de l’enthousiasme à la colère, de l’indignation à la résignation.

Un combat à vivre sous toutes ses coutures !

Mike

De Carole Thibaut

Interprètes : Angeline Bouille, Barbara Galtier, Chantal Péninon, Simon Chomel, Claudine Van Beneden

Metteur en scène: Claudine Van Beneden

Assistant: Raphaël Fernandez

Lumières : Clémentine Gaud

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Voyage inoubliable entre Paris et Buenos Aires, entre l’Antiquité et Aujourd’hui, entre fanatisme religieux et baroque !

Sur le plateau, les couleurs sont rouges et noires, couleurs du deuil et de la colère, couleurs du tango, couleurs de trois destins de femmes brisées racontés dans un roman à succès « la femme rejetée » d’Aline Gardel, point de départ du spectacle.

Aline Gardel, journaliste et autrice, est interviewée dans un studio de radio à Paris par une animatrice, joyeuse et très excitée et des auditeurs passionnés, sur son récit : 3 femmes rejetées au nom d’un certain fanatisme. Ces trois femmes sont la mystérieuse concubine de Saint-Augustin (IVe siècle après Jésus-Christ) dont on ne sait rien sinon ce qu’il a bien voulu nous dire dans ses « confessions », la mère de Carlos Gardel (début du XXe siècle) fuyant l’Argentine pour la France avec le secret bien gardé de la naissance de son fils naturel, et de Didon (IVe siècle avant Jésus­-Christ), reine de Carthage dont la légende nous dit qu’elle s’est tuée après avoir été délaissée par son amant Enée…

A travers une enquête sur ses propres origines, Aline Gardel (Louise Doutreligne brillante qui est aussi l’autrice de cette pièce) va nous raconter la genèse de « la femme rejetée ». Un jour, elle se retrouve dans une petite librairie à Buenos Aires, tenue par un mystérieux et débonnaire libraire (formidable Jean-­luc Paliès), dans laquelle un lecteur passe ses journées à lire (excellent Alain Guillo) et trouve un livre de la concubine de Saint-­Augustin…

A partir de ce livre, passant par des allers-­retours temporels et spatiaux, l’autrice nous livre l’histoire de ces femmes abandonnées au nom de la supériorité des Idées ; parlant des écrits de Saint­-Augustin, elle évoque le combat entre l’esprit et le désir où au nom de l’esprit, l’homme décide de traiter la femme avec mépris, d’en faire l’objet de tous les désordres… Le temps est aboli : ces destins entrecroisés nous emportent dans un flot d’interrogations sur la place de la femme depuis le début des temps. Et l’histoire de Didon surgit au cours du récit avec l’opéra de Purcell… Chanté de façon exceptionnelle par la belle et charismatique Magali Paliès, elle nous fait entendre la trahison et la douleur de l’abandon.

La mise­ en ­scène, extrêmement inventive, est superbe, vivante et fluide et nous entraîne par instant, grâce à la vidéo dans les dédales de Buenos Aires. Les lumières cisèlent le plateau et nous permettent de passer d’un monde à l’autre sans hésitation.

Certains combats ne finissent jamais. L’écriture fine, acérée et pleine d’humour de Louise Doutreligne traverse nos certitudes, nous confrontant à des évidences acceptées et digérées depuis des siècles. Elle nous permet de prendre la mesure de l’endroit où les femmes sont cantonnées dans l’inconscient collectif. Le premier pas pour comprendre ceci est d’aller voir ce spectacle original et magnifique.

Ne le manquez surtout pas !…

T.Volia

Auteur : Louise Doutreligne

Interprètes : Louise Doutreligne, Jean-­Luc Paliès, Alain Guillo, Magali Paliès

Animatrice Radio : Adira Annan

Metteur en scène : Jean-­Luc Palliès

Scénographie : Luca Jimenez

Costumes : Madeleine Nys

Créations Régie Multimédia : Nicolas Barraud

Assistante Vidéo Multimédia : Nina Cholet

Régie : Mathieu Pontille

Théâtre du Girasole – 19H – 1H20

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Difficile tâche que d’adapter au théâtre l’univers singulier d’Amélie NOTHOMB. Encore plus difficile est la tâche de faire vivre cette œuvre magistrale qu’est Hygiène de l’Assassin, premier opus et immense succès de l’auteure. François TANTOT relève ce défi avec brio. L’adaptation de cet incontournable est fidèle à l’atmosphère sarcastique et mystérieuse du livre mais également originale grâce à l’intégration d’images vidéo qui lui donne un côté onirique et mélancolique. Le public est alors immédiatement plongé dans une ambiance aussi juste qu’envoûtante…

Hygiène de l’Assassin c’est un dialogue entre Pretextat Tach (Gilles DROULEZ), prix Nobel de littérature, atteint d’un cancer des cartilages incurable, personnage vulgaire, condescendant et brutal, et Nina, une journaliste (Fanny CORBASSON) venant l’interviewer avant sa mort. Misanthrope de la première heure, intolérant et provocateur, Tach se retrouve face à une journaliste effrontée et déterminée prête à aller jusqu’au bout pour le pousser dans ses retranchements. Les deux personnages se livrent alors un combat de mots jubilatoires, toujours bien envoyés, avec un sens de la répartie hors du commun.

Si dans le livre le/la lecteur/trice n’a pas réellement accès aux pensées des personnages, les vidéos et la scénographie de la pièce nous permettent de les deviner. Et c’est une vraie plus value pour le public qui peut aller jusqu’à se laisser attendrir par Tach, voire découvrir de lui une facette de ce personnage qui va au-delà de sa surface perverse, obscène et misogyne. La mise en scène est sobre, efficace et esthétique. Elle permet aux acteur/trice-s de réaliser une performance enlevée et d’incarner parfaitement les personnages. Une mention particulière peut être donnée à Gilles DROULEZ qui interprète de façon magistrale le personnage de Tach. Il est exactement tel que le/la lecteur/trice pourrait se l’imaginer et c’est jouissif pour le public !

Cette pièce nous fait alors redécouvrir les sens cachés et la profondeur de l’œuvre. Dans sa progression, la pièce laisse entrevoir de nombreuses réflexions sous-jacentes, la plupart métaphysiques.

Sur un fond clairement affiché de misogynie infernale voire une haine des femmes non dissimulée, Tach pose en fait une réflexion beaucoup plus profonde sur le conditionnement humain et notamment les rôles attribués aux hommes et aux femmes en général. Tach, en préférant garder sa bien aimée dans l’enfance et l’empêcher d’accéder à la puberté, la préserve de devenir une femme. Sont alors abordés tour à tour l’angoisse de la puberté, le tabou des menstruations féminines, la destinée de la maternité pour les femmes, l’assujettissement des hommes et des femmes à des fonctions prédéterminées…

Toutefois, on peut se demander si cet idéal de la pureté de l’enfance et cette nostalgie du paradis perdu défendus inlassablement par Pretextat Tach nous donne de lui l’image d’un misanthrope machiste et misogyne ou finalement nous apporte une autre voie du féminisme ? A chacun-e de se faire sa propre interprétation en allant voir cette pièce…

MG

http://paris.planning-familial.org/articles/hygiene-de-lassassin-une-autre-voix-du-feminisme-002289

Cette adaptation de l’œuvre magistrale d’Amélie NOTHOMB est fidèle à l’atmosphère sarcastique et mystérieuse du livre mais également originale grâce à l’intégration d’images vidéo qui lui donne un côté onirique et mélancolique. Le public est alors immédiatement plongé dans une ambiance aussi juste qu’envoutante…

Hygiène de l’Assassin c’est un dialogue entre Pretextat Tach (Gilles DROULEZ), prix Nobel de littérature, atteint d’un cancer des cartilages incurable, personnage vulgaire, condescendant et brutal, et Nina, une journaliste (Fanny CORBASSON) venant l’interviewer avant sa mort. Misanthrope de la première heure, intolérant et provocateur, Tach se retrouve face à une journaliste effrontée et déterminée prête à aller jusqu’au bout pour le pousser dans ses retranchements. Les deux personnages se livrent alors un combat de mots jubilatoires, toujours bien envoyés, avec un sens de la répartie hors du commun.

Gilles Droulez incarne à la perfection Prétextat Tach qui, derrière son caractère misogyne et misanthrope, laisse entrevoir son humanité. Ainsi, le spectateur navigue entre haine et empathie jusqu’à nous faire ressentir de l’affection pour l’infâme Tach. Au travers sa dialectique, on se permet de comprendre sa détermination à bloquer le temps pour figer la beauté lorsqu’elle est à son paroxysme. Mais, jusqu’où pouvons-nous aller dans cette quête du paradis perdu ?

Cette pièce nous fait redécouvrir les sens cachés et la profondeur de l’œuvre. Une véritable réussite.

Mike

de François TANTOT (adaptation, mise en scène et vidéo) et Gilles DROULEZ (scénographie).

Avec Fanny CORBASSON et Gilles DROULEZ. 

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